контрольный поцелуй в затылок (с)
читать дальше
Быстрый взлет и долгое медленное падение Эдуарда Шимо
Жизнь Эдуарда Шимо это история о том, как карьера талантливого артиста может быть разрушена изменившимися вкусами и внешними событиями. Знаменитый в 20-х, Шимо почти позабыт сегодня.
Шимо родился в Лилле, 26 ноября 1880г., а умер в Париже, 7 июня 1959г. Он учился у Жана-Батиста Леверта и Алексис Мосса в École des Arts décoratifs в Ницце, а затем у Фараона де Винтера в Beaux-Arts в Лилле. Ход его ранней карьеры неясен. Похоже, он начал выставляться в 1912г., в возрасте 32 лет, закрылся на время Первой Мировой войны, что обусловило четырехлетний пробел в его карьере, так что Шимо было 39 к тому времени, когда он оставил свой след в парижском мире искусства.
И живопись, и рисунки Шимо, появлявшиеся в продаже, обычно изображали обнаженных женщин, но большую часть своей энергии он направлял на гравюры, часто для хорошо отпечатанных книг, выпущенных ограниченным тиражом. Первая из них, Les après-midi de Montmartre, с текстом Рене Бадью, появилась в 1919г., но эти гравюры с “petites filles perdus” были сделаны в 1914г., перед перерывом на Первую Мировую. На них запечтален последний вздох декадентского Монмартра Тулуза-Лотрека.
В своих работах Эдуард Шимо всегда возвращался назад к стилю символистов, доминировавшему в 1890-х, но уже вытесненному арт-деко, кубизмом, сюрреализмом и абстракционизмом ко времени, когда его собственная карьера была в расцвете. Он чувствовал особую близость с авторами декадентами, такими как Бодлер, Верлен и Пьер Луис, а также теми, кто пошел по их стопам, как Анри Барбюс, Жан де Тинан и Морис Магр. Шимо был особенно близок с Магром, иллюстрируя его книги La montée aux enfers (1920), Les soirs d’opium (1921) и Les belles de nuit (1927). В 1924г. в Le Figaro несколько приукрашено описали Магра как «анархиста, индивидуалиста, садиста и опиумного наркомана», добавив, может несколько менее убедительно, что «он очень большой писатель».
Я не знаю, что происходило с Шимо на протяжении Первой мировой. Возможно его призвали служить на Западный фронт. Но после войны он взял с места в карьер. У него уже были гравюры для Les après-midi de Montmartre. Их публикация в 1919, сопровождалась вихрем активности в La montée aux enfers and Les soirs d’opium Магра, Le fou Аурель Парторни, L’enfer by Анри Барбюса, La petite Jeanne pâle Жана де Тинана, и Mouki le delaisse Андре Келя: все иллюстрированны оригинальными гравюрами между 1920 и 1922. В 1921 Шимо нашел время для того, чтобы основать журнал La Roseraie: Revue des Arts et des Lettres.
Журнал La Roseraie закрылся после первого выпуска, но он определил дальнейшую карьеру Шимо, как художественного редактора Les Éditions d’Art Devambez, где, между 1924 и 1931 Шимо повстречал великолепную плеяду иллюстраторов, таких как Пьер Бриссад, Эдгар Шахин, Элмери Лобел-Рише и Цугухари Фудита. Кое-какие лакомые тексты Шимо оставлял для себя, включая Les chansons de Bilitis Луиса (1925), La mort de Venise Барри (1926), Les belles de nuit Магра (1927), и Parallèlement Верлена (1931).
В течении блестящей декады 20-х, Шимо образовывал не просто художественные, но буквальные альянсы, с писателями вроде сюрреалиста Гилберта Лели, который посвятил Шимо первое издание Ne tue ton père qu’à bon escient в 1929. К 23 октября того года Эдуард Шимо переживал великолепный взлет своей запоздавшей карьеры. К 49 годам он был заметной фигурой в парижском мире искусств, великодушным покровителем артистов, да и сам он был артистом, которого публика любила за его работы, “soumises à leurs passions mortelles et délicieuses”, как говорил Андре Варно.
А затем произошел крах Уолл-стрит, который закрыл рынок для модных ограниченных изданий. После публикации последней из книг Devambez, Parallèlement собственной редакции Шимо, игра была закончена.
Остаток жизни Шимо выглядит как попытка восстановить свое положение, в это время его работы ухудшаются, а репутация приходит в упадок. В 30-х он самостоятельно опубликовал несколько книг в духе Devambez, такие как a Belle Carolina Луиса Рене Талона в 1936. Первым таким самиздатом был анонимный альбом цветных литографий Chats (Киски), опубликованный “À l’enseigne de l’auteur qui ne veut pas dire son nom” (автором, который не хочет называть свое имя). Пятнадцать литографий, все изображали “sexes féminin”. Можно представить, как такого рода альбом просматривает богатый, но вульгарный ценитель с друзьями за послеобеденным бренди и сигарой.
Движение Шимо с его «Кисками» прочь от искрящихся почти мистическим эротизмом вещей 20-х к похотливой эротике черного книжного рынка, с изданиями вроде скабрезного грубого Trois filles de leur mère Пьера Луиса, возвещают о настоящем упадке его работы. Последствия были особо ощутимы в годы после Второй мировой, когда почти все работы Шимо, к тому времени поверхностные и небрежные, были нацелены на собирателей эротики, с изданиями вроде Леди Чаттерлей, Фанни Хилл и Прелюд Чарнель, все опубликованы в Éditions Deux-Rives.
Работы Шимо, в последние тридцать лет его жизни, представляют собой печальное падение с вершины активности и достижений 20-х, хотя у столь одаренного художника тут и там мелькают талантливые вещи. В последние годы появилась работа с интересным названием Les belles que voilà: mes modèles de Montmartre à Séville, коллекция 16 обнаженных моделей, которую я не видел.
Представляется, что после падения Парижа, Шимо отправился в Испанию, поскольку его публикации во время Второй мировой появлялись в Барселоне, в основном иллюстрируя тексты на испанском языке.
Существует библиография иллюстрированных Шимо книг — «Эдуард Шимо, 1880-1959», Д.Л. Бернарда. Ее опубликовали тиражом в 200 копий в 1991. Я еще не читал ее, но буду удивлен, если автор не разделяет мою точку зрения на ключевой период творчества Шимо между концом Первой мировой и крахом на Уолл-стрит. Это было время фривольности и излишеств, когда Эдуард Шимо создал запоминающиеся и захватывающие образы, создавшие ему имя. ©
Бенар, Поль Альберт (фр. Paul Albert Besnard; 1849—1934) — французский художник, директор Школы изящных искусств (École nationale supérieure des Beaux-Arts), член Французской академии (Académie française).
В своих работах он использовал традиционные сюжеты и писал в импрессионистической манере.
Odilon Redon
+Альбом+
Through the Crack a Death's-Head Was Projected
The Masque of the Red Death
Apocalypse de Saint-Jean / Et un autre ange sortit du temple qui est au ciel ...
Apocalypse de Saint-Jean / Et celui qui était monté dessus se nommait la mort
+Альбом+
Through the Crack a Death's-Head Was Projected
The Masque of the Red Death
Apocalypse de Saint-Jean / Et un autre ange sortit du temple qui est au ciel ...
Apocalypse de Saint-Jean / Et celui qui était monté dessus se nommait la mort
Одилон Редон (фр. Odilon Redon; 20 апреля 1840, Бордо — 6 июля 1916, Париж) — французский живописец, график, декоратор, один из основателей символизма и «Общества независимых художников».
Творчество Редона разделяется на два периода: «чёрный» и «цветной».
Будущего художника с детства охватывали частые приступы тревоги и тоски. В «чёрный» период Редон, увлечённый человеческим подсознанием с его страхами и кошмарами, создавал навязчивые и местами жутковатые рисунки углём и печатную графику. «Черное, — говорил Редон, — рождается в самых потаённых глубинах души».
Особую известность получил его рисунок чёрного ворона — посланника смерти, а также изображение огромного волосатого паука с человеческим лицом. Другой важной темой были огромные глаза, рассматривающие зрителя. Например, рисунок, изображающий один глаз, который является одновременно гондолой воздушного шара, или яйцо с лицом на подставке, символизирующее кошмар клаустрофоба.
Гравюра «Парсифаль» (1891 г.) — графическая реплика на одноимённую оперу Рихарда Вагнера, потрясшую Париж в середине 80-х гг.
В этих композициях Редона доминирует тревожное, «протосюрреалистическое» отчуждение либо отрешенная мистическая созерцательность (в особенности в его христианских и буддийских сюжетах).
Позже он еще не раз использовал череп в своем искусстве, несомненно, отчасти из-за множества интересных живописных проблем, на которые тот наводил. Воллар описал Сезанна много лет спустя, читавшего в своей мастерской «Атали», на мольберте стоял натюрморт с черепом (начатый несколькими годами ранее). «Что за чудная штука для живописи, этот череп», — сказал он. Но череп, особенно череп на столе, содержал для него целый комплекс чувств, связанных с этим его письмом, — не просто memento mori («Помни о смерти». — Ред.), разновидность темы Vanitas XVII столетия, но, скорее, эмблему внутренней смерти, полной дегуманизации и отказа от высших ценностей у Луи-Огюста.
Мы знаем, что последний, занимаясь ссудой денег, использовал выражение mange («пожранный») в отношении того, кто терял его деньги. «Поль позволит себе быть пожранным живописью, Мари — иезуитами». Борьба за делание денег, таким образом, предстает борьбой за то, чтобы не быть пожранным. В своем переосмыслении образа Поль видит для себя возможность быть съеденным отцом с его каннибалистскими денежными ценностями. Череп стал для него эмблемой отказа от мира, потери духовной жизни в той же мере, что и физической. В одном письме от 1868 года Поль написал фразу: «Немного денег, заложенных под родительский череп». Линдсей Джек "Поль Сезанн"
©
Поль Гюстав Доре (фр. Paul Gustave Doré; 6 января 1832, Страсбург — 23 января 1883, Париж) — французский гравёр, иллюстратор и живописец.
Доре называют величайшим иллюстратором XIX века за непревзойдённую игру света и тени в его графических работах. Работы
У Гюстава Доре было две версии картины «Семья акробата», написанные с разницей в 20 лет. Одна версия картины «земная», а другая - «инфернальная». Обе версии рассказывают о трагедии семейства цирковых артистов. На холсте множество объектов, подчеркивающих профессию героев: в правой части кадра, размещены бубен, труба и жонглирование мячами.
Что мы видим? Ребенок, умирающий от смертельной раны на голове на руках у матери. За кадром осталось цирковое представление, во время которого ребенок получил травму. Очевидно, что ребенок, помогая своему отцу во время балансировки на канате, упал и был тяжело ранен. На холсте не изображено никаких активных действий, но боль и отчаяние все равно ощутимы.
Невинный ребенок написан в светлых тонах, которые контрастируют с темным фоном и родителями. Так, жизнерадостность и феерия шоу уступили драматической сцене в полной тишине. Доре действительно талантливый колорист: белая стена контрастирует с красной кровью ребенка, а яркие цвета карнавальной цирковой одежды - с белой одеждой потерпевшего ребенка, напоминающего ангела. Шоу остановлено - на дальнем фоне в темноте, на краю кадра, толпы любопытных наблюдающих акробатов и зрителей прекратили свою деятельность и в тишине созерцают горе матери и отца.
Мать прижимает к себе бледного ребенка, из которого уходит жизнь, закрыв глаза, возможно, молясь. На ней надето длинное синее пальто, голову венчает корона, в глаза бросается нарочитый образ цыганки (темная кожа и карие вьющиеся волосы). Очевидно, что в цирке он работает гадалкой. У её ног игральные карты в виде полукруга. В центре, на оси тела матери и сына, карта подсвечивается: это туз пик, символизирующий #смерть. Прочла ли она судьбу своего сына? Именно поэтому отчаяние так написано на её лице?
Нельзя не обратить внимание на позу матери и как она держит в руках своего умирающего сына. Все это вкупе с одеянием недвусмысленно наталкивает на христианскую иконографическую тему Девы Марии, оплакивающей смерть Христа до погребения.
Отец - акробат следит за сценой с отстранённым лицом, но и в его глазах видны слезы.
Другие символические элементы картины - животные, которые, кажется, сочувствуют горю хозяев. Единственное животное, которое не разделяет всеобщее настроение - сова. Неудивительно: ночной характер жизни совы наложил в сознании людей свой демонический оттенок.
Доре заинтересовала также и социальная ситуация семьи: какой вес имеют артисты цирка в обществе и на что они вынуждены идти ради работы? "Он умирает. Я хотел изобразить растерянность в глазах родителей, которые превратились в настолько закаленных существ, почти зверей, ведь для того, чтобы заработать деньги, они убили своего ребенка и, убив его, они обнаружили, что, оказывается, они имеют сердце и пришло позднее раскаяние. "
Довольно известный французский художник с итальянскими корнями, наверно один из немногих, который до конца своей жизни тщательно подготавливал свои произведения в размере психоанализа..
Густав-Адольф Муса родился в Ницце 28 января 1883 и умер в Ницце 25 мая 1971.
Считается символистом, хотя и предпочитал арт-деко и арт-нуво, как определение своих работ.
Кстати его отец художник Алексис Моса, Аlexis Mossa /1844-1926/ был одним из организаторов карнавала Ниццы. Он же был хранителем музея Искусства Ниццы, Mussée des Beaux-Arts de Nice.
@темы: Изобразительное искусство
-
-
13.03.2011 в 16:42-
-
13.03.2011 в 16:57-
-
17.03.2011 в 04:22Утяну себе)
-
-
09.03.2012 в 14:27