The Highgate Vampire
La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
Carl Gustav Carus (1789–1869)

+Альбом+


Карл Густав Карус (03.01.1789-1869) - один из самых крупных представителей немецкого романтического пейзажа.
Родом из Лейпцига, Карл Густав получил великолепное образование сначала в школе, а потом и в университете Лейпцига. Живопись сопровождала его с юного возраста, но все же своей профессией Карус выбрал гинекологию и акушерство. В Дрездене он стал профессором на кафедре акушерства, а клиника при университете теперь носит его имя.
Самому Карусу "философствующий" подход к искусству был присущ в гораздо большей мере, чем кому-либо из пейзажистов той эпохи. Карус не был художником по образованию и пришел к живописи от своих, уже сложившихся, научных и философских воззрений. Известный дрезденский ученый-естествоиспытатель, мыслитель и врач, он, как и многие выдающиеся люди того времени, обладал духовным универсализмом, позволявшим обращаться к разным видам деятельности - науке, искусству, литературе - и в каждом сказать свое слово.
Великим примером такого универсализма в ту пору был Гете, сочетавший в себе поэта, художника и ученого. Но и сам Гете в одном из писем писал Карусу: "Право, вы соединяете в своей деятельности столько свойств личности, способностей, навыков, глубокая живая связь которых вызывает удивление". Их дружба и научное общение, начавшиеся в то время, когда Карус был еще молодым профессором-акушером в Дрездене, продолжались до самой смерти Гете. Как известно, слияние, обогащающее взаимопроникновение искусства и науки было не менее характерно для эпохи романтизма, чем обращение искусства к сказке, мифу, фантазии. Романтическая натурфилософия перевернула представление о мироздании, дала всему новое, одухотворяющее обоснование - и в глазах романтиков конкретные науки о природе исполнились нового, таинственного и даже поэтического смысла. Поэта Новалиса занимало строение горных пород, художник Рунге занимался физической теорией цвета, Карус в связи со своими живописными задачами принялся за научное изучение атмосферных явлений, законов формирования и структуры облаков...
Романтическое мировоззрение поставило лицом к лицу природу и человека, видя и в том, и в другом проявление единого и бесконечного духовного начала. В представлении романтиков дух, живущий бессознательно-творческой жизнью в природе, порождающий все многообразие ее форм, проявляется в человеке как сознание, многообразие чувств, мыслей, деятельности. Человек ощущает в природе родственное себе существо, познает и выражает ее - как в науке, так и в искусстве; духовная сущность человека стремится к слиянию с духовной сущностью мира. Поэтому недаром естествоиспытатель и художник в ту эпоху стали так близки друг другу, а самым плодотворным направлением романтического искусства в Германии стал именно пейзаж.
Карус, в духе романтической философии, так определял отношение искусства к науке: наука познает части, искусству подвластен дух целого, ибо в искусстве человек отчасти сам уподобляется бессознательно творящей природе. Истина же в их сочетании. Научные данные обретают конечный смысл в целостном художественном выражении, и искусство, если оно отвечает поставленной цели, должно быть основано на глубоком научном знании. Это сочетание и определило романтическую личность Каруса.
Как уже говорилось, Карус не учился живописи, он был самоучкой. Первые его работы непосредственно связаны с его научными занятиями - это анатомические и ботанические студии. И лишь постепенно появляется интерес к пейзажу. Но по-настоящему свой путь в искусстве Карус нашел, когда переехал из Лейпцига, где он кончил университет, в Дрезден и познакомился с Каспаром Давидом Фридрихом (в 1817 году). Фридрих первым открыл специфический язык романтического пейзажа. Наверное, его картины и нельзя называть пейзажами в том традиционном смысле слова, в каком этот жанр сформировался и существовал до него в европейском искусстве. Это не изображение местности - реальной или идеальной, - а, выражаясь языком романтизма, философское, духовное созерцание в формах видимой природы. Карус нашел для этого нового рода искусства обозначение - он предлагал называть его не пейзажем, а "изображением жизни земли". Он настолько глубоко воспринял принципы искусства Фридриха, что относительно некоторых картин до сих пор существует сомнение - принадлежат они "учителю" или "ученику".
Увлеченный Фридрихом, по его следам, Карус в 1819 году отправляется в путешествие на остров Рюген, где, как и Фридрих, пишет морские пейзажи. Море и небо в этих полотнах служат художнику, как бы для того, чтобы дать понятие о самой бесконечности природы. В картине "Прибой на Рюгене" показаны только узкая полоска каменистого берега и большие, монотонно вздымающиеся валы волн до самого горизонта. Пейзаж поражает своим величественным безлюдьем; художник хотел передать природу великой, могущественной и глухой, такой, какова она сама по себе, а не какой ее обычно воспринимает и приспосабливает к своим нуждам нерефлектирующий человек. В картине "Лунная ночь на Рюгене" художник убирает и последнюю опору - берег; мы видим море так, как его вообще не может видеть человек, - посреди водной пустыни, сверху, подобно пролетающим близко чайкам; и мы не можем оторвать глаз от расстилающейся под нами освещенной луной волнистой ряби. Художник всматривается в бесконечную природную стихию с пристальностью и ожиданием, как всматривался бы в лицо человека.
То, что наделенная духом природа, подобно человеку, может иметь свое "выражение", созвучное человеческим чувствам, - убеждение, выраженное Карусом в его теоретически-философском труде "Девять писем о пейзажной живописи". Такие выражения - печали, покоя, обновления и т.д.- придают картине природы время дня, время года. Восприимчивость романтического художника, убежденного во внутреннем родстве природы и человека, видит и в определенном сочетании природных мотивов не случайность, а символы духовного состояния. Проникнувшись этим умонастроением, мы поймем, к примеру, мысль художника в картине "Кладбище монастыря Ойбин" (1828): руины церкви, могилы под снегом - это распад, оцепенение, небытие; высящиеся в центре композиции могучие зеленые ели - предчувствие грядущего возрождения.

В творчестве Каруса есть ряд картин, прямо посвященных теме духовного родства и безмолвного тайного диалога человека и природы. В этих картинах человек не располагается естественно на лоне природы, как стаффаж в классическом пейзаже. Он всегда вне ее, смотрит на нее из окна, из проема, с террасы, но объединен с пейзажем по-другому - сопереживанием, общностью духовного состояния. Такова "Дама на террасе" (1824), устремившая взгляд в голубоватую рассветную даль. Такова одна из самых известных картин Каруса "Переезд в барке через Эльбу" (1827). Из темного пространства крытой барки, глазами сидящей здесь молодой нарядной девушки мы смотрим на реку и сияющий вдали на противоположном берегу, растворяющийся в солнечном свете пейзаж с силуэтом Дрездена и проникаемся ее состоянием радостного ожидания, порыва из темноты к свету, от обыденности - к чуду. И наконец, одна из самых своеобразных картин Каруса - "Терраса Брюля в Дрездене" (1830). Сумерки. Влажный туман. Из самого тумана, как чудесное видение, возникает остроконечный силуэт дрезденской Хофкирхе. На переднем плане у парапета террасы - фигуры бродяг или странников: сидящий, как будто в оцепенении, сгорбившийся старик, к коленям которого прижался ребенок, у их ног лежит собака. Грезит человек, и город погружен в туман, как в грезу. В этот час они как бы сливаются друг с другом в никому не ведомой немой беседе, полной тайного смысла.
Особой темой вплетается в живопись Каруса мотив искусства, творчества. Картина "Балкон в Неаполе" (1829-1830) чем-то напоминает "Переезд через Эльбу": из комнаты, через открытую балконную дверь мы видим залитый солнцем город на другом берегу залива. Кажется, не хватает только одного - глядящего в эту даль человека; и правда, здесь нет человека, но есть его песня - поставленная у самой двери скрипка. Также отсутствует человек и на другой картине Каруса "Мастерская художника в лунном свете" (1826). Светлые квадраты окна на прозрачной занавеске перечеркнуты темным силуэтом мольберта и муштабеля. И больше нет контрастов, все погружено в обволакивающую мглу, покой. Чувствуется то неясное, смутное, но напряженно-духовное состояние, в котором и зарождаются образы в то время как спят разум и воля художника. Мало кому удавалось передавать с такой силой саму таинственную атмосферу творчества, чем этому ученому-натуралисту, профессору и философу, которого коснулся и превратил в художника духовный порыв романтизма. ©

Carl Hasenpflug (1802–1858)

+Альбом+


Ernst Ferdinand Oehme (1797-1855)

+Альбом+
Немецкий художник эпохи Романтизма, отличительной чертой которого были пейзажи с архитектурными элементами.


Franz von Stuck

+Альбом+


Франц фон Штук (нем. Franz von Stuck; 23 февраля 1863, Теттенвайс — 30 августа 1928, Мюнхен) — немецкий живописец и скульптор.
Сын деревенского мельника, Франц фон Штук учился в Королевской школе искусств и ремёсел в Мюнхене, а затем в Мюнхенской академии художеств. Фон Штук увлекался новыми художественными техниками и жанрами и вместе с Вильгельмом Трюбнером основал в 1892 году Мюнхенский сецессион.
С 1895 года Штук — профессор Академии художеств, среди его учеников — Василий Кандинский, Пауль Клее, Йозеф Хенгге, Георг Карс, Пауль Штолльрайтер и Генрих Штриффлер. В 1906 году Франц фон Штук получил дворянский титул. В одном ряду с Францем фон Ленбахом и Фридрихом Августом фон Каульбахом фон Штук является ярким представителем мюнхенской школы изобразительного искусства.
Вдохновлённый творчеством Арнольда Бёклина, Штук писал паряще-нереальные картины на сюжеты из мира фантазий и аллегорий, символические образы, как, например его «Грех» (1893) и «Война» (1894). Многие из его крупноформатных произведений отличает двусмысленно-эротическая атмосфера. Картины фон Штука, изображавшие часто обнажённые женские и мужские тела, получили в викторианскую эпоху у публики необычайно сильное художественное восприятие со слегка «истерическими» чертами.

Hans Thoma (1839 - 1924)

+Альбом+

Самым известным художником в Германии конца XIX - начала XX века был пейзажист Ганс Тома (Hans Thoma). Он рисовал натуралистично и просто, главным образом Шварцвальд - лесной массив на юге Германии, с которым связан целый ряд мифов и преданий немецкого фольклора. Современники называли его величайшим немецким художником, а Адольф Гитлер и вовсе считал Тома величайшим художником всех времен и народов. Его именем были названы дюжины улиц и площадей в немецких городах, причем чести этой он удостоился еще при жизни.
После 1945 года слава Ганса Тома начала стремительно меркнуть, и сегодня его полотна вызывают скорее скептическую усмешку, нежели восторг, если о них вообще кто-то еще помнит.



Вильгельм Генрих Отто Дикс (нем. Wilhelm Heinrich Otto Dix, 2 декабря 1891, Гера, Тюрингия, Германская империя — 25 июля 1969, Зинген, Баден, ФРГ) — немецкий художник-экспрессионист и график, автор эмоционально напряженных, способных шокировать картин.
Авангардист, в 1920-е годы был связан с дадаизмом и экспрессионизмом. Наряду с Георгом Гроссом Дикс был представителем так называемой «новой вещественности». Полотна Дикса отличают социальные и пацифистские мотивы, мучительные духовные искания.
-
Смерть и война идут рука об руку. Это две лучшие подружки. Одна подготавливает поле для хорошо отточенной косы другой. Если согласится с тезисом, что история человечества – это история войн, то последняя является одной из важных и влиятельных средств людского взаимодействия. Феномен войны находит отражение в идеологических конструктах, политическом доктринерстве, в философских трактатах и прениях, ну и конечно в зеркале изобразительного искусства.
Долгое время смерть на войне было принято изображать героической, чистой, символичной. Но вот, все сметая на своем пути, стрекоча пулеметами, грохая раскатами тысяч орудий, облаками хлора и гусеничными монстрами в историю человечества ворвалась Первая мировая война. Она начисто изменила весь мир, поменяла отношение людей к самой войне и восприятия смерти на ней. Естественно, что первостепенную роль в создании и распространении новых смыслов по этому поводу сыграли (не считая самой Первой мировой, в которую было вовлечено миллионы людей по всему свету) СМИ и искусство. Конечно, на ум сразу приходят романы Ремарка и Хемингуэя, которые во многом определили отношение к войне в массовом сознании современного «цивилизованного мира». Мы же с вами поговорим об еще одном представителе поколения, заставшего Мировую войну, но не имеющего отношения к литературному творчеству.
Война и смерть глазами немецкого художника-экспрессиониста Отто Дикса… Его живопись до сих пор возбуждает массу споров и подвержена самым оригинальным трактовкам. Военную серию офортов, вышедшую в свет в 1924 году (еще несколько работ на тему войны были написаны и в 1930-е, например триптих «Война» 1929-1932 гг.), художник планирует еще на фронте, делая зарисовки в бесконечных траншеях Западного фронта (на котором «ничего нового», если дословно переводить название знаменитого романа Ремарка). Как и многие юноши его поколения, поддавшиеся по меткому выражению Эрнста Юнгера «хмелю войны», Отто уходит на фронт добровольцем. Позднее он объясняет свое решение природной любознательностью: «Очевидно, я просто слишком любопытен. Я должен был все это видеть – голод, вшей, грязь и другие мерзости. Я должен был сам на себе испытать эти жуткие глубины жизни, вот почему я пошел на войну добровольно». На все это Дикс насмотрелся сполна, вовлеченный в водоворот «большой войны», он сражается долгих четыре года, получает ранение и Железный крест. И этот образ дополняет еще один интересный факт: он прошел всю войну с томиком Ницше и Библией. На фронте же он руководствуется не только воинским уставом, но и наставлениями Ницше для художников: «Изображать страшные и спорные вещи есть инстинкт воли и величия художника, он не должен бояться этого».
Леденящий душу ужас, неотвратимость и чувство постоянного присутствия смерти – вот, что характеризует работы военной серии Дикса. При этом смерть в его работах всегда отвратительна и страшит своей обыденностью.
Война и ее спутница - смерть во вселенной Отто Дикса предстает перед нами невероятным катаклизмом, стихией, которая не щадит никого, переворачивает сознание и погружает в состояние дурмана и нереальности происходящего. Смерть перестает быть из ряда вон выходящим событием, теряет героический ореол и ниспровергается на уровень обыденности и предстает перед нами в самом неприглядном свете.
В Третьем Рейхе работы Дикса были признаны «дегенеративными» и «вырожденческими». Его выгонят и из Дрезденской академии. Художнику было суждено попасть на войну еще раз. В возрасте 53 лет, Отто Дикс был призван в Фольксштурм (народное ополчение) в 1945 году. Но участвовать в боях ему пришлось не долго, всего несколько дней. После он попадет в плен французским войскам и выйдет на свободу лишь в 1946 году. Д. Житинев: "Отто Дикс: смерть и война"

Fritz Schwimbeck (1889-1972)

+Альбом+


Alexander Ver Huell (1822-1897)

+Альбом+


Richard Müller

+Альбом+

Richard Müller (1874-1954) - профессор Дрезденской художественной академии с 1900 до 1935 гг.
C приходом к власти нацистов он был отстранен от должности, т.к. был женат на американской певице Lilian Sanderson, которая не отказалась от американского гражданства.


Tobias Weisse

+Альбом+


Sascha Schneider

+Альбом+

Саша Шнайдер, Карл Александр Шнайдер (нем. Sascha Schneider, Karl Alexander Schneider, 21 сентября 1870, Санкт-Петербург — 18 августа 1927, Свинемюнде, ныне Свиноуйсьце) — немецкий художник эпохи модерна, прославившийся иллюстрациями к романам Карла Мая. Ранние годы будущего художника прошли в Петербурге. После смерти отца мать переехала вместе с детьми в Дрезден. В 1881 году Шнайдеры обосновались в Цюрихе. Карл Александр учился в гимназии, а затем в Академии изящных искусств в Дрездене. В 1903 году познакомился с Карлом Маем, занялся иллюстрированием его книг. С 1904 — преподаватель художественной школы в Веймаре. Из-за угроз сожителя раскрыть его гомосексуальные наклонности, преследовавшиеся тогда по германским законам, переехал в Италию, где такие наклонности не относились к числу преступлений. Путешествовал, в том числе — по Кавказу. Страдал диабетом. Захотев пить на корабле, приближавшемся к Свинемюнде, по ошибке выпил ядовитый пятновыводитель. Похоронен в Лошвице — ныне Дрезден.


Oskar Zwintscher

Оскар Цвинчер (нем. Oskar Zwintscher; 2 мая 1870, Лейпциг — 12 февраля 1916, Дрезден) — немецкий художник-символист.
Сын музыкального педагога Бруно Цвинчера, брат пианиста Рудольфа Цвинчера. Художественное образование получил в Академии искусств Лейпцига (1887—1890) и — под руководством Леона Поле и Фердинанда Паувельса — в Академии художеств Дрездена (1890—1892). После окончания учёбы в течение трёх лет живёт как свободный художник в Мейсене, получая стипендию из Мункельчского фонда для саксонских художников. В 1898 году впервые выставляет свои работы на широкое обозрение, завоевав премию шоколадного магната Людвига Штольверка. В 1898 году выходит в свет серия его произведений «Времена года», в 1900 ей следует серия «Непогода». В 1904 году он уже сам является членом комитета по присуждению премий от «производителя шоколада, какао и шампанского фирмы Штольверк». С 1903 года художник является профессором дрезденской Академии художеств.
Полотна Цвинчера имитируют манеру живописи старонемецких мастеров — Лукаса Кранаха-старшего, Ганса Гольбейна-младшего и других. Большое влияние на его творчетво оказали немецкие символисты: Арнольд Бёклин, Людвиг Рихтер, Мориц фон Швинд. Свои работы он выписывал тщательно вплоть до мельчайших деталей; был принципиальным противником импрессионизма. Был близким другом художника и скульптора Саши Шнайдера, которому принадлежит авторство создания скульптуры эфеба с факелом, установленной на могиле О.Цвинчера на Лошвицском кладбище в Дрездене.



Max Klinger (1857-1920)

+Наша подборка+

Большое значение в творчестве Клингера занимала графика, в которой он был виртуозным мастером и которой он в своей книге «Живопись и рисование», вышедшей в 1891 году, придаёт особое, самостоятельное значение в отображении внешнего мира. При этом Клингер считал, что графике свойственно передавать демонически-тёмные аспекты жизни, адекватно выражаемые в линейной и контрастной манере, что позволяет рассматривать Клингера как одного из предтеч сюрреалистов. Изображение «циклов» действия с изображением фантастически-символистских воображаемых реальностей сам Клингер сравнивал с музыкальным произведением («опусом»). Сама же живопись оставалась для художника реалистически-позитивным средством выражения. Под особенным влиянием Клингера находился Пюви де Шаванн, создавший в Париже серию аллегорических, монументальных произведений настенной живописи. Своей целью в искусстве Клингер видел объединение живописи, пластики и архитектуры. Написанные Клингером религиозные картины показывают влияние на мастера итальянского Ренессанса.
"Я живу в себе и разгуливаю между рефлексами своих глаз: газовый свет – зеркало– люди. " Клингер, написавший это предложение 1883 году в своем дневнике, впитывал всё, окружающее его, глазами. Живопись была в его представлении средством, удерживающим " внешний мир ". Фантазию можно было выразить только в рисунке и гравюре. В этом смысле работал Клингер в обеих техниках, к которым он позже добавил талант скульптора. Внешний мир и внутренний мир возбуждали его равным образом, и он видел их всегда как противоположности.


Смерть и Красота
An die Schonheit. У берега моря, на цветущем лугу, высокие деревья сплелись в кружевные узоры. Точно грезы пустынной земли, они возносятся к небу и слушают нежные шумы прибоя. Туда, в ликующий солнечный день, пришел Человек и увидел, что мир прекрасен. Он опустился на колени и стал молиться, закрыв лицо руками. И слезы потекли из его глаз, неудержимые слезы восторга и муки перед тайной красоты. Тот, кто обожал природу, кто отдавался всеми порывами сердца и мысли великим чарам ее непостижимости - поймет, почему этим примиряющим аккордом закончил Макс Клингер последнюю серию своих офортов: "О смерти".
Смерть…
Никто из современных художников не приходил к раздумьям о смерти чаще и сосредоточеннее Клингера. Никто не вникал глубже в молчание потустороннего рока, стерегущего ужас людей.
Смерть. Она не знает пощады. Она на конце всех дорог. Ее неумолимая близость равняет все жребия. Счастливых и страдающих, мудрых и безумных. Перед ней одинаково ничтожны: и воин, искушаемый призраком славы, и владыка в золоте и пурпуре, умирающий как раб у подножия пышного трона, и матрос, заброшенный бурей на скалы, и девушка за работой на родном поле, и ребенок в колыбели, около матери, беззаботно уснувшей на скамье, близ вечернего пруда…
Смерть таится везде. У нее тысяча форм и символов. Она подкрадывается к человеку, когда он меньше всего ожидает и когда устал ждать, - безжалостная, немая смерть, то насмешливо-злобная, как скелет в монашеском одеянии, как стая воронов, врывающихся в больничные покои, то печально-тихая, как белый ангел…
И художник настаивает на вещих образах упорно, методически, с безжалостной утонченностью того, кто не щадит других, потому что не щадит себя. Эти гравюры о смерти чередуются перед нами, законченные, неотвратимые, словно видения "Меланхолии" Дюрера, читающей на небе слово Vanitas, и от них идет поэзия вкрадчивой грусти и тишины, напоминающая строки Верлена:
Je suis un berceau
Qu'une main balance
Au fond definite'un caveau.
Silence, silence…
Но значит ли это, что смерть опровержение жизни? Значит ли это, что люди должны предаваться отчаянию в ожидании последнего часа?
Нет. Надо превозмочь скорбное знание о страшном, неизбежном конце. Художник говорит нам: "Страшны формы смерти, но не сама смерть". Нет, потому что есть нечто более сильное, чем правда смерти, - правда красоты.
Красота побеждает смерть. В лучах красоты дух человек приобщается к вечности. В красоте - его предчувствие о непостижимой связи земного бытия - слабого, временного, случайного с тем безначальным и непреходящим бытием, которое он называет: Вселенная.
Так раскрывается нам смысл этой молитвы. Та же молитва звучит во всем творчестве Клингера. Вот почему от большинства его произведений веет таким строгим покоем, такой торжественной примиренностью, несмотря на преобладание в них мрачных мелодий.
(с)
1.
2.
wiki

Back into Nothingness, plate fifteen from A Life
Peeing Death (Der pinkelden Tod)
Untitled


Karl Wilhelm Diefenbach

+Альбом+

Карл Вильгельм Дифенбах (нем. Karl Wilhelm Diefenbach; 21 февраля 1851, Хадамар — 15 декабря 1913, Капри) — немецкий художник, представитель символизма и стиля модерн. Известен был также как общественный деятель, основатель коммунального поселения Химмельхоф в Обер-Санкт-Фейте.
Жизнь и творчество
Карл Дифенбах родился в семье художника, учителя рисования в гимназии, Леонарда Дифенбаха. Изучал живопись в мюнхенской Академии художеств, первоначально находился под творческим влиянием Арнольда Бёклина и Франца фон Штук. Картины, созданные Карлом Дифенбахом, стали пользоваться известностью ещё в годы его молодости.
Переболев в тяжёлой форме тифом, художник стал инвалидом — его правая рука осталась искалеченной. Так как Карл Дифенбах считал, что только возвращение к естественному, близкому к природе образу жизни и натуральным продуктам способно его вылечить, он подпадает под влияние известных в Германии популяризаторов этой теории Арнольда Рикли и Эдуарда Бальцера. В 1881 году Дифенбах также порывает с официальной церковью. Облачённый в рясу и сандалии, он проповедовал в Мюнхене своё учение.
Основные идеи Карла Дифенбаха были следующие: жить в соответствии с законами природы, отказ от моногамии, вегетарианство, отказ от любой религии, больше движения на свежем воздухе и почитание обнажённого тела. Всё это вызывало насмешки современников, называвших Дифенбаха «апостолом Кольраби». После того, как его взяла под наблюдение полиция, художник покидает Мюнхен и обосновывается в заброшенной каменоломне. Помощником ему становится молодой художник Гуго Хёппенер («Фидус»). Совместной их работой является большой фриз Сквозь тернии к звёздам (Per aspera ad astra). В 1892 году Дифенбах выставляет свои работы в Вене. Эта экспозиция имела ошеломляющий успех и сделала его имя известным, однако вследствие мошенничества руководства австрийского Художественного общества Дифенбах потерял все свои картины. После этой катастрофы художник уезжает в Египет, где изучает древнеегипетские храмы. Затем, с целью вернуть свои полотна, он в 1897 году возвращается в Вену, планирует издание здесь журнала Humanitas и организует новую большую выставку. Художник находит поддержку среди интеллектуальной элиты австрийской столицы, в том числе у пацифистки Берты фон Зутнер и публициста Михаэля Конрада. Дифенбах обосновывается в поселении Химмельхоф близ Вены, и с ним там селятся около 20 его учеников. В их числе были художники Франтишек Купка, Константинос Партенис и Густав Грезер, а также защитник прав животных Магнус Швантье.
В своём «учении» Карл Дифенбах был явно непоследователен. В колонии Химмельхоф себе он делал многочисленные поблажки, жил одновременно с двумя «жёнами», и в то же время от учеников требовал скромности и полного подчинения. Он лично контролировал переписку каждого из них. После года существования коммуна разорилась и Дифенбах отправился на остров Капри, где имел известность крупного художника, в то время как на родине его творчество было предано забвению. Скончался на Капри вследствие заворота кишок.

Karl Friedrich Lessing

+

Карл Фридрих Лессинг (нем. Karl Friedrich Lessing; 15 февраля 1808, Бреслау — 5 июня 1880, Карлсруэ) — немецкий художник романтического направления.


Fredinand Keller(1842-1922) - "Могила Беклина" +


Wilhelm Scheuchzer "Der Alte Südfriedhof" 1830


Rudolf Wiegmann. Das Grab des Lederfabrikanten Söhlmann auf dem St.-Nicolai-Kirchhof in Hannover. In dem Aquarell von 1835


Franz Reinhold


Marie Egner " Alter Friedhof c1883-1884"


Peter Heinrich Happel


Kapelle im Mondschein by Fritz von Wille, 1912


Carl Strathmann (1866-1939)


Max Wislicenus (1861-1957)


Ferdinand Staeger (1880-1976)


Пляска смерти в стиле модерн от немецкого художника Йозефа Саттлера (1867-1931).

+Альбом+


Rudolf Schiestl (8 августа 1878, Вюрцбург — 30 ноября 1931, Нюрнберг) - немецкий живописец, гравер, художник-стеклодув и один из пионеров экспрессионизма. Гравюры из серии "Базельская Смерть" (около 1910) основаны на народной средневековой песне 1539 года, 8 гравюр на 7 куплетов. В песне поется о том, как некий молодой человек из Базеля женился на старухе, которая его "заездила" уже на третий день, тогда он отправился на кладбище и попросил Смерть забрать сварливую женщину. Когда же он вернулся, жена уже умерла. Молодой человек запряг лошадей и отвез мертвую старуху на кладбище, где уже была готова могила, в которой та должна была заткнуться навеки. После этого он вернулся домой и взял себе молодую жену, которая на третий день его избила. Ну он и взмолился Смерти: "Лучше бы была старая!"



@темы: Пляска смерти, Изобразительное искусство