La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
!Много красоты!
Карл Густав Карус (03.01.1789-1869) - один из самых крупных представителей немецкого романтического пейзажа.
Родом из Лейпцига, Карл Густав получил великолепное образование сначала в школе, а потом и в университете Лейпцига. Живопись сопровождала его с юного возраста, но все же своей профессией Карус выбрал гинекологию и акушерство. В Дрездене он стал профессором на кафедре акушерства, а клиника при университете теперь носит его имя.
читать дальшеСамому Карусу "философствующий" подход к искусству был присущ в гораздо большей мере, чем кому-либо из пейзажистов той эпохи. Карус не был художником по образованию и пришел к живописи от своих, уже сложившихся, научных и философских воззрений. Известный дрезденский ученый-естествоиспытатель, мыслитель и врач, он, как и многие выдающиеся люди того времени, обладал духовным универсализмом, позволявшим обращаться к разным видам деятельности - науке, искусству, литературе - и в каждом сказать свое слово.
Великим примером такого универсализма в ту пору был Гете, сочетавший в себе поэта, художника и ученого. Но и сам Гете в одном из писем писал Карусу: "Право, вы соединяете в своей деятельности столько свойств личности, способностей, навыков, глубокая живая связь которых вызывает удивление". Их дружба и научное общение, начавшиеся в то время, когда Карус был еще молодым профессором-акушером в Дрездене, продолжались до самой смерти Гете. Как известно, слияние, обогащающее взаимопроникновение искусства и науки было не менее характерно для эпохи романтизма, чем обращение искусства к сказке, мифу, фантазии. Романтическая натурфилософия перевернула представление о мироздании, дала всему новое, одухотворяющее обоснование - и в глазах романтиков конкретные науки о природе исполнились нового, таинственного и даже поэтического смысла. Поэта Новалиса занимало строение горных пород, художник Рунге занимался физической теорией цвета, Карус в связи со своими живописными задачами принялся за научное изучение атмосферных явлений, законов формирования и структуры облаков...
Романтическое мировоззрение поставило лицом к лицу природу и человека, видя и в том, и в другом проявление единого и бесконечного духовного начала. В представлении романтиков дух, живущий бессознательно-творческой жизнью в природе, порождающий все многообразие ее форм, проявляется в человеке как сознание, многообразие чувств, мыслей, деятельности. Человек ощущает в природе родственное себе существо, познает и выражает ее - как в науке, так и в искусстве; духовная сущность человека стремится к слиянию с духовной сущностью мира. Поэтому недаром естествоиспытатель и художник в ту эпоху стали так близки друг другу, а самым плодотворным направлением романтического искусства в Германии стал именно пейзаж.
Карус, в духе романтической философии, так определял отношение искусства к науке: наука познает части, искусству подвластен дух целого, ибо в искусстве человек отчасти сам уподобляется бессознательно творящей природе. Истина же в их сочетании. Научные данные обретают конечный смысл в целостном художественном выражении, и искусство, если оно отвечает поставленной цели, должно быть основано на глубоком научном знании. Это сочетание и определило романтическую личность Каруса.
Как уже говорилось, Карус не учился живописи, он был самоучкой. Первые его работы непосредственно связаны с его научными занятиями - это анатомические и ботанические студии. И лишь постепенно появляется интерес к пейзажу. Но по-настоящему свой путь в искусстве Карус нашел, когда переехал из Лейпцига, где он кончил университет, в Дрезден и познакомился с Каспаром Давидом Фридрихом (в 1817 году). Фридрих первым открыл специфический язык романтического пейзажа. Наверное, его картины и нельзя называть пейзажами в том традиционном смысле слова, в каком этот жанр сформировался и существовал до него в европейском искусстве. Это не изображение местности - реальной или идеальной, - а, выражаясь языком романтизма, философское, духовное созерцание в формах видимой природы. Карус нашел для этого нового рода искусства обозначение - он предлагал называть его не пейзажем, а "изображением жизни земли". Он настолько глубоко воспринял принципы искусства Фридриха, что относительно некоторых картин до сих пор существует сомнение - принадлежат они "учителю" или "ученику".
Увлеченный Фридрихом, по его следам, Карус в 1819 году отправляется в путешествие на остров Рюген, где, как и Фридрих, пишет морские пейзажи. Море и небо в этих полотнах служат художнику, как бы для того, чтобы дать понятие о самой бесконечности природы. В картине "Прибой на Рюгене" показаны только узкая полоска каменистого берега и большие, монотонно вздымающиеся валы волн до самого горизонта. Пейзаж поражает своим величественным безлюдьем; художник хотел передать природу великой, могущественной и глухой, такой, какова она сама по себе, а не какой ее обычно воспринимает и приспосабливает к своим нуждам нерефлектирующий человек. В картине "Лунная ночь на Рюгене" художник убирает и последнюю опору - берег; мы видим море так, как его вообще не может видеть человек, - посреди водной пустыни, сверху, подобно пролетающим близко чайкам; и мы не можем оторвать глаз от расстилающейся под нами освещенной луной волнистой ряби. Художник всматривается в бесконечную природную стихию с пристальностью и ожиданием, как всматривался бы в лицо человека.
То, что наделенная духом природа, подобно человеку, может иметь свое "выражение", созвучное человеческим чувствам, - убеждение, выраженное Карусом в его теоретически-философском труде "Девять писем о пейзажной живописи". Такие выражения - печали, покоя, обновления и т.д.- придают картине природы время дня, время года. Восприимчивость романтического художника, убежденного во внутреннем родстве природы и человека, видит и в определенном сочетании природных мотивов не случайность, а символы духовного состояния. Проникнувшись этим умонастроением, мы поймем, к примеру, мысль художника в картине "Кладбище монастыря Ойбин" (1828): руины церкви, могилы под снегом - это распад, оцепенение, небытие; высящиеся в центре композиции могучие зеленые ели - предчувствие грядущего возрождения.
В творчестве Каруса есть ряд картин, прямо посвященных теме духовного родства и безмолвного тайного диалога человека и природы. В этих картинах человек не располагается естественно на лоне природы, как стаффаж в классическом пейзаже. Он всегда вне ее, смотрит на нее из окна, из проема, с террасы, но объединен с пейзажем по-другому - сопереживанием, общностью духовного состояния. Такова "Дама на террасе" (1824), устремившая взгляд в голубоватую рассветную даль. Такова одна из самых известных картин Каруса "Переезд в барке через Эльбу" (1827). Из темного пространства крытой барки, глазами сидящей здесь молодой нарядной девушки мы смотрим на реку и сияющий вдали на противоположном берегу, растворяющийся в солнечном свете пейзаж с силуэтом Дрездена и проникаемся ее состоянием радостного ожидания, порыва из темноты к свету, от обыденности - к чуду. И наконец, одна из самых своеобразных картин Каруса - "Терраса Брюля в Дрездене" (1830). Сумерки. Влажный туман. Из самого тумана, как чудесное видение, возникает остроконечный силуэт дрезденской Хофкирхе. На переднем плане у парапета террасы - фигуры бродяг или странников: сидящий, как будто в оцепенении, сгорбившийся старик, к коленям которого прижался ребенок, у их ног лежит собака. Грезит человек, и город погружен в туман, как в грезу. В этот час они как бы сливаются друг с другом в никому не ведомой немой беседе, полной тайного смысла.
Особой темой вплетается в живопись Каруса мотив искусства, творчества. Картина "Балкон в Неаполе" (1829-1830) чем-то напоминает "Переезд через Эльбу": из комнаты, через открытую балконную дверь мы видим залитый солнцем город на другом берегу залива. Кажется, не хватает только одного - глядящего в эту даль человека; и правда, здесь нет человека, но есть его песня - поставленная у самой двери скрипка. Также отсутствует человек и на другой картине Каруса "Мастерская художника в лунном свете" (1826). Светлые квадраты окна на прозрачной занавеске перечеркнуты темным силуэтом мольберта и муштабеля. И больше нет контрастов, все погружено в обволакивающую мглу, покой. Чувствуется то неясное, смутное, но напряженно-духовное состояние, в котором и зарождаются образы в то время как спят разум и воля художника. Мало кому удавалось передавать с такой силой саму таинственную атмосферу творчества, чем этому ученому-натуралисту, профессору и философу, которого коснулся и превратил в художника духовный порыв романтизма. ©
Франц фон Штук (нем. Franz von Stuck; 23 февраля 1863, Теттенвайс — 30 августа 1928, Мюнхен) — немецкий живописец и скульптор.
Сын деревенского мельника, Франц фон Штук учился в Королевской школе искусств и ремёсел в Мюнхене, а затем в Мюнхенской академии художеств. Фон Штук увлекался новыми художественными техниками и жанрами и вместе с Вильгельмом Трюбнером основал в 1892 году Мюнхенский сецессион.
С 1895 года Штук — профессор Академии художеств, среди его учеников — Василий Кандинский, Пауль Клее, Йозеф Хенгге, Георг Карс, Пауль Штолльрайтер и Генрих Штриффлер. В 1906 году Франц фон Штук получил дворянский титул. В одном ряду с Францем фон Ленбахом и Фридрихом Августом фон Каульбахом фон Штук является ярким представителем мюнхенской школы изобразительного искусства.
Вдохновлённый творчеством Арнольда Бёклина, Штук писал паряще-нереальные картины на сюжеты из мира фантазий и аллегорий, символические образы, как, например его «Грех» (1893) и «Война» (1894). Многие из его крупноформатных произведений отличает двусмысленно-эротическая атмосфера. Картины фон Штука, изображавшие часто обнажённые женские и мужские тела, получили в викторианскую эпоху у публики необычайно сильное художественное восприятие со слегка «истерическими» чертами.
Самым известным художником в Германии конца XIX - начала XX века был пейзажист Ганс Тома (Hans Thoma). Он рисовал натуралистично и просто, главным образом Шварцвальд - лесной массив на юге Германии, с которым связан целый ряд мифов и преданий немецкого фольклора. Современники называли его величайшим немецким художником, а Адольф Гитлер и вовсе считал Тома величайшим художником всех времен и народов. Его именем были названы дюжины улиц и площадей в немецких городах, причем чести этой он удостоился еще при жизни.
После 1945 года слава Ганса Тома начала стремительно меркнуть, и сегодня его полотна вызывают скорее скептическую усмешку, нежели восторг, если о них вообще кто-то еще помнит.
Вильгельм Генрих Отто Дикс (нем. Wilhelm Heinrich Otto Dix, 2 декабря 1891, Гера, Тюрингия, Германская империя — 25 июля 1969, Зинген, Баден, ФРГ) — немецкий художник-экспрессионист и график, автор эмоционально напряженных, способных шокировать картин.
Авангардист, в 1920-е годы был связан с дадаизмом и экспрессионизмом. Наряду с Георгом Гроссом Дикс был представителем так называемой «новой вещественности». Полотна Дикса отличают социальные и пацифистские мотивы, мучительные духовные искания.
-
Смерть и война идут рука об руку. Это две лучшие подружки. Одна подготавливает поле для хорошо отточенной косы другой. Если согласится с тезисом, что история человечества – это история войн, то последняя является одной из важных и влиятельных средств людского взаимодействия. Феномен войны находит отражение в идеологических конструктах, политическом доктринерстве, в философских трактатах и прениях, ну и конечно в зеркале изобразительного искусства.
Долгое время смерть на войне было принято изображать героической, чистой, символичной. Но вот, все сметая на своем пути, стрекоча пулеметами, грохая раскатами тысяч орудий, облаками хлора и гусеничными монстрами в историю человечества ворвалась Первая мировая война. Она начисто изменила весь мир, поменяла отношение людей к самой войне и восприятия смерти на ней. Естественно, что первостепенную роль в создании и распространении новых смыслов по этому поводу сыграли (не считая самой Первой мировой, в которую было вовлечено миллионы людей по всему свету) СМИ и искусство. Конечно, на ум сразу приходят романы Ремарка и Хемингуэя, которые во многом определили отношение к войне в массовом сознании современного «цивилизованного мира». Мы же с вами поговорим об еще одном представителе поколения, заставшего Мировую войну, но не имеющего отношения к литературному творчеству.
Война и смерть глазами немецкого художника-экспрессиониста Отто Дикса… Его живопись до сих пор возбуждает массу споров и подвержена самым оригинальным трактовкам. Военную серию офортов, вышедшую в свет в 1924 году (еще несколько работ на тему войны были написаны и в 1930-е, например триптих «Война» 1929-1932 гг.), художник планирует еще на фронте, делая зарисовки в бесконечных траншеях Западного фронта (на котором «ничего нового», если дословно переводить название знаменитого романа Ремарка). Как и многие юноши его поколения, поддавшиеся по меткому выражению Эрнста Юнгера «хмелю войны», Отто уходит на фронт добровольцем. Позднее он объясняет свое решение природной любознательностью: «Очевидно, я просто слишком любопытен. Я должен был все это видеть – голод, вшей, грязь и другие мерзости. Я должен был сам на себе испытать эти жуткие глубины жизни, вот почему я пошел на войну добровольно». На все это Дикс насмотрелся сполна, вовлеченный в водоворот «большой войны», он сражается долгих четыре года, получает ранение и Железный крест. И этот образ дополняет еще один интересный факт: он прошел всю войну с томиком Ницше и Библией. На фронте же он руководствуется не только воинским уставом, но и наставлениями Ницше для художников: «Изображать страшные и спорные вещи есть инстинкт воли и величия художника, он не должен бояться этого».
Леденящий душу ужас, неотвратимость и чувство постоянного присутствия смерти – вот, что характеризует работы военной серии Дикса. При этом смерть в его работах всегда отвратительна и страшит своей обыденностью.
Война и ее спутница - смерть во вселенной Отто Дикса предстает перед нами невероятным катаклизмом, стихией, которая не щадит никого, переворачивает сознание и погружает в состояние дурмана и нереальности происходящего. Смерть перестает быть из ряда вон выходящим событием, теряет героический ореол и ниспровергается на уровень обыденности и предстает перед нами в самом неприглядном свете.
В Третьем Рейхе работы Дикса были признаны «дегенеративными» и «вырожденческими». Его выгонят и из Дрезденской академии. Художнику было суждено попасть на войну еще раз. В возрасте 53 лет, Отто Дикс был призван в Фольксштурм (народное ополчение) в 1945 году. Но участвовать в боях ему пришлось не долго, всего несколько дней. После он попадет в плен французским войскам и выйдет на свободу лишь в 1946 году. Д. Житинев: "Отто Дикс: смерть и война"
Richard Müller (1874-1954) - профессор Дрезденской художественной академии с 1900 до 1935 гг.
C приходом к власти нацистов он был отстранен от должности, т.к. был женат на американской певице Lilian Sanderson, которая не отказалась от американского гражданства.
Саша Шнайдер, Карл Александр Шнайдер (нем. Sascha Schneider, Karl Alexander Schneider, 21 сентября 1870, Санкт-Петербург — 18 августа 1927, Свинемюнде, ныне Свиноуйсьце) — немецкий художник эпохи модерна, прославившийся иллюстрациями к романам Карла Мая. Ранние годы будущего художника прошли в Петербурге. После смерти отца мать переехала вместе с детьми в Дрезден. В 1881 году Шнайдеры обосновались в Цюрихе. Карл Александр учился в гимназии, а затем в Академии изящных искусств в Дрездене. В 1903 году познакомился с Карлом Маем, занялся иллюстрированием его книг. С 1904 — преподаватель художественной школы в Веймаре. Из-за угроз сожителя раскрыть его гомосексуальные наклонности, преследовавшиеся тогда по германским законам, переехал в Италию, где такие наклонности не относились к числу преступлений. Путешествовал, в том числе — по Кавказу. Страдал диабетом. Захотев пить на корабле, приближавшемся к Свинемюнде, по ошибке выпил ядовитый пятновыводитель. Похоронен в Лошвице — ныне Дрезден.
Оскар Цвинчер (нем. Oskar Zwintscher; 2 мая 1870, Лейпциг — 12 февраля 1916, Дрезден) — немецкий художник-символист.
Сын музыкального педагога Бруно Цвинчера, брат пианиста Рудольфа Цвинчера. Художественное образование получил в Академии искусств Лейпцига (1887—1890) и — под руководством Леона Поле и Фердинанда Паувельса — в Академии художеств Дрездена (1890—1892). После окончания учёбы в течение трёх лет живёт как свободный художник в Мейсене, получая стипендию из Мункельчского фонда для саксонских художников. В 1898 году впервые выставляет свои работы на широкое обозрение, завоевав премию шоколадного магната Людвига Штольверка. В 1898 году выходит в свет серия его произведений «Времена года», в 1900 ей следует серия «Непогода». В 1904 году он уже сам является членом комитета по присуждению премий от «производителя шоколада, какао и шампанского фирмы Штольверк». С 1903 года художник является профессором дрезденской Академии художеств.
Полотна Цвинчера имитируют манеру живописи старонемецких мастеров — Лукаса Кранаха-старшего, Ганса Гольбейна-младшего и других. Большое влияние на его творчетво оказали немецкие символисты: Арнольд Бёклин, Людвиг Рихтер, Мориц фон Швинд. Свои работы он выписывал тщательно вплоть до мельчайших деталей; был принципиальным противником импрессионизма. Был близким другом художника и скульптора Саши Шнайдера, которому принадлежит авторство создания скульптуры эфеба с факелом, установленной на могиле О.Цвинчера на Лошвицском кладбище в Дрездене.
Большое значение в творчестве Клингера занимала графика, в которой он был виртуозным мастером и которой он в своей книге «Живопись и рисование», вышедшей в 1891 году, придаёт особое, самостоятельное значение в отображении внешнего мира. При этом Клингер считал, что графике свойственно передавать демонически-тёмные аспекты жизни, адекватно выражаемые в линейной и контрастной манере, что позволяет рассматривать Клингера как одного из предтеч сюрреалистов. Изображение «циклов» действия с изображением фантастически-символистских воображаемых реальностей сам Клингер сравнивал с музыкальным произведением («опусом»). Сама же живопись оставалась для художника реалистически-позитивным средством выражения. Под особенным влиянием Клингера находился Пюви де Шаванн, создавший в Париже серию аллегорических, монументальных произведений настенной живописи. Своей целью в искусстве Клингер видел объединение живописи, пластики и архитектуры. Написанные Клингером религиозные картины показывают влияние на мастера итальянского Ренессанса.
"Я живу в себе и разгуливаю между рефлексами своих глаз: газовый свет – зеркало– люди. " Клингер, написавший это предложение 1883 году в своем дневнике, впитывал всё, окружающее его, глазами. Живопись была в его представлении средством, удерживающим " внешний мир ". Фантазию можно было выразить только в рисунке и гравюре. В этом смысле работал Клингер в обеих техниках, к которым он позже добавил талант скульптора. Внешний мир и внутренний мир возбуждали его равным образом, и он видел их всегда как противоположности.
Смерть и Красота
An die Schonheit. У берега моря, на цветущем лугу, высокие деревья сплелись в кружевные узоры. Точно грезы пустынной земли, они возносятся к небу и слушают нежные шумы прибоя. Туда, в ликующий солнечный день, пришел Человек и увидел, что мир прекрасен. Он опустился на колени и стал молиться, закрыв лицо руками. И слезы потекли из его глаз, неудержимые слезы восторга и муки перед тайной красоты. Тот, кто обожал природу, кто отдавался всеми порывами сердца и мысли великим чарам ее непостижимости - поймет, почему этим примиряющим аккордом закончил Макс Клингер последнюю серию своих офортов: "О смерти".
Смерть…
Никто из современных художников не приходил к раздумьям о смерти чаще и сосредоточеннее Клингера. Никто не вникал глубже в молчание потустороннего рока, стерегущего ужас людей.
Смерть. Она не знает пощады. Она на конце всех дорог. Ее неумолимая близость равняет все жребия. Счастливых и страдающих, мудрых и безумных. Перед ней одинаково ничтожны: и воин, искушаемый призраком славы, и владыка в золоте и пурпуре, умирающий как раб у подножия пышного трона, и матрос, заброшенный бурей на скалы, и девушка за работой на родном поле, и ребенок в колыбели, около матери, беззаботно уснувшей на скамье, близ вечернего пруда…
Смерть таится везде. У нее тысяча форм и символов. Она подкрадывается к человеку, когда он меньше всего ожидает и когда устал ждать, - безжалостная, немая смерть, то насмешливо-злобная, как скелет в монашеском одеянии, как стая воронов, врывающихся в больничные покои, то печально-тихая, как белый ангел…
И художник настаивает на вещих образах упорно, методически, с безжалостной утонченностью того, кто не щадит других, потому что не щадит себя. Эти гравюры о смерти чередуются перед нами, законченные, неотвратимые, словно видения "Меланхолии" Дюрера, читающей на небе слово Vanitas, и от них идет поэзия вкрадчивой грусти и тишины, напоминающая строки Верлена:
Je suis un berceau
Qu'une main balance
Au fond definite'un caveau.
Silence, silence…
Но значит ли это, что смерть опровержение жизни? Значит ли это, что люди должны предаваться отчаянию в ожидании последнего часа?
Нет. Надо превозмочь скорбное знание о страшном, неизбежном конце. Художник говорит нам: "Страшны формы смерти, но не сама смерть". Нет, потому что есть нечто более сильное, чем правда смерти, - правда красоты.
Красота побеждает смерть. В лучах красоты дух человек приобщается к вечности. В красоте - его предчувствие о непостижимой связи земного бытия - слабого, временного, случайного с тем безначальным и непреходящим бытием, которое он называет: Вселенная.
Так раскрывается нам смысл этой молитвы. Та же молитва звучит во всем творчестве Клингера. Вот почему от большинства его произведений веет таким строгим покоем, такой торжественной примиренностью, несмотря на преобладание в них мрачных мелодий.
(с)
1.
2.
wiki
Back into Nothingness, plate fifteen from A Life
Peeing Death (Der pinkelden Tod)
Untitled
Карл Вильгельм Дифенбах (нем. Karl Wilhelm Diefenbach; 21 февраля 1851, Хадамар — 15 декабря 1913, Капри) — немецкий художник, представитель символизма и стиля модерн. Известен был также как общественный деятель, основатель коммунального поселения Химмельхоф в Обер-Санкт-Фейте.
Жизнь и творчество
Карл Дифенбах родился в семье художника, учителя рисования в гимназии, Леонарда Дифенбаха. Изучал живопись в мюнхенской Академии художеств, первоначально находился под творческим влиянием Арнольда Бёклина и Франца фон Штук. Картины, созданные Карлом Дифенбахом, стали пользоваться известностью ещё в годы его молодости.
Переболев в тяжёлой форме тифом, художник стал инвалидом — его правая рука осталась искалеченной. Так как Карл Дифенбах считал, что только возвращение к естественному, близкому к природе образу жизни и натуральным продуктам способно его вылечить, он подпадает под влияние известных в Германии популяризаторов этой теории Арнольда Рикли и Эдуарда Бальцера. В 1881 году Дифенбах также порывает с официальной церковью. Облачённый в рясу и сандалии, он проповедовал в Мюнхене своё учение.
Основные идеи Карла Дифенбаха были следующие: жить в соответствии с законами природы, отказ от моногамии, вегетарианство, отказ от любой религии, больше движения на свежем воздухе и почитание обнажённого тела. Всё это вызывало насмешки современников, называвших Дифенбаха «апостолом Кольраби». После того, как его взяла под наблюдение полиция, художник покидает Мюнхен и обосновывается в заброшенной каменоломне. Помощником ему становится молодой художник Гуго Хёппенер («Фидус»). Совместной их работой является большой фриз Сквозь тернии к звёздам (Per aspera ad astra). В 1892 году Дифенбах выставляет свои работы в Вене. Эта экспозиция имела ошеломляющий успех и сделала его имя известным, однако вследствие мошенничества руководства австрийского Художественного общества Дифенбах потерял все свои картины. После этой катастрофы художник уезжает в Египет, где изучает древнеегипетские храмы. Затем, с целью вернуть свои полотна, он в 1897 году возвращается в Вену, планирует издание здесь журнала Humanitas и организует новую большую выставку. Художник находит поддержку среди интеллектуальной элиты австрийской столицы, в том числе у пацифистки Берты фон Зутнер и публициста Михаэля Конрада. Дифенбах обосновывается в поселении Химмельхоф близ Вены, и с ним там селятся около 20 его учеников. В их числе были художники Франтишек Купка, Константинос Партенис и Густав Грезер, а также защитник прав животных Магнус Швантье.
В своём «учении» Карл Дифенбах был явно непоследователен. В колонии Химмельхоф себе он делал многочисленные поблажки, жил одновременно с двумя «жёнами», и в то же время от учеников требовал скромности и полного подчинения. Он лично контролировал переписку каждого из них. После года существования коммуна разорилась и Дифенбах отправился на остров Капри, где имел известность крупного художника, в то время как на родине его творчество было предано забвению. Скончался на Капри вследствие заворота кишок.
Карл Фридрих Лессинг (нем. Karl Friedrich Lessing; 15 февраля 1808, Бреслау — 5 июня 1880, Карлсруэ) — немецкий художник романтического направления.
Fredinand Keller(1842-1922) - "Могила Беклина" +
Wilhelm Scheuchzer "Der Alte Südfriedhof" 1830
Rudolf Wiegmann. Das Grab des Lederfabrikanten Söhlmann auf dem St.-Nicolai-Kirchhof in Hannover. In dem Aquarell von 1835
Franz Reinhold
Marie Egner " Alter Friedhof c1883-1884"
Peter Heinrich Happel
Kapelle im Mondschein by Fritz von Wille, 1912
Rudolf Schiestl (8 августа 1878, Вюрцбург — 30 ноября 1931, Нюрнберг) - немецкий живописец, гравер, художник-стеклодув и один из пионеров экспрессионизма. Гравюры из серии "Базельская Смерть" (около 1910) основаны на народной средневековой песне 1539 года, 8 гравюр на 7 куплетов. В песне поется о том, как некий молодой человек из Базеля женился на старухе, которая его "заездила" уже на третий день, тогда он отправился на кладбище и попросил Смерть забрать сварливую женщину. Когда же он вернулся, жена уже умерла. Молодой человек запряг лошадей и отвез мертвую старуху на кладбище, где уже была готова могила, в которой та должна была заткнуться навеки. После этого он вернулся домой и взял себе молодую жену, которая на третий день его избила. Ну он и взмолился Смерти: "Лучше бы была старая!"
Карл Густав Карус (03.01.1789-1869) - один из самых крупных представителей немецкого романтического пейзажа.
Родом из Лейпцига, Карл Густав получил великолепное образование сначала в школе, а потом и в университете Лейпцига. Живопись сопровождала его с юного возраста, но все же своей профессией Карус выбрал гинекологию и акушерство. В Дрездене он стал профессором на кафедре акушерства, а клиника при университете теперь носит его имя.
читать дальшеСамому Карусу "философствующий" подход к искусству был присущ в гораздо большей мере, чем кому-либо из пейзажистов той эпохи. Карус не был художником по образованию и пришел к живописи от своих, уже сложившихся, научных и философских воззрений. Известный дрезденский ученый-естествоиспытатель, мыслитель и врач, он, как и многие выдающиеся люди того времени, обладал духовным универсализмом, позволявшим обращаться к разным видам деятельности - науке, искусству, литературе - и в каждом сказать свое слово.
Великим примером такого универсализма в ту пору был Гете, сочетавший в себе поэта, художника и ученого. Но и сам Гете в одном из писем писал Карусу: "Право, вы соединяете в своей деятельности столько свойств личности, способностей, навыков, глубокая живая связь которых вызывает удивление". Их дружба и научное общение, начавшиеся в то время, когда Карус был еще молодым профессором-акушером в Дрездене, продолжались до самой смерти Гете. Как известно, слияние, обогащающее взаимопроникновение искусства и науки было не менее характерно для эпохи романтизма, чем обращение искусства к сказке, мифу, фантазии. Романтическая натурфилософия перевернула представление о мироздании, дала всему новое, одухотворяющее обоснование - и в глазах романтиков конкретные науки о природе исполнились нового, таинственного и даже поэтического смысла. Поэта Новалиса занимало строение горных пород, художник Рунге занимался физической теорией цвета, Карус в связи со своими живописными задачами принялся за научное изучение атмосферных явлений, законов формирования и структуры облаков...
Романтическое мировоззрение поставило лицом к лицу природу и человека, видя и в том, и в другом проявление единого и бесконечного духовного начала. В представлении романтиков дух, живущий бессознательно-творческой жизнью в природе, порождающий все многообразие ее форм, проявляется в человеке как сознание, многообразие чувств, мыслей, деятельности. Человек ощущает в природе родственное себе существо, познает и выражает ее - как в науке, так и в искусстве; духовная сущность человека стремится к слиянию с духовной сущностью мира. Поэтому недаром естествоиспытатель и художник в ту эпоху стали так близки друг другу, а самым плодотворным направлением романтического искусства в Германии стал именно пейзаж.
Карус, в духе романтической философии, так определял отношение искусства к науке: наука познает части, искусству подвластен дух целого, ибо в искусстве человек отчасти сам уподобляется бессознательно творящей природе. Истина же в их сочетании. Научные данные обретают конечный смысл в целостном художественном выражении, и искусство, если оно отвечает поставленной цели, должно быть основано на глубоком научном знании. Это сочетание и определило романтическую личность Каруса.
Как уже говорилось, Карус не учился живописи, он был самоучкой. Первые его работы непосредственно связаны с его научными занятиями - это анатомические и ботанические студии. И лишь постепенно появляется интерес к пейзажу. Но по-настоящему свой путь в искусстве Карус нашел, когда переехал из Лейпцига, где он кончил университет, в Дрезден и познакомился с Каспаром Давидом Фридрихом (в 1817 году). Фридрих первым открыл специфический язык романтического пейзажа. Наверное, его картины и нельзя называть пейзажами в том традиционном смысле слова, в каком этот жанр сформировался и существовал до него в европейском искусстве. Это не изображение местности - реальной или идеальной, - а, выражаясь языком романтизма, философское, духовное созерцание в формах видимой природы. Карус нашел для этого нового рода искусства обозначение - он предлагал называть его не пейзажем, а "изображением жизни земли". Он настолько глубоко воспринял принципы искусства Фридриха, что относительно некоторых картин до сих пор существует сомнение - принадлежат они "учителю" или "ученику".
Увлеченный Фридрихом, по его следам, Карус в 1819 году отправляется в путешествие на остров Рюген, где, как и Фридрих, пишет морские пейзажи. Море и небо в этих полотнах служат художнику, как бы для того, чтобы дать понятие о самой бесконечности природы. В картине "Прибой на Рюгене" показаны только узкая полоска каменистого берега и большие, монотонно вздымающиеся валы волн до самого горизонта. Пейзаж поражает своим величественным безлюдьем; художник хотел передать природу великой, могущественной и глухой, такой, какова она сама по себе, а не какой ее обычно воспринимает и приспосабливает к своим нуждам нерефлектирующий человек. В картине "Лунная ночь на Рюгене" художник убирает и последнюю опору - берег; мы видим море так, как его вообще не может видеть человек, - посреди водной пустыни, сверху, подобно пролетающим близко чайкам; и мы не можем оторвать глаз от расстилающейся под нами освещенной луной волнистой ряби. Художник всматривается в бесконечную природную стихию с пристальностью и ожиданием, как всматривался бы в лицо человека.
То, что наделенная духом природа, подобно человеку, может иметь свое "выражение", созвучное человеческим чувствам, - убеждение, выраженное Карусом в его теоретически-философском труде "Девять писем о пейзажной живописи". Такие выражения - печали, покоя, обновления и т.д.- придают картине природы время дня, время года. Восприимчивость романтического художника, убежденного во внутреннем родстве природы и человека, видит и в определенном сочетании природных мотивов не случайность, а символы духовного состояния. Проникнувшись этим умонастроением, мы поймем, к примеру, мысль художника в картине "Кладбище монастыря Ойбин" (1828): руины церкви, могилы под снегом - это распад, оцепенение, небытие; высящиеся в центре композиции могучие зеленые ели - предчувствие грядущего возрождения.
В творчестве Каруса есть ряд картин, прямо посвященных теме духовного родства и безмолвного тайного диалога человека и природы. В этих картинах человек не располагается естественно на лоне природы, как стаффаж в классическом пейзаже. Он всегда вне ее, смотрит на нее из окна, из проема, с террасы, но объединен с пейзажем по-другому - сопереживанием, общностью духовного состояния. Такова "Дама на террасе" (1824), устремившая взгляд в голубоватую рассветную даль. Такова одна из самых известных картин Каруса "Переезд в барке через Эльбу" (1827). Из темного пространства крытой барки, глазами сидящей здесь молодой нарядной девушки мы смотрим на реку и сияющий вдали на противоположном берегу, растворяющийся в солнечном свете пейзаж с силуэтом Дрездена и проникаемся ее состоянием радостного ожидания, порыва из темноты к свету, от обыденности - к чуду. И наконец, одна из самых своеобразных картин Каруса - "Терраса Брюля в Дрездене" (1830). Сумерки. Влажный туман. Из самого тумана, как чудесное видение, возникает остроконечный силуэт дрезденской Хофкирхе. На переднем плане у парапета террасы - фигуры бродяг или странников: сидящий, как будто в оцепенении, сгорбившийся старик, к коленям которого прижался ребенок, у их ног лежит собака. Грезит человек, и город погружен в туман, как в грезу. В этот час они как бы сливаются друг с другом в никому не ведомой немой беседе, полной тайного смысла.
Особой темой вплетается в живопись Каруса мотив искусства, творчества. Картина "Балкон в Неаполе" (1829-1830) чем-то напоминает "Переезд через Эльбу": из комнаты, через открытую балконную дверь мы видим залитый солнцем город на другом берегу залива. Кажется, не хватает только одного - глядящего в эту даль человека; и правда, здесь нет человека, но есть его песня - поставленная у самой двери скрипка. Также отсутствует человек и на другой картине Каруса "Мастерская художника в лунном свете" (1826). Светлые квадраты окна на прозрачной занавеске перечеркнуты темным силуэтом мольберта и муштабеля. И больше нет контрастов, все погружено в обволакивающую мглу, покой. Чувствуется то неясное, смутное, но напряженно-духовное состояние, в котором и зарождаются образы в то время как спят разум и воля художника. Мало кому удавалось передавать с такой силой саму таинственную атмосферу творчества, чем этому ученому-натуралисту, профессору и философу, которого коснулся и превратил в художника духовный порыв романтизма. ©
Ernst Ferdinand Oehme (1797-1855)
+Альбом+
Немецкий художник эпохи Романтизма, отличительной чертой которого были пейзажи с архитектурными элементами.
+Альбом+
Немецкий художник эпохи Романтизма, отличительной чертой которого были пейзажи с архитектурными элементами.
Франц фон Штук (нем. Franz von Stuck; 23 февраля 1863, Теттенвайс — 30 августа 1928, Мюнхен) — немецкий живописец и скульптор.
Сын деревенского мельника, Франц фон Штук учился в Королевской школе искусств и ремёсел в Мюнхене, а затем в Мюнхенской академии художеств. Фон Штук увлекался новыми художественными техниками и жанрами и вместе с Вильгельмом Трюбнером основал в 1892 году Мюнхенский сецессион.
С 1895 года Штук — профессор Академии художеств, среди его учеников — Василий Кандинский, Пауль Клее, Йозеф Хенгге, Георг Карс, Пауль Штолльрайтер и Генрих Штриффлер. В 1906 году Франц фон Штук получил дворянский титул. В одном ряду с Францем фон Ленбахом и Фридрихом Августом фон Каульбахом фон Штук является ярким представителем мюнхенской школы изобразительного искусства.
Вдохновлённый творчеством Арнольда Бёклина, Штук писал паряще-нереальные картины на сюжеты из мира фантазий и аллегорий, символические образы, как, например его «Грех» (1893) и «Война» (1894). Многие из его крупноформатных произведений отличает двусмысленно-эротическая атмосфера. Картины фон Штука, изображавшие часто обнажённые женские и мужские тела, получили в викторианскую эпоху у публики необычайно сильное художественное восприятие со слегка «истерическими» чертами.
Самым известным художником в Германии конца XIX - начала XX века был пейзажист Ганс Тома (Hans Thoma). Он рисовал натуралистично и просто, главным образом Шварцвальд - лесной массив на юге Германии, с которым связан целый ряд мифов и преданий немецкого фольклора. Современники называли его величайшим немецким художником, а Адольф Гитлер и вовсе считал Тома величайшим художником всех времен и народов. Его именем были названы дюжины улиц и площадей в немецких городах, причем чести этой он удостоился еще при жизни.
После 1945 года слава Ганса Тома начала стремительно меркнуть, и сегодня его полотна вызывают скорее скептическую усмешку, нежели восторг, если о них вообще кто-то еще помнит.
Вильгельм Генрих Отто Дикс (нем. Wilhelm Heinrich Otto Dix, 2 декабря 1891, Гера, Тюрингия, Германская империя — 25 июля 1969, Зинген, Баден, ФРГ) — немецкий художник-экспрессионист и график, автор эмоционально напряженных, способных шокировать картин.
Авангардист, в 1920-е годы был связан с дадаизмом и экспрессионизмом. Наряду с Георгом Гроссом Дикс был представителем так называемой «новой вещественности». Полотна Дикса отличают социальные и пацифистские мотивы, мучительные духовные искания.
-
Смерть и война идут рука об руку. Это две лучшие подружки. Одна подготавливает поле для хорошо отточенной косы другой. Если согласится с тезисом, что история человечества – это история войн, то последняя является одной из важных и влиятельных средств людского взаимодействия. Феномен войны находит отражение в идеологических конструктах, политическом доктринерстве, в философских трактатах и прениях, ну и конечно в зеркале изобразительного искусства.
Долгое время смерть на войне было принято изображать героической, чистой, символичной. Но вот, все сметая на своем пути, стрекоча пулеметами, грохая раскатами тысяч орудий, облаками хлора и гусеничными монстрами в историю человечества ворвалась Первая мировая война. Она начисто изменила весь мир, поменяла отношение людей к самой войне и восприятия смерти на ней. Естественно, что первостепенную роль в создании и распространении новых смыслов по этому поводу сыграли (не считая самой Первой мировой, в которую было вовлечено миллионы людей по всему свету) СМИ и искусство. Конечно, на ум сразу приходят романы Ремарка и Хемингуэя, которые во многом определили отношение к войне в массовом сознании современного «цивилизованного мира». Мы же с вами поговорим об еще одном представителе поколения, заставшего Мировую войну, но не имеющего отношения к литературному творчеству.
Война и смерть глазами немецкого художника-экспрессиониста Отто Дикса… Его живопись до сих пор возбуждает массу споров и подвержена самым оригинальным трактовкам. Военную серию офортов, вышедшую в свет в 1924 году (еще несколько работ на тему войны были написаны и в 1930-е, например триптих «Война» 1929-1932 гг.), художник планирует еще на фронте, делая зарисовки в бесконечных траншеях Западного фронта (на котором «ничего нового», если дословно переводить название знаменитого романа Ремарка). Как и многие юноши его поколения, поддавшиеся по меткому выражению Эрнста Юнгера «хмелю войны», Отто уходит на фронт добровольцем. Позднее он объясняет свое решение природной любознательностью: «Очевидно, я просто слишком любопытен. Я должен был все это видеть – голод, вшей, грязь и другие мерзости. Я должен был сам на себе испытать эти жуткие глубины жизни, вот почему я пошел на войну добровольно». На все это Дикс насмотрелся сполна, вовлеченный в водоворот «большой войны», он сражается долгих четыре года, получает ранение и Железный крест. И этот образ дополняет еще один интересный факт: он прошел всю войну с томиком Ницше и Библией. На фронте же он руководствуется не только воинским уставом, но и наставлениями Ницше для художников: «Изображать страшные и спорные вещи есть инстинкт воли и величия художника, он не должен бояться этого».
Леденящий душу ужас, неотвратимость и чувство постоянного присутствия смерти – вот, что характеризует работы военной серии Дикса. При этом смерть в его работах всегда отвратительна и страшит своей обыденностью.
Война и ее спутница - смерть во вселенной Отто Дикса предстает перед нами невероятным катаклизмом, стихией, которая не щадит никого, переворачивает сознание и погружает в состояние дурмана и нереальности происходящего. Смерть перестает быть из ряда вон выходящим событием, теряет героический ореол и ниспровергается на уровень обыденности и предстает перед нами в самом неприглядном свете.
В Третьем Рейхе работы Дикса были признаны «дегенеративными» и «вырожденческими». Его выгонят и из Дрезденской академии. Художнику было суждено попасть на войну еще раз. В возрасте 53 лет, Отто Дикс был призван в Фольксштурм (народное ополчение) в 1945 году. Но участвовать в боях ему пришлось не долго, всего несколько дней. После он попадет в плен французским войскам и выйдет на свободу лишь в 1946 году. Д. Житинев: "Отто Дикс: смерть и война"
Richard Müller (1874-1954) - профессор Дрезденской художественной академии с 1900 до 1935 гг.
C приходом к власти нацистов он был отстранен от должности, т.к. был женат на американской певице Lilian Sanderson, которая не отказалась от американского гражданства.
Саша Шнайдер, Карл Александр Шнайдер (нем. Sascha Schneider, Karl Alexander Schneider, 21 сентября 1870, Санкт-Петербург — 18 августа 1927, Свинемюнде, ныне Свиноуйсьце) — немецкий художник эпохи модерна, прославившийся иллюстрациями к романам Карла Мая. Ранние годы будущего художника прошли в Петербурге. После смерти отца мать переехала вместе с детьми в Дрезден. В 1881 году Шнайдеры обосновались в Цюрихе. Карл Александр учился в гимназии, а затем в Академии изящных искусств в Дрездене. В 1903 году познакомился с Карлом Маем, занялся иллюстрированием его книг. С 1904 — преподаватель художественной школы в Веймаре. Из-за угроз сожителя раскрыть его гомосексуальные наклонности, преследовавшиеся тогда по германским законам, переехал в Италию, где такие наклонности не относились к числу преступлений. Путешествовал, в том числе — по Кавказу. Страдал диабетом. Захотев пить на корабле, приближавшемся к Свинемюнде, по ошибке выпил ядовитый пятновыводитель. Похоронен в Лошвице — ныне Дрезден.
Oskar Zwintscher
Оскар Цвинчер (нем. Oskar Zwintscher; 2 мая 1870, Лейпциг — 12 февраля 1916, Дрезден) — немецкий художник-символист.
Сын музыкального педагога Бруно Цвинчера, брат пианиста Рудольфа Цвинчера. Художественное образование получил в Академии искусств Лейпцига (1887—1890) и — под руководством Леона Поле и Фердинанда Паувельса — в Академии художеств Дрездена (1890—1892). После окончания учёбы в течение трёх лет живёт как свободный художник в Мейсене, получая стипендию из Мункельчского фонда для саксонских художников. В 1898 году впервые выставляет свои работы на широкое обозрение, завоевав премию шоколадного магната Людвига Штольверка. В 1898 году выходит в свет серия его произведений «Времена года», в 1900 ей следует серия «Непогода». В 1904 году он уже сам является членом комитета по присуждению премий от «производителя шоколада, какао и шампанского фирмы Штольверк». С 1903 года художник является профессором дрезденской Академии художеств.
Полотна Цвинчера имитируют манеру живописи старонемецких мастеров — Лукаса Кранаха-старшего, Ганса Гольбейна-младшего и других. Большое влияние на его творчетво оказали немецкие символисты: Арнольд Бёклин, Людвиг Рихтер, Мориц фон Швинд. Свои работы он выписывал тщательно вплоть до мельчайших деталей; был принципиальным противником импрессионизма. Был близким другом художника и скульптора Саши Шнайдера, которому принадлежит авторство создания скульптуры эфеба с факелом, установленной на могиле О.Цвинчера на Лошвицском кладбище в Дрездене.
Большое значение в творчестве Клингера занимала графика, в которой он был виртуозным мастером и которой он в своей книге «Живопись и рисование», вышедшей в 1891 году, придаёт особое, самостоятельное значение в отображении внешнего мира. При этом Клингер считал, что графике свойственно передавать демонически-тёмные аспекты жизни, адекватно выражаемые в линейной и контрастной манере, что позволяет рассматривать Клингера как одного из предтеч сюрреалистов. Изображение «циклов» действия с изображением фантастически-символистских воображаемых реальностей сам Клингер сравнивал с музыкальным произведением («опусом»). Сама же живопись оставалась для художника реалистически-позитивным средством выражения. Под особенным влиянием Клингера находился Пюви де Шаванн, создавший в Париже серию аллегорических, монументальных произведений настенной живописи. Своей целью в искусстве Клингер видел объединение живописи, пластики и архитектуры. Написанные Клингером религиозные картины показывают влияние на мастера итальянского Ренессанса.
"Я живу в себе и разгуливаю между рефлексами своих глаз: газовый свет – зеркало– люди. " Клингер, написавший это предложение 1883 году в своем дневнике, впитывал всё, окружающее его, глазами. Живопись была в его представлении средством, удерживающим " внешний мир ". Фантазию можно было выразить только в рисунке и гравюре. В этом смысле работал Клингер в обеих техниках, к которым он позже добавил талант скульптора. Внешний мир и внутренний мир возбуждали его равным образом, и он видел их всегда как противоположности.
Смерть и Красота
An die Schonheit. У берега моря, на цветущем лугу, высокие деревья сплелись в кружевные узоры. Точно грезы пустынной земли, они возносятся к небу и слушают нежные шумы прибоя. Туда, в ликующий солнечный день, пришел Человек и увидел, что мир прекрасен. Он опустился на колени и стал молиться, закрыв лицо руками. И слезы потекли из его глаз, неудержимые слезы восторга и муки перед тайной красоты. Тот, кто обожал природу, кто отдавался всеми порывами сердца и мысли великим чарам ее непостижимости - поймет, почему этим примиряющим аккордом закончил Макс Клингер последнюю серию своих офортов: "О смерти".
Смерть…
Никто из современных художников не приходил к раздумьям о смерти чаще и сосредоточеннее Клингера. Никто не вникал глубже в молчание потустороннего рока, стерегущего ужас людей.
Смерть. Она не знает пощады. Она на конце всех дорог. Ее неумолимая близость равняет все жребия. Счастливых и страдающих, мудрых и безумных. Перед ней одинаково ничтожны: и воин, искушаемый призраком славы, и владыка в золоте и пурпуре, умирающий как раб у подножия пышного трона, и матрос, заброшенный бурей на скалы, и девушка за работой на родном поле, и ребенок в колыбели, около матери, беззаботно уснувшей на скамье, близ вечернего пруда…
Смерть таится везде. У нее тысяча форм и символов. Она подкрадывается к человеку, когда он меньше всего ожидает и когда устал ждать, - безжалостная, немая смерть, то насмешливо-злобная, как скелет в монашеском одеянии, как стая воронов, врывающихся в больничные покои, то печально-тихая, как белый ангел…
И художник настаивает на вещих образах упорно, методически, с безжалостной утонченностью того, кто не щадит других, потому что не щадит себя. Эти гравюры о смерти чередуются перед нами, законченные, неотвратимые, словно видения "Меланхолии" Дюрера, читающей на небе слово Vanitas, и от них идет поэзия вкрадчивой грусти и тишины, напоминающая строки Верлена:
Je suis un berceau
Qu'une main balance
Au fond definite'un caveau.
Silence, silence…
Но значит ли это, что смерть опровержение жизни? Значит ли это, что люди должны предаваться отчаянию в ожидании последнего часа?
Нет. Надо превозмочь скорбное знание о страшном, неизбежном конце. Художник говорит нам: "Страшны формы смерти, но не сама смерть". Нет, потому что есть нечто более сильное, чем правда смерти, - правда красоты.
Красота побеждает смерть. В лучах красоты дух человек приобщается к вечности. В красоте - его предчувствие о непостижимой связи земного бытия - слабого, временного, случайного с тем безначальным и непреходящим бытием, которое он называет: Вселенная.
Так раскрывается нам смысл этой молитвы. Та же молитва звучит во всем творчестве Клингера. Вот почему от большинства его произведений веет таким строгим покоем, такой торжественной примиренностью, несмотря на преобладание в них мрачных мелодий.
(с)
1.
2.
wiki
Back into Nothingness, plate fifteen from A Life
Peeing Death (Der pinkelden Tod)
Untitled
Карл Вильгельм Дифенбах (нем. Karl Wilhelm Diefenbach; 21 февраля 1851, Хадамар — 15 декабря 1913, Капри) — немецкий художник, представитель символизма и стиля модерн. Известен был также как общественный деятель, основатель коммунального поселения Химмельхоф в Обер-Санкт-Фейте.
Жизнь и творчество
Карл Дифенбах родился в семье художника, учителя рисования в гимназии, Леонарда Дифенбаха. Изучал живопись в мюнхенской Академии художеств, первоначально находился под творческим влиянием Арнольда Бёклина и Франца фон Штук. Картины, созданные Карлом Дифенбахом, стали пользоваться известностью ещё в годы его молодости.
Переболев в тяжёлой форме тифом, художник стал инвалидом — его правая рука осталась искалеченной. Так как Карл Дифенбах считал, что только возвращение к естественному, близкому к природе образу жизни и натуральным продуктам способно его вылечить, он подпадает под влияние известных в Германии популяризаторов этой теории Арнольда Рикли и Эдуарда Бальцера. В 1881 году Дифенбах также порывает с официальной церковью. Облачённый в рясу и сандалии, он проповедовал в Мюнхене своё учение.
Основные идеи Карла Дифенбаха были следующие: жить в соответствии с законами природы, отказ от моногамии, вегетарианство, отказ от любой религии, больше движения на свежем воздухе и почитание обнажённого тела. Всё это вызывало насмешки современников, называвших Дифенбаха «апостолом Кольраби». После того, как его взяла под наблюдение полиция, художник покидает Мюнхен и обосновывается в заброшенной каменоломне. Помощником ему становится молодой художник Гуго Хёппенер («Фидус»). Совместной их работой является большой фриз Сквозь тернии к звёздам (Per aspera ad astra). В 1892 году Дифенбах выставляет свои работы в Вене. Эта экспозиция имела ошеломляющий успех и сделала его имя известным, однако вследствие мошенничества руководства австрийского Художественного общества Дифенбах потерял все свои картины. После этой катастрофы художник уезжает в Египет, где изучает древнеегипетские храмы. Затем, с целью вернуть свои полотна, он в 1897 году возвращается в Вену, планирует издание здесь журнала Humanitas и организует новую большую выставку. Художник находит поддержку среди интеллектуальной элиты австрийской столицы, в том числе у пацифистки Берты фон Зутнер и публициста Михаэля Конрада. Дифенбах обосновывается в поселении Химмельхоф близ Вены, и с ним там селятся около 20 его учеников. В их числе были художники Франтишек Купка, Константинос Партенис и Густав Грезер, а также защитник прав животных Магнус Швантье.
В своём «учении» Карл Дифенбах был явно непоследователен. В колонии Химмельхоф себе он делал многочисленные поблажки, жил одновременно с двумя «жёнами», и в то же время от учеников требовал скромности и полного подчинения. Он лично контролировал переписку каждого из них. После года существования коммуна разорилась и Дифенбах отправился на остров Капри, где имел известность крупного художника, в то время как на родине его творчество было предано забвению. Скончался на Капри вследствие заворота кишок.
Карл Фридрих Лессинг (нем. Karl Friedrich Lessing; 15 февраля 1808, Бреслау — 5 июня 1880, Карлсруэ) — немецкий художник романтического направления.
Fredinand Keller(1842-1922) - "Могила Беклина" +
Wilhelm Scheuchzer "Der Alte Südfriedhof" 1830
Rudolf Wiegmann. Das Grab des Lederfabrikanten Söhlmann auf dem St.-Nicolai-Kirchhof in Hannover. In dem Aquarell von 1835
Franz Reinhold
Marie Egner " Alter Friedhof c1883-1884"
Peter Heinrich Happel
Kapelle im Mondschein by Fritz von Wille, 1912
Carl Strathmann (1866-1939)
Max Wislicenus (1861-1957)
Ferdinand Staeger (1880-1976)
Ferdinand Staeger (1880-1976)
Rudolf Schiestl (8 августа 1878, Вюрцбург — 30 ноября 1931, Нюрнберг) - немецкий живописец, гравер, художник-стеклодув и один из пионеров экспрессионизма. Гравюры из серии "Базельская Смерть" (около 1910) основаны на народной средневековой песне 1539 года, 8 гравюр на 7 куплетов. В песне поется о том, как некий молодой человек из Базеля женился на старухе, которая его "заездила" уже на третий день, тогда он отправился на кладбище и попросил Смерть забрать сварливую женщину. Когда же он вернулся, жена уже умерла. Молодой человек запряг лошадей и отвез мертвую старуху на кладбище, где уже была готова могила, в которой та должна была заткнуться навеки. После этого он вернулся домой и взял себе молодую жену, которая на третий день его избила. Ну он и взмолился Смерти: "Лучше бы была старая!"
Andreas Paul Weber (1893-1980)
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Arnold Böcklin (1827 - 1901)
Carlos Schwabe (1890-1892)
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Arnold Böcklin (1827 - 1901)
Carlos Schwabe (1890-1892)