Ueber ewiger Ruhe

  • ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: изобразительное искусство (список заголовков)
12:00 

Чюрленис "Симфония похорон"


Цикл “Похоронная симфония” начинается с солидарности. Огромная плотная масса народа, видимо, все жители города собрались ко гробу на площади у городских ворот.
Солидарность в горе...
Кажется - неодушевленные башни, строения, колокол, каждый камень обрел душу и встрепенулся от несчастья. Расширенными от ужаса глазами-бойницами, искаженно разинутым в крике ртом-колокольней, самим вдруг померкшим зеленым цветом своим город соболезнует горю.

Гроб, иссиня-черный, мгновенно приближенный во второй картине из глубины пространства на первый план, как трагический аккорд страшной силы, взывает за сочувствием к самой природе, к великому солнцу. И оно откликается на скорбный призыв. Вокруг постепенно наступает ночь.

Люди, бесконечная колонна людей, все до единого одетые в одинаковые траурные одежды, не во исполнение светского долга, а из искреннего сострадания все, как один, потупили головы,- они отправились в долгий путь, чтобы в достойном месте похоронить умершего.
Эффектные похороны... И краски им соответствуют.
Пожалуй, во всем творчестве Чюрлениса мало произведений с таким интенсивным цветом. Конечно, это потому, что художник еще не выработал свой неподражаемый блеклый колорит (“Похоронная симфония” - одно из самых первых его произведений). Но и здесь этот колорит пробивается в образной системе цикла. Не ради него ли вся полнота цвета первых пяти картин? не для того ли, чтобы резче, контрастнее оттенить финальные “аккорды” “Симфонии похорон”, чтобы до глубины души пронзила неожиданная и бесцветная истина: царствует в жизни - смерть.
А ее подданные, рабски бредущие сейчас за нею на кладбище, волею художника на фоне света солнца и своих свечей предстают лишь темными силуэтами. Они внутренне потухли: это же путь не только усопшего, но и собственный их путь, их судьба.
И вот именно в этом глубочайшем сочувствии прорастает и становится видимым спрятанное в тайниках души зерно разобщения, посеянное эпохой.
Так ли сникал перед лицом смерти воинственный феодал, рыцарь, гордый аристократ или не забывший о чести дворянин? А смиренный крестьянский принцип: Бог дал - Бог и взял?..
Нужно крайнее сосредоточение каждого на себе, чтобы смерть одного так всколыхнула всех. Лишь наступление последнего периода капитализма с его столь остро развернувшейся индивидуальностью может заставить перед естественной смертью - чужой, а главное, своей - остановиться с таким ужасом. И действительно: как быть? - Со старыми формами религиозных утешений порвано; но чем ценнее сама личность в своих глазах, чем утонченнее, глубже ее жизнь, тем страшнее конец этой жизни!
По контрасту с потрясающей траурной процессией чюрленисовской “Симфонии” ассоциируются похороны его великого современника, гениального ученого - Альберта Эйнштейна. Это была такая ценная личность для человечества, что трудно сыскать десяток подобных во всей истории. Как же должны были хоронить его?
По его завещанию время и место его похорон не сообщили никому, кроме нескольких ближайших друзей, которые проводили его тело в крематорий. А еще при жизни Эйнштейн говорил, причем без тени рисовки и фразерства, что если бы он узнал, что ему суждено скончаться через три часа,- он бы сперва подумал, как ему лучше распорядиться ими, затем бы привел в порядок свои бумаги и лег бы, чтобы умереть.
Значит, не нужно искать идеалов рыцарства и крестьянства, вообще идеалов прошлого, чтобы поддержать свой дух во встрече со смертью. Есть такие идеалы в настоящем, предвестии будущего. Сосредоточив все силы души и ума на одном, живя почти исключительно удовлетворением беспредельного интереса к внешнему надличному объективному миру, вот такой человек, как Эйнштейн, искренне не боялся смерти, ибо преданный не себе - как бы неуязвим для нее.
Никто не усомнится в ценности жизни Эйнштейна, а вот сам он полагал, что рано или поздно не он, так другие открыли бы то, что открыл людям он. Поэтому он не считал свою жизнь особенно драгоценной, а смерть достойной выдающихся церемоний.
Не то в “Похоронной симфонии”. Здесь явно не было завещания, подобного эйнштейновскому, здесь уважены чувства людей, безмерно ценящих жизнь, здесь смерть любого, даже безвестного человека, непроизвольно вызывает грандиозный обряд.
А “речь” тут идет об отношении к смерти именно любого жителя этого странного города.
Гроб не случайно так прост. Умер не царь, герой, вождь или кто-нибудь в этом роде, на чьих похоронах не обходится без вещественных знаков их прижизненного величия.
Можно подумать, что хоронят какого-то великого праведника. Длиннополые одежды людей и нарочитая скромность гроба, как символ аскетической жизни усопшего, казалось бы, за то говорит. Но не менее символична и комната - знамение домашнего очага - в последней картине серии.

Опустевшая комната... Опустевший стол своею чернотой напоминает о гробе, наверно, здесь еще недавно покоившемся. Нет. Вряд ли это монашеская келья. А фигура в длинном платье, оцепеневшая перед пустым столом, вероятнее всего - вдова. Во всяком случае, вся седьмая картина - скорее символ обломка семейной жизни, чем чего-то внесемейного.
Недостойным обобщенного стиля всего цикла было бы и натуралистическое толкование, мол, вдове покойного не по средствам было украсить гроб.
А, может, любимца народного, выразителя национального духа тут хоронят, о демократических пристрастиях которого могла бы свидетельствовать простота гроба? Но художник не показал этого внятно. Почему?
Почему на протяжении семи картин нигде-нигде не конкретизировано, кто умер? - Потому, что для движения идеи этого цикла безразлично, кого хоронят. Любая, мол, жизнь - и это соответствует обобщенности произведения - любая жизнь достойна народного траура, когда она гаснет в этом царстве тлена; только так живые привыкнут к неизбежности своей кончины.
Есть философия, одна из истин которой выражена афоризмом: “первый шаг ребенка - шаг к смерти”... Нечто подобное чувствуешь, глядя на предпоследнюю картину цикла. Эта исчезающая материальность, бестелесность - как бы сама абстракция, сама суть, сам закон, парадоксальный закон: смерть - царица жизни.

Но и в этой картине еще есть сияние, пусть фосфорическое, смертное, пусть туманное и фантастическое. В ней еще есть пафос, парение - это апофеоз смерти. Это еще одна, последняя, разновидность эффектности цикла - торжество смерти.
И только в завершающей картине открывается окончательная суть всего - пустота. Осталось - изначальное: одиночество. Его не выкричишь, не выплачешь, не переживешь. Оно навсегда. Неизбывно.
Всесторонний контраст последней картины всему циклу настолько велик, что создается впечатление, будто переданное ею настроение не может - даже медленно - исчезнуть. Не может не только у женщины, в финале цикла покинутой всеми, но и у нас, зрителей. Эта мерная и длительная подготовка, пока мы переходим от одной картины к другой, не проходит даром. Вживаешься. Течет время... Идешь вместе с людьми... Становишься участником... И не так легко перевести дух после всего этого. И надолго у зрителей остается тяжелое чувство. Картина же - его абсолютизирует.
- А ходячая мысль, что время все лечит?..
- Выходит, не все. Если каждая душа неповторима, и если отошла в мир иной та единственная на свете, которую ты мог назвать близкой себе, то одиночество непреоборимо.
Сайт с этим разбором рухнул.

Кладбищенские пейзажи




Читать еще на тему

@темы: Триумф Смерти, Изобразительное искусство

13:06 

Картина, давшая название нашему сообществу.

"А на стене висит большая репродукция в раме... На стене - другой мир. Ветер, рвущий облака, деревья, траву, пасмурная гладь воды, столетняя часовенка, заброшенный погост. Вся картина - неподвластное разуму движение, стихия, которую нельзя остановить, беспокойная вечность, для которой нет конца, нет смерти. На стене перед моими глазами - необъятность пространства и времени, откуда мне выделена микроскопически малая частичка. Великий мир и я, придавленный к постели, поставлены лицом к лицу. С разглядывания "Над вечным покоем" и начинается утро". В.Ф. Тендрякова "Чрезвычайное"

Левитан "Над вечным покоем"


Левитан начал работу над картиной летом 1893 года на озере Удомля, близ Вышнего Волочка. Церковь на картине написана с этюда «Деревянная церковь в Плёсе при последних лучах солнца». Эскиз полотна «Над вечным покоем» под названием «Перед грозой» также хранится в Государственной Третьяковской галерее.
В письме к П. М. Третьякову 18 мая 1894 года художник писал о своей картине: «Я так несказанно счастлив, что моя работа снова попадет к Вам, что со вчерашнего дня нахожусь в каком-то экстазе. И это, собственно, удивительно, так как моих вещей у Вас достаточно, но что эта последняя попала к Вам, трогает меня потому так сильно, что в ней я весь, со всей моей психикой, со всем моим содержанием…». В другом письме он писал: «Вечность, грозная вечность, в которой потонули поколения и потонут ещё… Какой ужас, какой страх!». Именно об этой грозной вечности заставляет задуматься картина Левитана.
В картине «Над вечным покоем» тяжело нависают над землёй свинцовые облака. Широкое озеро, открывающееся за утёсом, выглядит мрачно и сурово. Левитан писал, что чувствует себя «одиноким с глаза на глаз с громадным водным пространством, которое просто убить может…».
Вода и небо на картине захватывают, поражают человека, будят мысль о ничтожности и быстротечности жизни. На крутом высоком берегу стоит одинокая деревянная церковь, рядом кладбище с покосившимися крестами и заброшенными могилами. Ветер качает деревья, гонит облака, затягивает зрителя в бесконечный северный простор. Мрачному величию природы противостоит только крохотный огонёк в окне церквушки. (с) Википедия

@темы: клипы/ролики/передачи, Изобразительное искусство

07:47 

Vincent van Gogh

La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
Винсе́нт Ви́ллем Ван Гог (нидерл. Vincent Willem van Gogh; 30 марта 1853, Грот-Зюндерт, около Бреды, Нидерланды — 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция) — нидерландский художник-постимпрессионист.

@темы: Изобразительное искусство

20:04 

Пер-Лашез

Пер-Лашез (фр. Père Lachaise, буквально «отец Лашез») — кладбище в Париже, одно из самых известных мест захоронения в мире. Расположено на востоке города, в 20-м муниципальном округе. Официальное название — Восточное кладбище (фр. Cimetière de l'Est). Это самый большой зеленый оазис французской столицы и один из крупнейших музеев над­гробной скульптуры под открытым небом площадью около 48 гектаров.
История


Земля, на которой появилось кладбище, принадлежало ордену иезуитов, а местность сохранила имя одного из отцов этого ордена Франсуа де ла Шеза (1624-1709), который был духовным наставником и исповедником Людовика XIV. Дружбу короля и монаха орден использовал в корыстных целях, расширяя и приукрашивая свои владения. Монашеский сад с фонтанами, редкими растениями, оранжереей, гротами и водопадами превратился в место романтических встреч аристократии. Когда короля не стало, орден обанкротился, а монашеские земли были конфискованы и проданы на аукционе. Беседки, гроты и водопады были снесены или срыты, а сад перепланирован в английском стиле. На месте иезуитской обители была построена часовня. Участок на Шароннском холме площадью в 17 гектаров был приобретён городом Парижем у частных владельцев в 1804 году. Поначалу кладбище, расположенное далеко от тогдашних границ города, привлекало мало клиентов. Чтобы исправить положение, власти решили добавить Пер-Лашез популярности и перезахоронили здесь останки Лафонтена и Мольера. Затем, в 1817 г. сюда были также помещены останки Пьера Абеляра и его ученицы Элоизы. Это принесло свои плоды: к 1824 году количество постоянных "обитателей" Пер-Лашез выросло с нескольких десятков до 33 тысяч. На протяжении 200 лет здесь хоронили выдающихся деятелей культуры, науки и искусства, внёсших вклад в историю Франции. В настоящий момент на кладбище захоронено более 300 000 человек, не считая тех, чей прах находится в колумбарии. Одной из достопримечательностей Пер-Лашез стала Стена коммунаров, у которой в мае 1871 г. были расстреляны 147 сопротивлявшихся коммунаров Парижской коммуны.

Месторасположение

Кладбище является частью бульвара de Ménilmontant. Станция метро Philippe Auguste линии № 2 рядом с главным входом. Станция Père Lachaise, располагается на пересечениях линий № 2 и № 3, хотя от станцию и кладбище отделяет расстояние в 500 метров около бокового входа. Некоторые посетители предпочитают станцию Gambetta на линии № 3, поскольку вход с этой стороны на кладбище позволяет им начать осмотр с могилы Оскара Уальда.

Знаменитости, захороненные на Пер-Лашез

Интересные факты
* В 1814 году, когда Наполеон отрекся от престола, войска антифранцузской коалиции вошли в Париж. Сотни студентов пытались поставить баррикады на пути наступавших армий. Но сопротивление было быстро сломлено, а русские казаки, захватив кладбище, разбили здесь свой лагерь.
* До 27 мая 1871 года здесь был предпоследний очаг сопротивления коммунаров. С 1880 года ежегодно в последнее воскресенье мая у Стены коммунаров устраиваются митинги парижских трудящихся.
* На могиле Джима Моррисона поначалу стоял небольшой мраморный бюст, который куда-то подевался. Его могила самая посещаемая на кладбище и она же самая «шумная». Возле нее постоянно толкутся толпы людей, которые громко разговаривают, поют песни The Doors, мусорят, оставляют тысячи записок, разбрасывают окурки и курят марихуану. В 2001 году руководство кладбища предлагало перенести урну с прахом Моррисона в другое место, потому что срок контракта на пребывание останков музыканта на Пер-Лашез истекал. Однако под давлением общественности контракт был продлен. Его захоронение самое «прибыльное» и стоит на пятом месте по посещаемости среди парижских достопримечательностей.
* Ежегодно кладбище посещают около 2 миллионов человек.
* Разросшееся кладбище отличается редкостной хаотичностью планировки. Многие могилы очень трудно отыскать, а многие памятники срочно нуждаются в реставрации.

официальный сайт:

еще сайт

"Между деревьями возвышались надгробные памятники – усеченные колонны, пирамиды, часовни, дольмены, обелиски, склепы в этрусском стиле с бронзовыми дверями. В некоторых из них были устроены своего рода могильные будуары, с садовыми креслами и складными стульями. Паутина лохмотьями висела на цепочках урн, и пыль покрывала атласные банты букетов и распятий. Между столбиками оград, над могилами – всюду венки из иммортелей и светильники, вазы, цветы, черные диски, украшенные золотыми буквами, гипсовые статуэтки – мальчики, девочки, ангелочки, повисшие в воздухе на латунной проволоке; над некоторыми были устроены даже цинковые навесы. С надгробных стел на каменные плиты спускались огромные канаты из крученого стекла, черного, белого и голубого, извиваясь, как удавы. Освещенные солнцем, они искрились среди крестов из черного дерева, и колесница медленно подвигалась вглубь широких проездов, мощенных наподобие городских улиц".
Гюстав Флобер. "Воспитание чувств"




Пишет rina_bel:
Пер-Лашез






Легенды кладбища Пер-Лашез

Демонстратор фантасмагорий

читать дальше

Théodore Géricault/Теодор Жерико

Жан Луи Андре Теодор Жерико (фр. Jean-Louis-Andre-Theodore Gericault, 26 сентября 1791, Руан — 26 января 1824, Париж) — французский живописец и график, один из первых французских художников-романтиков. Большинство современников поняли его великую роль, когда он был уже мертв. И термин «романтизм» впервые появился в некрологе, посвященному Теодору Жерико.
-Биографическая справка-



Могила на Père Lachaise:


L`hymme des zeros (Гимн Нулей)
Я - ноль
Без сомнений
Без излишек
Без надежд и взглядов
Я - ноль
Я - ноль
Вступайте вступайте
В мой альянс
На Пер-Лашез
Я нашел часть
Моего будущего сердца
Моего вытащенного сердца
На Пер-Лашез
Я нашел шепот
Таких же нулей
Которые останутся нулями навсегда
В глубине души есть огромное место
На котором ожидают одного из пятнадцати на поверхности
Их личная война, их любимая война
Я знаю, что на войне сердце закрыто
Вдалеке видно друзей, Оскара и Джима
Они читают стихи и поют вместе гимн
Гимн посредственностей
Гимн счастливых людей
Гимн Оскара и Джима
Гимн всех нулей

@темы: французские кладбища, кинематограф, история скульптуры, Некрополи Парижа, Изобразительное искусство

15:29 

Здислав Бексински

(Zdzisław Beksiński) (24 февраля 1929 — 22 февраля 2005) — известный польский художник и фотограф.
Бексински родился в Саноке (Sanok) на юге Польши. После завершения обучения архитектуре в Кракове в 1955 году, он вернулся в Санок. Несколько лет после этого Бексински работал бригадиром на стройке. Эту работу он ненавидел. В этот период Бексински заинтересовался художественной фотографией, фотомонтажем, скульптурой и живописью. Он оказался очень новаторским художником, особенно для коммунистической страны. Он создавал скульптуры из гипса, металла и проволоки. Фотографии Бексинского стилистически были похожи на его будущие работы в живописи, представляя собой изображения морщинистых лиц, неровных ландшафтов, объектов с очень бугристой поверхностью, эффект от которых усиливался игрой с источниками света и тенями. Среди его фоторабот также можно встретить различные тяжёлые образы, такие как изуродованная кукла с разодранным лицом, портреты людей без лиц или с полностью забинтованными лицами.
Позднее Бексински сконцентрировал свои творческие усилия на живописи. Его первые картины относились к абстрактному искусству, но на протяжении шестидесятых годов он всё более склонялся к сюрреализму. В 1970-х годах Бексински вступил в период, который он сам назвал «фантастическим», который продолжался вплоть до поздних 80-х годов. Это наиболее известный период его творчества, когда он создавал свои самые знаменитые впечатляющие образы, изображающие сюрреалистические, постапокалиптические картины сцен смерти, распада, пейзажи со множеством скелетов, искажённых тел, пустынь. Все они были написаны с его особым вниманием к мельчайшим деталям, особенно когда это касалось отображения грубых, неровных поверхностей. Картины художника часто весьма велики по размерам, и отчасти напоминают некоторые работы австрийского художника Эрнста Фукса (Ernst Fuchs) своей замысловатостью и почти маниакальным вниманием к деталям. Несмотря на мрачное исполнение, Бексински считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны.
Практически все выставки Бексинского проходили с успехом. Престижная варшавская выставка в 1964 году считается его первым серьёзным успехом, так как все выставлявшиеся картины были проданы. В 80-х произведения художника получили известность во Франции и он достиг серьёзной популярности в Западной Европе, Японии и США.
До переезда в Варшаву в 1977 году он сжёг выборку своих работ на заднем дворе своего дома не оставив никакой информации о них. Позднее Бексински объяснял, что некоторые из них были «слишком личными», другие неудовлетворительными, и он не хотел, чтобы люди могли их видеть. 1980-е годы стали переходными в творчестве Бексинского. Произведения ранних 90-х годов в основном представляли собой серию сюрреалистических портретов и крестов. Они были намного менее богаты деталями, чем работы «фантастического периода», но не менее убедительными и сильными. Во второй половине 90-х годов художник открыл для себя компьютеры, Интернет, цифровую фотографию, на чём и концентрировался вплоть до своей смерти.
Бексински всегда выполнял свои работы в одной из двух манер, которые он называл баро́чной и готической. В первой манере доминировало наполнение, во второй — форма. Картины созданные в последние пять лет жизни художника в большинстве своём были созданы в «готической» манере.
Поздние 90-е стали тяжёлым периодом в жизни художника. Его жена, София, умерла в 1998, а год спустя, на рождественский сочельник 1999 года, покончил жизнь самоубийством его сын Томаш (Tomasz Beksiński) (популярный ведущий на радио, музыкальный журналист и кинопереводчик). Его тело нашёл сам Здзислав Бексински. Бексински не смог примириться со смертью сына и хранил конверт «для Томека в случае, если я протяну ноги» прикреплённым к стене.
22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексинского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома, который позднее был признан виновным, и его друг. Известно, что незадолго до своей смерти Бексински отказался дать в долг этому юноше.

Оф.сайт
галерея


@темы: Изобразительное искусство

12:18 

Laurie Lipton

01.12.2008 в 03:08
Пишет EvaDrasen:





Лори Липтон (Laurie Lipton) - одна из ведущих современных художниц нашего времени. Ее идеальные с точки зрения техники и пугающие по содержанию рисунки никого не оставляют равнодушными: ее или обожают или ненавидят. Лори Липтон живет и работает в Нью-Йорке. Рисует с 4-х лет.
©

@темы: Изобразительное искусство

22:00 

Фелисьен Ропс

Br. Samedi

(1833-1898)
Бельгийский живописец, график и иллюстратор, мастер литографии и офорта. Фелисьен Ропс родился в Намюре в 1833 году, получил образование в университете Брюсселя. Учился также в “Мастерской Святого Луки” в Брюсселе; жил в Бельгии и во Франции (с 1865), испытал влияние Гюстава Курбе, мастеров импрессионизма, Анри де Тулуз-Лотрека. Ропс работал в области политической и бытовой карикатуры, экспериментировал в сфере цветной гравюры, создавал иллюстрации к произведениям Шарля де Костера, Шарля Бодлера и других писателей и поэтов, писал пейзажи, выделяющиеся широтой и обобщенностью изображения природы, свежестью насыщенного колорита (“Рыбачий порт в Бланкенберге”, “Баржи в Динане” - оба в Королевском музее изящных искусств, Антверпен). Ропс был близко связан с литературным движением модерна и символизма. Как и в работах литераторов, поэзию и прозу которых художник иллюстрировал, в картинах Ропса четко отражена философия символизма конца 19 века, включающая эротику, ощущение неизбежности смерти, вольную трактовку сатанинских изображений. В своих жанровых картинах и сатирических иллюстрациях художник пытался сочетать реалистические искания с мистико-эротическими тенденциями. Фелисьен Ропс получил широкую известность в конце 19 столетия как автор аллегорических, воспринимавшихся как вызов мещанской ограниченности вкусов композиций (преимущественно в технике литографии и офорта), в которых жесткий натурализм и эротика сочетаются с мистической символикой (“Сфинкс”, “Демон кокетства”, “Искушение святого Антония”, “Черная месса”, “Порнократия” и др.). Фелисьен Ропс был вольным каменщиком и членом бельгийской масонской ложи Великого Востока. Скончался Ропс 22 августа 1898 года в Брюсселе.
©
The Hundert Unprententious Sketches to Chear Honest People, 1878


здесь еще посмотреть и здесь.

@темы: Изобразительное искусство

19:01 

Пляска смерти (доработанный пост)


Наша библиотека изображений (на vk.com) содержит 47 альбомов (!) по теме Danse Macabre.


Пляска смерти (нем. Totentanz, англ. Dance of Death, фр. Danse macabre, итал. Danza macabra, исп. Danza de la muerte) — аллегорический сюжет живописи и словесности Средневековья, представляющий один из вариантов европейской иконографии смерти и бренности человеческого бытия: персонифицированная Смерть ведёт в могилу цепочку фигур, среди которых король и монах, юноша, девушка и другие.
Первые «Пляски смерти», появившиеся в 1370-х годах, представляли собой серии рифмованных девизов, служивших подписями к рисункам и живописным полотнам. Они создавались вплоть до XVI века, однако архетипы их восходят к древней латинской традиции.

На нынешнем уровне наших знаний в Европе насчитывают не менее 80 плясок смерти ХУ-ХУ1 веков (существующих или разрушенных), нарисованных в виде фресок или изваянных, иногда также вышитых на гобеленах или мантиях или воспроизведенных в витражах: 22 в Германии (включая Эльзас, Австрию, Эстонию и Истрию), 8 в Швейцарии, 6 в Нидерландах, 22 во Франции, 14 в Англии, 8 в Северной Италии.
Ни одна из них не старше 1400 года — возможно, и в этом случае текст предшествовал изображению. Зато еще около тридцати плясок были созданы в XVII, XVIII и даже XIX веках — прежде всегов Германии, Австрии и Швейцарии. Этот предварительный подсчет, безусловно, не исчерпывает проблему распространения пляски смерти.
В таких странах, как Испания или Португалия, где ее не рисовали и не высекали в камне, она, тем не менее была известна в виде текстов (изредка сопровождавшихся иллюстрациями). Аналогичным образом, Дания и Швеция были хорошо знакомы с ней благодаря книгам и гравюрам, пришедшим из Германии.

Хронология плясок

"Heidelberger Totentanz" - первая книга, в которой изображен Танец Смерти. Автор не известен. Напечатана в 1488 году в Гейдельберге, Германия.



Изобразительное искусство
* Конрад Виц (1440)
* Бернт Нотке (1477)
* Гийо Маршан (1486)
* Михаэль Вольгемут (1493)
* Гольбейн Младший (1538)
* Альфред Ретель (1848)
* Макс Слефогт (1896)
* Отто Дикс (1917)
* Альфред Кубин (1918)
* Ловис Коринт (1921)
* Франс Мазереель (1941)
Литература
Баллада Пляска смерти (1815) принадлежит Гёте. К сюжету также обращались Бодлер (1857), Густав Мейринк (1908), Август Стриндберг, Эдён фон Хорват (1932), Б.Брехт (1948).
Стивен Кинг использовал название «Пляска смерти» для своего обзора произведений (книг и фильмов) жанра ужасов.

Рильке "Пляска смерти", 1907

Музыка
* Ференц Лист (1849, вдохновлено фреской Орканьи в церкви Санта-Кроче, Флоренция)
Франц (Ференс) Лист (1811-1886) - венгерский композитор, виртуозный пианист, дирижёр, публицист-просветитель. Концерт (иногда его называют "вариации на тему Dies Irae") Totentanz написан в одночастной форме (открытой Листом) с использованием вариационного типа развития. Знаменитый напев Dies Irae звучит на протяжении всего концерта, исключая небольшую лирическую середину. Мистическая тема в творчестве Листа занимает очень важное место: большое количество его произведений, в частности, позднего периода, пропитаны образами всеобщего равенства людей перед смертью с одной стороны, с другой - глубоко личными размышлениями о вечном. Сам композитор был вдохновлён на написание концерта фреской Орканьи (Andrea Orcagna) во флорентийской церкви Санта-Кроче. фреска
При вашем желании могу выложить записи (есть два варианта исполнения).
Использованы материалы Википедии и собственные знания в области музыкальной литературы.
Слушать
* Камиль Сен-Санс (1874)
* Модест Мусоргский, Песни и пляски смерти (1875—1877)
* Арнольд Шёнберг (1914)
* Бенджамин Бриттен, ор. 14 (1939)
* Франк Мартен, опера «Пляска смерти в Базеле» (1943)
* Дмитрий Шостакович, ор.67 (1944)
* Виктор Ульманн (1944)
* Джордж Крам, Чёрные ангелы, ч.1 (1971)



Изображение «Плясок Смерти» были помещены, например, на деревянных панелях в галерее при входе на кладбище Невинноубиенных младенцев в Париже. Известны также Базельские «Пляски Смерти» — «большие», а так же «малые» в Клингентале.
«Пляска Смерти» представляла собой первоначально изображение танца, в вихрь которого были вовлечены три мертвеца, чередующиеся в живыми. Причем плясали только мертвецы, живые находились в покорном оцепенении. Это еще не изображение Смерти. Это труп, мертвец, не скелет, а мертвое тело, с втянутым, вспоротым животом. Мертвец, вовлекающий в смертельную пляску все сословия, все слои общества, людей всех возрастов и званий. В «Пляске смерти» происходит как бы встреча не со Смертью, а с самим собой, но уже мертвым, не с какими-то неизвестными мертвецами, а в одной пляске сливаешься ты сам одновременно живой и уже мертвец. Такое столкновение рождает ужас, ужас прозревания в себе живом смерти. Или жизни, таящей в себе смерть. Но, несмотря на ужас обнаружения смерти в себе живом, сами пляшущие мертвецы вызывают смех. Смахивающие на обезьян, крадущиеся на цыпочках с осклабленными лицами, мертвецы, а в XV веке уже скелеты, символизирующие Смерть, смешные в своих неловких ужимках, снимают ужас прозрения мертвого в живом, оставляя лишь напоминание о бренности всего земного, о равенстве всех перед ликом смерти.
Эту неоднозначность восприятия смерти в Средние века очень четко уловил Ганс Гольбейн в своих изображениях «Плясок Смерти». Фигура Смерти постоянно присутствует в творчестве немецких художников, однако это только отдельные моменты «подвигов» Смерти, законченную же концепцию темы в ее полном объеме дает Гольбейн.
Первое изображение «Пляски Смерти» выполнено Гольбейном на ножнах кинжала. Где еще более уместно ее неистовство, как не на оружии, призванном нести смерть. На рисунке шесть пар танцующих, однако, в отличие от смирения средневековых плясунов, у Гольбейна все, без исключения, сопротивляются притязаниям смерти. Отгоняет ее, назойливую, как муха, рыцарь; упирается, сопротивляясь изо всех сил, девушка. Ведущей темой «Плясок Смерти» Гольбейна становится мысль об абсолютной ценности всего земного.
Смерть Гольбейна совсем не страшна: она выглядит как смешное чучело. В соответствии со средневековой народно-смеховой культурой Гольбейн сознательно идет на осмеяние смерти. Тона неистово лупит в громадный барабан, то напяливает на себя какую-то драную шляпу с пером, то влезает в громадные сапоги, болтающиеся на ее тощих скелетьих ногах. Смерть выглядит уродливо-смешной, в ней нет ничего ужасающего, жуткого, ее ужимки скорее забавляют и смешат. Этот же заряд веселья несут в себе и гравюры на дереве, которые производят особенно сильное впечатление. Серьезность темы смерти, ее безысходность включает в себя смешные изображения Смерти, превращает ее из страшной в знакомую и смешную.
Совершенно по-иному выглядит Смерть в «Плясках Смерти» Альфреда Ретеля, художника XIX столетия, в творчестве которого возрождается «Пляска Смерти». Имеется в виду графическая сюита «Пляска Смерти». Две гравюры на дереве «Смерть-убийца» и «Смерть-друг» стали подлинно народными в Германии, широко вошли в быт.
«Смерть-убийца» — скелет, одетый в одежду монаха, наигрывая на скрипке, входит в зал, где безмятежно танцуют люди. Падают умирающие, оставшиеся в живых, с ужасом оглядываясь на страшную гостью, устремляются в двери. Здесь нет и намека на смех, смерть несет с собой беспредельный ужас и страх, она торжественна и непреклонна.
Смерть-друг несет в себе освобождение. Умер старый звонарь, и Смерть, забравшись на колокольню, звонит в колокол, исполняя его работу.
Еще более серьезен и страшен образ смерти в сюите «Еще одна “Пляска Смерти”», посвященной событиям вооруженной борьбы 1848 года. Здесь смерть торжественно появляется перед народом в длинном плаще, на лошади. Ее появление вызывает радость и надежду. Она взвешивает на весах трубку и корону, передает восставшим меч правосудия, затем держит знамя восстания, бесстрашно возвышаясь на баррикадах. Наконец, довольная, она уезжает на апокалипсическом коне, среди павших, раненых, плачущих. Всевластие, испепеляющая сила Смерти, ее лживость и хитрость ничем не ограничены, ей одной беспредельно подвластна вся земная, конечная жизнь. И уже нет спасительного смеха, он затерялся в глубинах Средневековья и Возрождения. Жизнь и Смерть — не единое целое, в мире Ретеля она противостоят друг другу, смерть — это только смерть, только гибель и разрушение, она не рождает ничего нового, что вызвало бы радость и смех. Она уезжает, оставляя после себя только трупы, ужас и страх.
Кузнецова В.В.

Интенсивность смерти. Философские импликации макабрической поэтики
***
В церкви Нигулисте в часовне Св. Антония расположена сохранившаяся часть внушительной картины "Танец смерти". Она принадлежит кисти известного любекского художника Бернта Нотке.
На картине изображена цепочка из людей разных классов общества, от римского папы к младенцу и танцующие рядом с ними фигурки Смерти, призывающие людей к танцу. Художник изначально создал две одинаковые картины, одна из них была уничтожена в Любеке во времена Второй Мировой войны, в Таллинне удалось сохранить лишь фрагмент этого шедевра. Эта очень впечатляющая живопись 15-го века, стоимость которой оценена в 100 млн. долларов (1,8 млрд. эст. крон).
Церковь Нигулисте – здесь находятся три из четырех сохранившихся в Эстонии наиболее значимых художественных произведений средневековья. Эта церковь, построенная в XIII в., когда-то была центром религиозной жизни Нижнего города. Сегодня она - музей и концертный зал одновременно.
Церковь Нигулисте, названную в честь покровителя всех мореходов - святого Николая, построили немецкие купцы, переселившиеся в Таллинн с острова Готланд. Свой первоначальный облик церковь приобрела в XIII веке и в те давние времена больше походила на крепостное сооружение.
В последующие столетия церковное здание не раз перестраивалось и достраивалось. Особого внимания заслуживает позднеготическая часовня Антония у южной стороны церкви и северный придел в стиле ренессанс. Церковь Нигулисте - единственное сакральное сооружение в Нижнем городе, которое не подверглось разорению, сопутствовавшему лютеранской Реформации 1523 года: хитрый приходской староста приказал залить все церковные замки свинцом - и разъяренная толпа просто не попала внутрь. В ХХ веке церковь Нигулисте сильно пострадала: сначала от бомбежки весной 1944 года, а затем после большого пожара в 1982 году, сразу по завершении реставрационных работ.
Главный алтарь Нигулисте был выполнен в 1482 году знаменитым любекским мастером Херменом Роде, а алтарь Девы Марии конца XV века, принадлежавший Братству черноголовых, - неизвестным автором из голландского города Брюгге. Однако по некоторым сведениям, алтарь был изготовлен в мастерской художника Ханса Мемлинга.
Кроме того, в Нигулисте хранится уникальная коллекция серебряных изделий, принадлежавших церкви, гильдиям, цехам и Братству черноголовых.
В настоящее время в зале церкви Нигулисте, славящемся своей превосходной акустикой, устраиваются концерты органной музыки.
***
Этимология словосочетания "danse macabre"
"Пляски смерти" в Западноевропейском искусстве XV в.

@темы: обряды и традиции, нотки вечности (музыкальные полотна), гравюры, Пляска смерти, Изобразительное искусство, Ваши пальцы пахнут ладаном (поэзия, отрывки из романов, рассказы)

14:17 

Современные художники


Dan Hillier интересен тем,что в отличии от своих последователей на самом деле рисует свои гравюры тушью и пером. За основу он берет викторианские гравюры, старые анатомические книги и другие артефакты древности и создает сюрреалистичный нео-викторианский мир со странными антропоморфными жуками и дерево-животно-головыми людьми.Он часто изображает реалистичные позы конца 1800 года, людей к которым были добавлены элементы от животных или может быть фантастических гибридов. Его искусство выглядит как рисунки из древних учебников .
Dan Hillier вырос в Оксфорде, а затем изучал искусство графики и иллюстрации в Ruskin University в Кембридже. После его окончания Dan Hillier в течение нескольких лет путешествовал по Индии, Непалу, Таиланду и Австралии, где делал татуировки хной и фрески, прежде чем в 1999 осел в Лондоне. оф.сайт

Chris Peters

Я умерла за Красоту –
Но только в гроб легла,
Как мой сосед меня спросил –
За что я умерла.
“За Красоту”, – сказала я,
Осваиваясь с тьмой –
“А я – за Правду, – он сказал, –
Мы – заодно с тобой”.
Так под землей, как брат с сестрой,
Шептались я и он,
Покуда мох не тронул губ
И не укрыл имен.
Эмили Дикинсон




+Галерея+


Axel Torvenius

Безумный художник, скульптор и фотограф, создающий жутковатые (а порой - просто неприятные) творения, порождённые его воспалённым разумом. Официальный сайт заброшен. Поэтому следите на deviant


Caroline Burraway

Caroline Burraway рисует углём последние моменты жизни людей.
©
подумайте, прежде чем смотреть


David Ho


очаровательные барышни (22!)



Joe Vaux

Искусство Joe Vaux’s вдохновлено острыми ощущениями охоты,осквернением человеком естественной природы и естественного мира.Сумасшедшие сочетания его больных фантазий и эмоций. Он заставит задуматься, кто же является хищником, а кто жертвой.Некоторые его работы возможно даже вызовут у вас некую улыбку…
Сын двух художников, Джо Vaux всегда был окружен искусством,под рукой всегда были холст и краски.Он начал свою творческую карьеру в области анимации,сейчас его творчество относиться к потоку пси-арта.Его сюрреалистические картины явно вдохновлены чертами темного чувства юмора.Живет в Лос-Анджелес со своей семьей.
Особенно советую его сайт посетить


тараканы в голове

Abigail Larson









больше на сайте автора.

Пишет takatalvi:



Черепа-иллюзии. Мрачные картины из картин в творчестве Тома Френча


Картины-иллюзии, в которых одно изображение плавно превращается в другое, и ты сам не понимаешь, когда же перестал видеть перед собой людей, и вместо этого сидишь рассматриваешь мрачный череп, - это излюбленная тематика творчества молодого английского дизайнера Тома Френча (Tom French). Томас изучил искусство живописи в Шеффилде, и в последнее время посвящает львиную долю своего творчества именно философским картинам, центром которых является именно череп.
Этот редкий жанр называется ванитас. Он удается далеко не каждому специалисту, поскольку для этого нужно серьезно готовиться морально. Но Том Френч успешно справляется с задачей показать неизбежность смерти и бренность существования, объединяя в одно целое, на одной плоскости, радость жизни и мрачность преисподней.
Прекрасные девушки на этих картинах образуют смертельно-черный череп. Нежные и одновременно мрачные, картины Тома Френча заставляют людей погрузиться в раздумья, и обратиться к собственной фантазии, чтобы дополнить предложенные образы, усилить впечатления, наполнить картины-иллюзии особым смыслом.
С некоторых пор имя художника- графика Тома Френча называют в числе лучших художников современности.




@темы: Vanitas, Изобразительное искусство

18:36 

Карлос Швабе



Родился в немецком городке Альтона, Холштейн и в раннем возрасте переехал с семьей в Женеву, Швейцария.
После обучения в Академии живописи в Женеве он в 1890 году переезжал в Париж, где начинает работать, как дизайнер интерьеров, постепенно заводя знакомства среди художников в символистских кругах.
Эта картина, считающаяся шедевром Швабе изображает ангела смерти с длинными зелеными, похожими на косу крыльями, который прибывает, чтобы забрать старика, роющего могилу. Первоначально, в эскизе Швабе поместил в руку Смерти сердце могильщика. Позже он ушел от этой мысли, посчитав сердце материальной субстанцией, и поместил в руки Смерти не менее буквальный и однозначный символ - душу могильщика в виде зеленовато-изумрудного пламени.
*
Несмотря на явное отсутствие классических атрибутов смерти – черного балахона, с глубоким капюшоном, косы – они все-таки присутствуют на картине. Как и положено у символистов, они сокрыты: ангел одет в длинное черное платье, на голове черный обруч, а крылья своими очертаниями напоминают косу смерти. Старик-могильщик, смотря прямо в глаза смерти, переживает свой последний миг. Через мгновение подкошенный крылом-орудием смерти, уже пересекшим его тщедушное тело, он у падет в могиле, которую готовил для кого-то другого, но которой суждено навеки стать последним пристанищем этого могильщика – слуги смерти. Его рука, находящаяся в районе груди, устремляя пальцы вверх, пытается удержать жизнь в себе… Но поздно…Искра жизни, его душа в виде зеленого свечения уже в руках смерти. Осталось совсем чуть-чуть: ангел смерти взлетит, забрав с собой пламя жизни могильщика, а бездыханное тело старика останется на дне вырытой им же могилы, а снег припорошит его. Лишь вечная обитательница кладбищ, плакучая ива, опустив свои ветви к могиле, будет оплакивать покойного. Мрачная атмосфера усиливается, безусловно, тем, что сюжет разворачивается на зимнем кладбище, на фоне многих-многих запорошенных снегом надгробий.
И это не единственная картина, на которой изображена Смерть в образе женщины. Такие символы есть на картине «The Day of the Dead» (второе название - Grief and The Wave), являющейся ярким предупреждением хаоса первой мировой войны с волной кричащих женских лиц. Иногда эту картину в галереях так и называют - "Волна" (La vague)
Carlos Schwabe “La Vague” 1907+ études 1906

Подборка моих любимых картин



Еще одна подборка картин. И вторая часть

@темы: Изобразительное искусство

13:07 

Br. Samedi
Когда в страдании девица отойдет,
И труп синеющий остынет:
Напрасно на него любовь и амвру льет.
И облаком цветов окинет.
Бледна, как лилия в лазури васильков
Как восковое изваянье:
Нет радости в цветах для вянущих перстов
И суетно благоуханье.
Батюшков К.Н.


-Нравится - не нравится, спи, моя красавица (Маруся Климова)-
***
На протяжение всей истории искусства смерть является одной из главных героинь полотен и экспонатов. 20 век породил новые образы и формы изображения: статуи Гюнтера фон Хагенса, инсталляции Kris Kuksi, черепа со стразами от Дэмиена Херста, Эшли Хоуп, чьи картины изображают только женщин, жертв насильственной смерти, постапокалиптические картины сцен смерти Zdzisław Beksiński и жутковатый макабр Липтон, Дино Уоллс и многие другие художники современности.
Искусная Некрофилия
Его стиль называют некро-готикой, ему приписывают шизофрению и доведение до самоубийства своей жены; его уважал сам Сальвадор Дали, а датские таможенники отказались пропустить его работы в страну, думая, что это фотографии. На что наш герой удивлялся: "Где, интересно, они думали, я фотографировал? В аду, что ли?"
Тимоти Лири (выдающийся американский писатель, психолог, участник кампании по исследованиям психоделических препаратов, разработчик программного обеспечения (одни из первых индексируемых ЭВМ психологические тесты - (Лири Т. 7 Языков Бога)) написал о нем:
«Гигер, ты видешь больше, чем мы, одомашненные приматы. Неужели ты из сверхинтеллектуальных особей? Или ты вирус, уставившийся своими глазами на лепестках внутрь наших репродуктивных органов? Кекуле Август, думая о змее, поедающей свой собственный хвост, выдвинул идею бензольного кольца. Своим открытием он начал Золотой Век Химии. Эйнштейн размышлял о парении в лифте, изобретая теорию относительности. Он начал Золотой век Физики.И вот приходит Гигер. У него точно активны те области мозга, отвечающие за одноклеточные принципы поведения наших тел, наших ботанических технологий, аминокислотных машин. Гигер стал официальным фотографом Золотого Века Биологии».
Я не буду пускаться в биографические путешествия: все факты вы можете найти сами в Интернете. Да и что расскажет о художнике лучше, чем его картины?

Ещё одна немаловажная деталь. Гигер рисует аэрографом - распылителем краски. Он творит при помощи механизма. В этом есть свой подтекст, ведь основной тематикой его картин являются им биомеханизмы, которые соединяют в себе трепещущую плоть и металлические механизмы. Стоит отметить, что самой популярной тематикой для татуировок также является биомеханика. Кроме того, татуировки также создаются при помощи механизма.
Творчество Гигера – богатое поле для исследований психоаналитиков. Считается, что если пациент рисует механизмы и нечто живое, то это признак шизофрении. Наряду с биомеханикой, Гигер активно эксплуатирует тему секса. Женщины на картинах Гигера — бледные, анемичные, болезненные — вечно истязаемы и насилуемы самыми изощренными способами. У них нет глаз или они закрыты. Женские тела вплетены в некую неживую систему, они часть огромного аппарата для производства детей – уродливых младенцев с гипертрофированными головами. Часто это даже не женщины – куски плоти с женскими гениталиями. Если женское в творчестве Гигера олицетворяет жизнь (часто это вообще единственный живой персонаж), то мужское – смерть. Длинные металлические фаллосы будто пронзают женское тело, они часть огромной машины. Характерно, что машина в картинах Гигера не имеет границ – это бесконечно большая система, Мегамашина с маленькими камерами, в которых мучаются люди. Они не могут даже пошевелиться, так как не шевелятся платы в компьютерах, им остаётся только страдать.
©

ГИГЕР : биомеханика зла.статья Мирза Бабаева
***
-Лейла Венделл-

@темы: клипы/ролики/передачи, Изобразительное искусство, Из дневников сержанта Бертрана

17:24 

Зачарованный мир 1985 - 1996

Br. Samedi

Эта удивительная серия книг была переведена и выпущена московским издательством "Терра" в 1996 году. За исключением только одной книги - "Великаны и людоеды", которая увидела свет только в 2014 году, успев стать легендарной.
В ней в живой и увлекательной манере излагались легенды, мифы и сказки; трогательные "Сказания о любви" сменялись жестокими "Сказаниями ужасов"; удивительнейшие истории о богах и богинях, великанах и гномах, доблестных героях и ужасных чудовищах, чудесных животных и волшебных странах, эльфах и призраках ночи... Все это - в шикарных изданиях, с иллюстрациями и картинами лучших художников мира.
Привидения: В книге рассказывается о появлении полчищ призраков среди смертных, о причинах их возвращения, об ужасе, который они внушают, напоминая живым о неизбежном конце. тык!
Сказания ужасов: О бедствиях и кошмарах, обрушиваюшихся на смертных, посмевших не выполнить последнюю волю умирающих, рассказывается в книге. тык!
Призраки ночи: В книге собраны предания и поверья о призраках ночи - колдунах и ведьмах, оборотнях и вампирах, один вид которых вызывал неподдельный страх, леденивший даже мужественное сердце.
тык!
Оригинальную серию рекламировал сам Винсент Прайс в 1985 году.



-Немного иллюстраций-
запись создана: 21.12.2009 в 10:28

@темы: Vampires, Библиотека Вампира с Хайгейта, Изобразительное искусство

20:32 

Поиск по тегам

What if in paradise there are no houris waiting?..
Для поиска по тегам (@темам) в сообществе.

- В гостях у La Belle Dame sans Merci ~ Заведения и места, которые вы можете посетить по всему свету. Сюда не входят кладбища. Это бары, музеи и постоянные выставки.

- Жизнь тела после смерти ~ тег рассказывает о том, что может случиться с телом после смерти: музейный экспонат**, лекарство или произведение искусства, объект для исследований. Приключения кадавра.

- атрибуты погребения и похорон ~ родственный тег "погребальным сооружениям". Катафалки, саваны, венки и другое.

- Библиотека Вампира с Хайгейта ~ книги непосредственно о смерти и кладбищах.

- Ваши пальцы пахнут ладаном (поэзия, отрывки из романов, рассказы) ~ тег говорит сам за себя. Художественная литература.

- Уточним, что Изобразительное искусство содержит в себе только картины. Скульптура имеет свой собственный тег.

- У нас - по известным причинам - исчез тег Некрофилия. Посты с ее элементами будут теперь под тегом ~ Из дневников сержанта Бертрана

- Day of the Dead ~ здесь не только материал о мексиканском празднике смерти. Мы рассказываем о днях поминовения по всему свету.

- кладбища экзотических островов - любые небольшие острова.

- Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти) - персонажи из мифологии.

Темы в процессе формирования.

* Если речь идет о кладбище, на котором лежит груда костей (см. Покойники из Труняна), то это не относится к данной теме.

** Именно музеи с медицинским уклоном ("Башня дураков", к примеру) и передвижные выставки, потому что катакомбы и оссуарии остаются в разделе В гостях у La Belle Dame sans Merci.

@темы: швейцарские кладбища, шведские кладбища, чилийские кладбища, чешские кладбища/Кладбища Праги, цитаты, хорватские кладбища, французские кладбища, финские кладбища, украинские кладбища, творчество на тему, смерть и викторианцы, словенские кладбища, словацкие кладбища, скандинавские кладбища, сербские кладбища, румынские кладбища, российские кладбища, прибалтика, португальские кладбища, помощь, польские кладбища, погребальные сооружения, поверья и приметы, перуанские кладбища, обряды и традиции, нотки вечности (музыкальные полотна), норвежские кладбища, нидерландские кладбища, немецкие кладбища, неизвестные кладбища, мумии, московские кладбища, мексиканские кладбища, кремация, клипы/ролики/передачи, кладбища южной Америки, кладбища экзотических островов, кладбища Южной и Центральной Америки, кладбища Санкт-Петербурга, кладбища Берлина, китайские кладбища, кинематограф, катакомбы, канадские кладбища, итальянские кладбища, исчезнувшие кладбища, история скульптуры, испанские кладбища, исландские кладбища, ирландские кладбища, индийские кладбища, загадки и мистика некрополей, европейские кладбища, еврейские кладбища, древние захоронения, дискуссии, датские кладбища, греческие кладбища, венгерские кладбища, бразильские кладбища, бельгийские кладбища, белорусские кладбища, африканские кладбища, атрибуты погребения и похорон, аргентинские кладбища, арабские кладбища, английские кладбища, американские некрополи, азиатские кладбища, администраторское, австрийские кладбища, австралийские кладбища, Триумф Смерти, Тени смерти, Самые мистические кладбища США, Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти), Пляска смерти, Оссуарии, кости, черепа, скелеты, Одна история любви, Некрополи Парижа, Лондонские кладбища, Изобразительное искусство, Из дневников сержанта Бертрана, Жизнь тела после смерти, Ваши пальцы пахнут ладаном (поэзия, отрывки из романов, рассказы), В гостях у La Belle Dame sans Merci, Библиотека Вампира с Хайгейта, post mortem/посмертная фотография, Wyoming, Wisconsin, West Virginia, Washington, Virginia, Vermont, Vanitas, Vampires, Utah, Texas, Tennessee, South Dakota, South Carolina, Rhode Island, Pennsylvania, Oregon, Oklahoma, Ohio, North Dakota, North Carolina, New York, New Mexico, New Jersey, New Hampshire, Nevada, Nebraska, Montana, Missouri, Mississippi, Minnesota, Michigan, Massachusetts, Maryland, Maine, Louisiana, Kentucky, Kansas, Iowa, Indiana, Illinois, Idaho, Hawaii, Haunted, Georgia, Florida, Delaware, Day of the Dead, Connecticut, Colorado, California, Arkansas, Arizona, Alaska, Alabama, шотландские кладбища, юмор, японские кладбища

22:41 

В стране восходящего солнца




Смерть всегда является очень грустной и мрачной стороной жизни человека, даже для тех, кто верит в реинкарнацию и переселение душ. Возможно, именно поэтому в каждой культуре существуют такие сложные ритуалы, связанные с погребением тела умершего, для того, чтобы ослабить горечь утраты. Люди заняты организацией похорон и соблюдением ритуалов, и у них меньше времени горевать. Не является исключением и современная Япония.
Каждый год в Японии умирает около 1.3 миллионов человек, эта цифра постепенно растёт по мере всё большего старения населения и, предположительно, достигнет значения, близкого к 2 миллионам, к 2035 году. При средней продолжительности жизни более 80 лет, японцы чаще всего умирают, как и в остальных развитых странах, от болезней сердца и онкологии. В области ритуальных услуг заняты около 45 тысяч частных и государственных компаний с ежегодным доходом порядка 1.5 триллионов йен.
Несмотря на обилие атеистов и агностиков, более 90 % похорон проводится по буддистскому обряду с некоторыми включениями синтоистских традиций. Согласно буддистским верованиям, душа умершего пребывает рядом с телом на протяжении 49 дней, прежде чем отправиться в иной мир. Существует ритуал проведения похорон, который гарантированно обеспечивает душе лёгкое путешествие и обезопасит родственников от лишних контактов с потусторонним. Как и в России, обстоятельства смерти, достаток родственников и объём ритуальных обрядов крайне разнятся, пышные похороны в богатой религиозной семье и государственное бесплатное погребение это две разные вещи, так что дальнейший текст являет собой некоторое обобщение.

читать дальше

-Не последнее пристанище. Японский отель для мертвецов-

-Похорони себя сам-

-Технологии XXI века: похороны в стиле хай-тек-

Вот такая вот японская журналистика

Двенадцатилетняя девочка родила;
Муж зверски зарезал жену и ребенка, Полицейский убил проституток;...
Кажется, что эти заголовки взяты прямиком из современных масс-медиа. Ан нет, Это статьи из японских газет 1870-х. Точнее, цветных гравюр, которые подписчики получали в качестве приложения к газете. Эти гравюры иллюстрировали самые злободневные новости - убийства, изнасилования, появления привидений и т.д. Украшены они были изображениями крылатых ангелочков. Так же интересно, что предварительно эти гравюры должны были пройти цензуру и получить официальную печать. Лишь после этого из разрешено было публиковать (т.е. все, что вы увидите под катом - это изображения, одобренные цензурой).
Еще больше таких гравюр можно найти здесь
Сорокалетний уроженец деревни Яда страдал от импотенции. Услышав, что хорошим средством от этого недуга является секс с трупом, он поспешил на кладбище, где недавно была похоронена семнадцатилетняя девушка. Вытащив труп из могилы, мужчина вступил с ним в половую связь, после чего даже не потрудился закопать покойницу обратно. Извращенец был пойман и приведен в суд.


много

Пишет Альвия:

Японские приметы и суеверия­­
Большинство примет и суеверий связаны со смертью и несчастьями...

Нельзя спать головой на север, а-то умрёшь.
*У нас ногами к двери тоже спать нельзя* Это связано с тем, что в эпохи Яёи (III в. до н.э.- III в.) и Кофун (конец III в. - VII в.) покойников хоронили головой на север.

Запрещенно стричь ногти ночью, иначе рано умрёшь. Это связано с тем, что раньше большинство синтоических праздников и обрядов проводилось по ночам, поэтому в это время нельзя гневить божеств любыми "нечистыми" действиями. А подстригание ногтей являлось обязательным в обряде предпраздничного очищения и осуществлялось не иначе как в сам праздничный день.
Ещё это связано с тем, что словосочетание "стричь ногти" сходно по звучанию глаголу "сокращать", т.е. подстригая ногти, вы сокращаете себе жизнь.

Если фотографироваться втроём, то стоящий посередине человек скоро умрёт.
Старинное поверье. Молодёжь в него не особо верит, а вот пожилые люди до сих пор не любят фотографироваться ни втроём, ни поодиночке. В начале прошлого века в фотоателье, если приходилось сниматься втроём, посередине ставили куклу. Объясняется всё довольно просто: старинные фотоаппараты хуже всего фокусировались на центре снимка, поэтому изображение человека, стоящего посередине получалось смазанным. Также возникновение суеверия объясняется тем, что в середине обычно сидел самый старший член семьи (из уважения), который по идее и должен отойти в мир иной раньше всех.
Ещё разные приметы и суеверия



@темы: японские кладбища, поверья и приметы, обряды и традиции, кремация, атрибуты погребения и похорон, Тени смерти, Изобразительное искусство, В гостях у La Belle Dame sans Merci, Day of the Dead

14:44 

Триумф смерти

The Highgate Vampire
La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
В XIV веке совершается переход от изображений мертвых и их диалога с живыми ("Пляска смерти") к изображениям самой Смерти, Смерти-Властителя, Смерти-Триумфатора...
Vojen Wilhelm Cech-Colini (р. 1924)



Экскурс
**
Ссылки:
1. Статья


Иллюстрации к "Триумфам" Петрарки


1.
2.
В двух украшенных миниатюрами рукописях «Триумфов» Петрарки и в двух циклах гравюр на ту же тему колесница Смерти окружена жестикулирующими демонами, хватающими осужденных, и ангелами, уносящими избранных. В другой иллюстрированной рукописи кони, везущие мрачную колесницу, падают, сраженные молнией, оказавшись — на рисунке, посвященном «Триумфу Божества»,— перед воскресшим Христом.
На картине, написанной в 1488-1490 годах Лоренцо Костой для церкви Сан-Джакомо в Болонье, над колесницей Смерти изображено огромное Богоявление: Бог-Отец восседает на троне между Марией и Христом, окруженный концентрическими эллипсами ангелов и святых. Прямо над косой Смерти обнаженный ребенок, несомый двумя ангелами, символизирует душу, отлетающую после кончины. Маро в «Плаче по мессиру Флоримону Роберте» соединяет чисто христианское нравоучение с итальянизированным триумфом Смерти.
И всё-таки все остальные изображения триумфа Смерти, созданные в духе Петрарки, кажутся совершенно светскими. Если бы не неизменные белые кресты, вышитые на черной материи, неосведомленный зритель никогда бы не догадался, что речь идет о христианской иконографической традиции.

***

Питер Брейгель-старший (ок. 1525—1569). Триумф Смерти (1562)
-Разбор-
Ян Брейгель-старший (1568-1625). Триумф Смерти (1597)

***
Ренессансная интерпретация мифа о быке - символе смерти
Миф в культуре Возрождения. - М.: Наука, 2003, с. 185-189
К. Леви-Строс и его сторонники видят в мифах древних народов удобный материал для изучения структуры человеческого мышления. Варианты и истолкования мифа не искажают, а только развивают и дополняют заложенную в нем структуру. При переходе от версии к версии, от интерпретации к интерпретации, которые оказываются метафорами предыдущего этапа, сохраняется и тем самым обнажается общая "арматура". Присоединяясь к этому выводу, заметим, что каждый миф дает нам конкретный образ, который затем часто становится символом. На наш взгляд, во многих мифах о Быке, религиозно-историческая роль которого была в высшей степени значительна, что выразилось в различных культах животного, выделяется главное - отношение к смерти как индикатору характера цивилизации, как одному из коренных параметров коллективного сознания.
В XIV-XVI вв. зловещие "пляски смерти" свидетельствовали не о возвращении к средневековому осуждению человеческой плоти, но, напротив, о продолжающемся процессе ее реабилитации, представая не символами зла, но своего рода модификациями Природы и материи. Чисто природное, близкое животному могло быть необузданным и жестоким, как, например, в фарсовых побоищах карнавальных представлений или позднее в прозе Рабле, но зрелище этой жестокости лишь подчеркивало от противного суверенную мощь следующего "лучшей Природе" человеческого разума, эту неуемность обуздывающего.
Ритуал "выноса смерти" (чучела) и поношение его или уничтожение, возрожденный в XIV в., связан с древним ритуалом проводов зимы, изгнанием смерти, защитой человеческой жизни, заботой об урожае. Гуманистические образные структуры ренессансной культуры зримо "скругляли" путь их формирования, вновь и вновь заворачивая его в круг посюстороннего космоса с его динамикой "вечного возвращения". Природа фактически идентифицировалась с идеей смертности - и здесь антагонизм средневекового и ренессансного сознания проступал с особой, бескомпромиссной остротой.
Описание Петраркой в "Триумфах" колесницы Смерти с запряженными в нее быками и упоминание Персефоны - один из примеров ренессансной интерпретации символа смерти, Быка, в котором языческая богиня с приносимыми ей в жертву на празднике плодородия черными быками представлена на фоне идеальной любви и обожествления прекрасной Лауры. Общечеловеческая значимость темы смерти, являющейся составной частью более общей проблемы ментальностей, социально-психологических установок способов восприятия мира повлияла на изменение иконографии многих символических образов, входящих в религиозные сюжеты. По выражению Я. Буркхардта, развитию индивидуальности в эпоху Ренессанса соответствовало и новое внешнее выражение ценности "Славы" в ее современном понимании.
читать дальше
©

@темы: поверья и приметы, обряды и традиции, гравюры, Триумф Смерти, Изобразительное искусство

11:20 

Конь блед

The Highgate Vampire
La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
И когда Он снял четвертую печать, я слышал голос четвертого животного, говорящий: иди и смотри. И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нем всадник, которому имя «смерть»; и ад следовал за ним; и дана ему власть над четвертою частью земли — умерщвлять мечом и голодом, и мором и зверями земными.
— Откровение 6:7-8


Четвертый и последний всадник именуется Смертью. Среди всех всадников, этот — единственный, чье имя присутствует непосредственно в тексте. Тем не менее, его называют и по-другому: «Чума», «Мор», основываясь на различных переводах Библии (например Иерусалимская библия). Так же, в отличии от остальных всадников, не описывается, несет ли последний всадник какой-либо предмет в руке. Зато за ним следует ад. Однако, на иллюстрациях его часто изображают, несущим в руках косу, или меч.
Цвет лошади последнего всадника описан как khlôros (χλωρóς ) в Койне, что переводится как «бледный», однако возможны переводы и как «пепельный», «бледно-зеленый» и «изжелта зеленый».Этот цвет олицетворяет бледность трупа.Под этот цвет могут так же подходить и другие реальные масти, как мышастая, пегая.
В некоторых переводах значится не дана ему власть, а дана им власть, что можно интерпретировать двояко: либо дана им — это Смерти и Аду, или же это может подводить итог под предназначением всех всадников; ученые здесь расходятся во мнениях.

Четвертый всадник, изображенный в Бамбергском Апокалипсисе (1000—1020)
Религиозная трактовка ⇒
Кто бы мог предположить, что под бледным конем и всадником – смертью имеется в виду знак зодиака Дева? Ведь Дева как женщина должна давать жизнь, а не отнимать ее. В чем здесь дело? Объяснение этому странному обстоятельству дает изображение знака зодиака Дева из древнеегипетского храма в Дендерах. На нем Дева была не одна! Она действительно давала жизнь, что находило свое символическое выражение в сияющем колосе с зернами, который она держала в левой руке. Но за ней следовал египетский бог царства мертвых Анубис с головой шакала или собаки. Тайна бога Анубиса заключена в созвездии Малого Пса, где главной звездой является Процион. Ее в египетской религии представляла богиня Нефтида. И в созвездии Большого Пса, где главной звездой является Сириус. Ее представляла богиня Исида. Анубис отнимал жизнь у тех, кому Дева ее давала! Дева и Анубис, жизнь и смерть… Они рядом! Становится понятным, что всадником, за которым следовал ад, и был Анубис. В эпоху Девы (12790 – 14950 г. нашей эры) он принесет Земле голод, войны, болезни и смерть. Но вот почему конь имеет бледный цвет? И кто в действительности скрывается под именем Анубиса в созвездии Девы? Ответы на эти вопросы может дать сам Анубис. А также Сириус и Процион, являющиеся главными звездами Большого и Малого Пса. По древнеегипетским мифам, Исида (Сириус) и Нефтида (Процион) были сестрами. Они были так похожи друг на друга, что однажды муж Исиды бог Осирис (огромное созвездие Ориона) принял Нефтиду за свою жену. В результате у нее родился сын с головой шакала (собаки). Богиня Исида взяла его себе и назвала Анубисом. Когда Осирис стал царем мира мертвых (это было во времена, когда Орион не поднимался в ночное время над горизонтом), Анубис помогал ему вершить праведный суд, определяя степень вины умерших по весу их души. Но почему на изображении знака зодиака Девы он показан рядом с ней? Почему у Анубиса черная голова? Что он мог тем самым символизировать? Нужную нам подсказку мы найдем в одинаковом устройстве Сириуса (Исиды) из созвездия Большого Пса и Проциона (Нефтиды) из созвездия Малого Пса! И это подтверждено не только мифологией Древнего Египта (Исида и Нефтида – очень похожие друг на друга сестры), но и астрономическими наблюдениями!
Астрономическая расшифровка ⇒
Бледен ли тот конь?
Анри Волохонский
Из книги "Бытие и Апокалипсис"

©
Здесь обсуждается вопрос о масти коня Четвертого Всадника из Откровения святого Иоанна:
"И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нем всадник, которому имя смерть; и ад следовал за ним" (Откр. 6,8). Это же название конской масти (бледная) обнаруживается во всех переводах греческого текста на другие языки. Образ страшного всадника на бледном коне широко использовался поэтами и художниками. Некоторые изображали скелет с косой вверхом на тощей бледной кляче. Даже богословы извлекали из этой масти множество глубоких следствий о природе смерти, о полупрозрачности видимого ее тела, о бледном сиянии костей и прочее.
Тем не менее возникает вопрос: действительно ли этот конь бледен? Ведь бледная масть выглядит здесь во всяком случае странновато.
Обратимся к греческому тексту. На месте "бледного" здесь стоит "хлорос" (The Interlinear Greek-English New Testament, 1958, Bagster and Sons, p.974). Основное значение этого слова - "зеленый". Но верховой, гарцующий на зеленом жеребце, - создание причудливое, если даже не смешное. Рационализируя священный текст, переводчики выбирают не столь выразительный смысл, а именно "бледно-зеленый" или попросту "бледный", то есть все-таки цвет, и такой вариант всеми принят. Но верно ли это? Обозначает ли здесь цвет слово "хлорос"?Ближе всего апокалиптическую сцену с всадниками напоминает видение пророка Захарии (Зах. 6,2 - The NIV Interlinear Hebrew-English Old Testament, Zondervan, V.4, pp.568-569): "В первой колеснице кони рыжие, а во второй колеснице кони вороные; в третьей колеснице кони белые, а в четвертой колеснице кони пегие, сильные". На древнееврейском языке в четвертой колеснице "кони брудим амуцим". Употреблены два эпитета, один для конской масти и другой для скаковых качеств. В тексте объясняется, что эти кони суть "четыре духа небесных", то есть ветры четырех направлений, которые стоят "пред Господом всей земли".Три масти коней - белая, рыжая и черная - совпадают в книге пророка Захарии и Откровении св. Иоанна (Откр. 6, 2-8).Четвертый эпитет - "хлорос" в Откровении и "брудим амуцим" у Захарии. Однако слово "хлорос" может означать не только цвет. Оно может относиться к таким свойствам как сила, энергия, крепость и, в применении к коням, значить также резвый, ретивый. В этом смысле оно совпадает со значением еврейского слова "амуцим" (сильные), а не "брудим" (пегие). Это последнее слово(брудим) по-видимому было утрачено, когда терминология пророка Захарии приспосабливалась к событиям Откровения.
С этой небольшой поправкой свойств коня Четвертого Всадника фрагмент апокалиптического видения может быть описан следующим образом: С книги в руках Бога снимается первая печать и появляется первый ангел с луком в руках верхом на белом коне. Его конь это восточный ветер. После снятия второй и третьей печати появляются ангелы - второй с мечом и третий с мерой. Второй ангел - на рыжем коне (западный ветер), а третий - на вороном коне (ветер с севера). Затем снимается четвертая печать и появляется четвертый ангел по имени Смерть или, лучше сказать, Мор. Он скачет на пегом ретивом (хлорос) коне в южном направлении. Его конь - ветер с юга. Эти четыре ангела получают "власть над четвертой частью земли", то есть каждый из четырех ангелов над одной четвертой частью, "умерщвлять мечом (второй ангел) и голодом (третий ангел), и мором (четвертый ангел) и зверями земными" (там же, 6,8).
Не следует представлять себе Четвертого Всадника в средневековом или возрожденческом стиле в виде скелета. Он выглядит скорее как бедуин в черных одеждах, на пегом коне, и его оружие - вероятно, копье.
***
Символика и мифы
1. Васнецов
2. Блейк
3. Тернер
1. 2. 3.

Moby "Pale horses"
Валерий Брюсов
Конь Блед

URL записи

@темы: обряды и традиции, Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти), Изобразительное искусство

13:06 

Georgia O'Keeffe (1887- 1986)


Джорджия О'Кифф, обладавшая обычной для американских пионеров жизненной энергией и благодаря этому прожившая почти до ста лет, была одной из самых своеобразных художниц Америки. Нравился ли кому ее взгляд на веши или нет, но он был всегда оригинальным.Она однажды сказала: «Я поняла, что могу рассказать о вещах с помощью формы и цвета так, как не смогла бы это сделать другим способом».
читать дальше


www.okeeffemuseum.org/

@темы: Изобразительное искусство

14:47 

Смерть и дева

Br. Samedi
©автор
Édouard Chimot, La Mort, 1921

Считается, что такой интерес к этому сюжету появился в конце XV века с наступлением Ренессанса, завоевав популярность прежде всего в Германии. Однако, можно вспомнить древнегреческую мифологию, где молодая и красивая дева Персефона (P e r s e j o n h) была богиней царства мертвых. Так вот, эмоции у девы на всех написанных до наших дней полотнах от встречи со смертью были самые разнообразные - от ужаса до откровенного заигрывания... Кстати, немного ранее появления этого захватывающего образа в искусстве был популярен мотив "Пляска смерти", где нередко Смерть танцевала с привлекательной женщиной. И вдруг танец сменился чувственным взаимодействием, в котором со временем стало всё больше эротизма.
Альбрехт Дюрер и его гравюры "Герб Смерти" (1503):

С течением времени популярность мотива "Смерть и дева" не угасла, но наоборот выросла и за пределами германских земель. В XIX веке можно обнаружить множество работ французских художников.
"Итак, в мотиве "Смерть и дева" мы видим взаимосвязь Эроса и Танатоса; женщину, обладающую способностью открывать переход между мирами, вместе с проводником в иной мир. Если же принять за истину, что этот мотив имеет основание в мифологическом сюжете похищения девушки хтоническим зверем, то важным становится ещё и факт девственности женского персонажа, а к интерпретации добавляется намёк на инициатический переход, совершаемый девушкой при достижении полового созревания, при получении способности открывать врата в иной мир. В этом случае смерть не окончательна, за путешествием в подземное царство следует возрождение в новом качестве."
Очень интересные рисунки есть и на этом сайте

Мотив "Смерть и дева" в изобразительном искусстве появился в конце XV века с наступлением Ренессанса, завоевав популярность прежде всего в Германии. Речь идёт об изображении молодой красивой женщины, встретившейся с персонифицированной Смертью. Реакция женщины варьируется от ужаса до соблазняющего заигрывания. Нетрудно догадаться, что ранее, во времена Средневековья, такой сюжет, как правило содержащий элементы эротики, вряд ли мог получить признание - этого бы не допустила машина Церкви. Начиная с начала XVI века до настоящего времени создано бесчисленное количество работ, так или иначе использующих этот мотив.
Считается, что мотив "Смерть и дева" произошёл от другого популярного сюжета "пляска Смерти". В этом сюжете нередко Смерть танцевала с привлекательной женщиной. Также на полотне Смерти удавалось встретиться с женщиной в сюжете "три возраста и Смерть". Но ни в том, ни в другом случае изображение не содержало и следа эротики. И вдруг танец сменился чувственным взаимодействием, в котором со временем стало всё больше эротизма.
Также в отличие от "пляски Смерти" картины на сюжет "Смерть и дева" не содержали никакой подписи, поясняющей изображение. Это сделало их менее дидактичными, хотя за ними и сохранилась определённая мораль - жизнь недолговечна, словно женская красота.


-Галерея у нас-

Ангелы Смерти — ангелы, которым Бог поручил уничтожение людей, до прихода Царствия Божия.
Абаддон и Азраил — типичный пример подобных ангелов, хотя и представляющий более позднюю концепцию. Кроме того, множественные упоминания Ангелов Смерти присутствуют во всем тексте Ветхого Завета.
В христианстве ангелом смерти иногда называют архангела Гавриила, так как он, по преданию, передал Деве Марии весть о её смерти за несколько дней до неё.

@темы: Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти), Изобразительное искусство

00:16 

Vanitas

Br. Samedi






Ванитас (лат. vanitas, букв. — «суета, тщеславие») — жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
Термин восходит к библейскому стиху (Еккл.1:2) Vanitas vanitatum omnia vanitas («Суета сует, сказал Екклесиаст, суета сует, — всё суета!»).
В натюрморте Vanitas из швейцарского собрания, созданном П. Класом (1597 - 1661) в 1630-1640 на каменном парапете вырезаны строки: "Стакан опустел. Время прошло. Свеча сгорела. Человек онемел."

Символика
список
***
Оптика/ История одной картины
***
Календарь “Skeleton Sketches”

+Альбом+

Текст взят у Музея мировой погребальной культуры
Chemical Company в Сент-Луисе, Миссури, за период 1897-1901 выпустила несколько календарей, иллюстрированных эскизами скелетов “Skeleton Sketches”, которые нарисовал врач - Луис Крусиус.
Доктор Крусиус (1862-1898) - был сыном немецкого издателя газеты в штате Висконсин.
Затем переехал в Техас, чтобы работать с дядей в аптеке.
Он получил диплом врача в 1890 году, затем стал преподавателем медицинского колледжа и, в конце концов, стал профессором гистологии.
Его медицинские карикатуры первоначально были созданы, как плакаты-витрины в аптеке, затем он стал продавать их для рекламы. Календари со скелетами, вышли самым ограниченным тиражом, под покровительством химической компании «Antikamnia», которая, в свою очередь, высылала их заслуженным врачам штата Миссури (а может и не только Миссури).
Рисовал он эти календари незадолго до своей скоропостижной смерти, и многие из них вышли после его кончины.

@темы: Оссуарии, кости, черепа, скелеты, Изобразительное искусство, Vanitas

14:22 

Джеймс Энсор

Br. Samedi
Скелет в шкафу у пересмешника

+Наша подборка+



Энциклопедия называет Джеймса Энсора выдающимся художником-символистом, одним из величайших представителей художников авангарда 20 века. Но кроме этих прописных истин мы ничего о нем не узнаем из энциклопедии, а между тем у него была интересная биография, которая, безусловно, отразилась и в его творчестве.
Родился Джеймс Энсор 13 апреля 1860 года, в курортном городке Остенде, на берегу Северного моря. Отсюда до Англии рукой подать. Впрочем, Джеймсу не надо было ездить за море, чтобы познакомиться с жителями Альбиона. Англия присутствовала в его доме – его отец был англичанином, а мать фламандкой. Отец - инженер приехал в Остенде развеяться, познакомился здесь с хозяйкой устричной лавки, где продавались еще и всякие сувениры - восточные безделушки, карнавальные маски, и женился на ней, но вскоре уехал по делам в Америку, потерпел там фиаско, запил и умер по дороге в Европу. Так что Джеймс его почти не знал. Зато к матери был очень привязан, и помогал ей в лавке.
Энсор рано проявил способности к рисованию, он брал уроки у двух художников в Остенде. С 15 лет он пишет на картоне небольшие виды окрестностей города, которые точно передают атмосферу местности. В 1877-1880 Энсор посещал Академию художеств в Брюсселе, где учился в основном у ее директора Яна Порталса, который ввел в бельгийское искусство ориентализм. Поняв, что официальное образование ему не подходит, Энсор внимательно изучал старых мастеров, делал многочисленные наброски с произведений Халса, Рембрандта, Гойи, Калло а также Тёрнера, Домье, Мане. В 1879 году начинается «темный период» его творчества, который продлится приблизительно до 1882. В это время он пишет три небольших автопортрета для которых характерна тревожная острота видения подчеркнутая нарочитой пастозностью.
Бельгийский вариант импрессионизма который придавал больше значения полутонам чем четким цветам смягчает буржуазные интерьеры Остенде. Эта же реалистичность и мастерство исполнения характеризуют и натюрморты Энсора созданные в те годы
В 1882-м осветление палитры сопровождается быстрой эволюцией самого духа творчества художника. Энсор страдающий от посредственности культурной среды своего родного городка находит приют и понимание в Брюсселе у Эрнеста и Марьетт Руссо, которые стали первыми покупателями его картин. Он начинает выставляться хотя и не без трудностей и принимает участие в нескольких выставках. В 1884-м он становится одним из основателей группы «ХХ». На протяжении десяти лет именно это общество задавало ведущий тон в бельгийской художественной и культурной среде. Позднее Энсор утверждал, что независимо от французских традиций, в то время он пытался передать работу света в новой радикальной форме. Он выставлял полотна с пейзажами и интерьерами под названием «impression». Таким образом, он намеренно подчеркивал свою приверженность к новому направлению парижского авангарда. Его чувствительное и тонкое мировоззрение раскрывает, трансформирует и раскрепощает свет, форму и цвет.
Многогранный художник работает то свободно, то сжато, но все его работы свидетельствуют о даре чувственного восприятия. Энсор избегал радостных или сентиментальных сюжетов, поэтому консервативные критики и любители искусства считали работы художника недостаточно содержательными, остроумными или трогательными.
Особое место в тематике его картин занимают маски. Маска появляется в 1879-м году как атрибут карнавала, но наиболее значительные картины на эту тему были созданы в 1887-1891 годах.
Энсор скрылся - как на старом чердаке, за сувенирные маски, которыми торговали в родительской лавке. «Я с радостью спрятался в одиночестве, где миром правит могущественная и сверкающая маска. Маска кричит мне: Свежесть тона, яркая мимика, пышный декор, неуправляемые движения, восхитительная вибрация!». Его картины - как театральный занавес, скрывающий темноту пустой сцены. Художник - скелет в рабочем пиджачке - тщится зарисовать открывшуюся ему бездну, как будто заранее зная о событиях следующего века. Вот он - в центре масочного карнавала, на другой картине - подглядывает за сражающимися скелетами, делящими один труп.
Снова «macabre», можно было бы сказать - только если бы не были эти все образы цитатами из Босха, Гойи, Рембрандта. Энсор бесповоротно скрылся за «восхитительными вибрациями», за масками и чужими высказываниями, он оставил зрителя стоять в недоумении перед чувственной живописью, мало что говорящей рассудку.
В 1887-1890 Энсор пишет религиозные картины, отмеченные смелостью и богатым звучанием тонов, ирреалистической манерой и подвижным пространством.
Картина «Въезд Христа в Брюссель» отвергнутая группой «ХХ» отражает всю суть творчества Энсора, но здесь сатирическая язвительность не сочетается с пленительностью. В картине к религиозному сюжету добавлена тема маски. Полотну предшествовало шесть больших этюдов углем названных «Ореолы Христа или чувствительность света». Картина является развитием третьего «ореола» - «Живой и лучистый вход в Иерусалим». Но художник значительно изменил несколько мистический и символистский эскиз. В некотором роде Энсор здесь сводит счеты с обществом в котором он вынужден жить. Это выражается в форме фламандских «моралите» XVI в. Босха, Брейгеля и маньеристов в которых библейская тема соседствует с социальной сатирой. Хрупкая и миниатюрная фигура Христа похожа на проблеск безмятежности, который уносит огромная волнующаяся толпа. Лица на первом плане похожи на маски и символизируют ложь. Шероховатая фактура и пестрота карнавальных масок позволили художнику расширить выразительные средства живописи диссонансом красок и гротескными преувеличениями. Энсор писал: «Маска дает мне свежесть тонов сверхострую выразительность пышный декор неожиданные широкие жесты хаотичность движений изысканную неугомонность». Лучшие картины Энсора написанные после 1888 продолжают тему въезда Христа.
«Въезд Христа» был исключительным явлением и не нашел последователей в Бельгии. Его отзвуки появились позже у Ван ден Берге. В течение всего этого плодотворного периода Энсор не оставляет занятия пейзажем (виды пляжа и порта Остенде) и натюрмортом, которые он пишет в очень светлых тонах часто используя белую краску. Энсор был и замечательным рисовальщиком и офортистом (первые офорты исполнены в 1886). Офорты тех лет не уступают живописным произведениям художника. Он использовал рембрандтовские линию и эффекты светотени. Его офорты часто повторяют сюжеты его картин, хотя возможно наоборот картины писались на сюжеты гравюр.
Критики относились к нему весьма жестко, постоянно указывая на недостатки его творчества, на что он отвечал: «Недостатки лишены банальности и одинаковости совершенств. Недостатки многообразны - они сама жизнь, в них отражена личность художника, его характер, все заключено в них, они спасут произведение».
После 1900 богатство воображения и твердость руки изменили Энсору. Его творчество укладывается в двадцать лет, но художнику оставалось прожить еще полвека. Лихорадочная работа лишила его возможности восстановить свои силы; отныне он «систематически занимается автоплагиатом». Он живет в Остенде окруженный поздно пришедшим уважением, ценности которого он не переоценивает. Часами он играет на пианино, и задолго до своей смерти он оставляет живопись.
В конце жизни художник превратился в национального героя, доказавшего, что в Бельгии есть своя живопись. В 1903-м он был произведен в рыцари ордена Леопольда, а в 1930-м бельгийский король Альбер даровал ему титул барона.
Умер Энсор в 1949 году. После смерти художника в Остенде открыли его музей, возникла даже Ассоциация друзей Джеймса Энсора. Духовное родство с ним, играющим историей литературы, искусства и религии, в большей или меньшей мере обнаруживают сегодня все художники независимо от того, посвятили они себя живописи, видео, фото, скульптуре или инсталляции. Насмешки над всем и вся - даже над религией - стали нормой для европейской культуры.
Еще несколько лет назад Джеймс Энсор был известен всем поголовно бельгийцам и гостям их страны: его автопортрет был вытиснен на стофранковой купюре. Безличное евро, конечно, подточило авторитет этого имени, но все же не настолько, чтобы об Энсоре забыли. Забыть трудно: от него во многом идет отсчет собственно бельгийского искусства, что для страны, ведущей историю своей государственности всего-то с 1830 года, чрезвычайно важно.

@темы: Изобразительное искусство

главная