Первый альбом группы - "Simphonia Sine Nomine" - продемонстрировал, что группе действительно есть что сказать. Величественный глубокий вокал Франчески Николи, инспирированная эпохами Барокко и Ренессанса музыка, да и сама концепция альбома - о статуях старинных кладбищ, незримо наблюдающих за живыми, бродящими между могил.
с www.ataraxia.net:
"I visited the graveyard today, eager to see its statues, expression of nameless faces, so distant, elusive, charged of abstract silences. The statues observed me more than I observed them, trying to grasp their history and past. It was us who were hiding, they would have ever been there, it was us the blind that even if we had been able to see we would have only remained the blind on the other side."
«Men are always unaware and blind towards their own destiny and over there stands the "Tower of the Divine Knowledge" that makes fun of us with its cynical glance, we, the poor blind. But here it is the impulse of rebellion to the fate, to the awe of what is unknown and untamable, here it is the challenge to regive candour to the flesh and eliminate the idea of spread death always feared.
We are no longer little beasts hidden in musk and seaweeds, even if lost in "The Big Forest" at flood waters' mercy, under a moon in fire, we have begun to exist. That's why we are both Gods and Children, that's why we are dragged to the hell with great fulfilment !»


@темы: нотки вечности (музыкальные полотна), клипы/ролики/передачи


Hанхэдское кладбище (Nunhead cemetery) расположено на юге города.
Открыто в 1840 году на окраине викторианского Лондона. Первым на кладбище в октябре 1840 года был захоронен Карл Эббот, 101-летний бакалейщик из Ипсвича. В среднем за год производилось до 2 000 захоронений.
Художественный интерес представляют памятники на могилах состоятельных горожан, которые контрастируют со скромными надгробьями людей попроще. К середине XIX века кладбище было почти полностью заполнено, захоронения на нем в настоящее время не проводятся. После реставрации открыто для посещения в 2001 году.
Что касается открытого в 1840 году Нанхэдского кладбища, то даже энтузиасты из благотворительной организации «Друзья Нанхэдского кладбища» вынуждены признать: в популярности оно уступает остальным членам «великолепной семерки». Зато поклонники Нанхэда могут по праву гордиться экологией кладбища, недаром на нем водятся целых шестнадцать разновидностей бабочек. Наверное, самым выдающимся из «обитателей» кладбища является сэр Полидор де Кейзер (1832-1898) — официант бельгийского происхождения, который умудрился выбиться в лорд-мэры Лондона. Силами «Друзей» опубликован сборник биографий еще четырехсот горожан, похороненных на Нан-хэдском кладбище. Жалкий, захудалый клерк, обезумевший от горя по поводу кончины возлюбленной, озвучивает страстный монолог в поэме Шарлотты Мью «На Нанхэдском кладбище».
Ссылки:
наша галерея vk
.flickr.
фото
Сайт друзей некрополя с хорошей галерей
©araqnid.



@темы: Лондонские кладбища

Пишет  Korrina-Weilling:
Всё-таки эта песня пробирает до костей именно в исполнении Диаманды Галас. В ней действительно есть что-то жуткое, гнетущее и безысходное.

Sadly one Sunday I waited and waited
With flowers in my arms for the dream I'd created
I waited 'til dreams, like my heart, were all broken
The flowers were all dead and the words were unspoken
The grief that I knew was beyond all consoling
The beat of my heart was a bell that was tolling
Saddest of Sundays
Then came a Sunday when you came to find me
They bore me to church and I left you behind me
My eyes could not see one I wanted to love me
The earth and the flowers are forever above me
The bell tolled for me and the wind whispered, "Never!"
But you I have loved and I bless you forever
Last of all Sundays

Автор песни - венгр, пианист и композитор по имени Режо Шереш. В оригинале она называется Szomoru vasarnap. Однако во всём мире песню знают под английским названием - Gloomy Sunday (Мрачное Воскресенье), или под прозвищем Hungarian Suicide Song.
Шереш написал эту меланхолическую мелодию в 1933 году, на следующий день после ссоры и разрыва со своей девушкой. Вскоре он добавил текст - размышления человека, у которого умерла возлюбленная и за которой он намерен последовать на тот свет. Первые попытки продать эту песню потерпели фиаско: издатели дружно отвергали её как "слишком мрачную." Друг пианиста, поэт Ласло Явор дописал ещё один куплет, в котором оказывалось что смерть любимой - это просто дурной сон (Dreaming, I was only dreaming…). В таком виде один из агентов наконец согласился её издать, и она быстро стала популярной. Однако, вслед за успехом по Венгрии поползли тревожные слухи о волне самоубийств. Мужчина вышел из кафе, в котором музыканты по его просьбе исполнили Szomorú vasárnap, и вышиб себе мозги. В кармане покончившего с собой сапожника нашли текст песни. Молодая хозяйка магазина покончила с собой, у ее ног лежала пластинка с записью песни.

Как упоминалось выше, незадолго до написания Gloomy Sunday, ее автор Режо расстался со своей девушкой. Уже после записи песни они воссоединились, и через некоторое время, когда уже казалось, что жизнь их наладилась, девушку нашли мертвой. Она приняла яд, в ее руке была предсмертная записка: «Szomorú vasárnap».
Когда в 1936 году песня вышла на английском, BBC, а также американская вещательная сеть запретили ее ротацию и распространение. Позже волнения по ее поводу улеглись, и ВВС решили прокрутить в эфире инструментальную версию Gloomy Sunday, которая потом была издана на пластинке. Эта пластинка играла на рипите в квартире дамы, отравившейся ударной дозой барбитуратов. А в Риме мальчик, который услышал нищего, насвистывающего Gloomy Sunday, якобы немедленно прыгнул в Тибр вместе с велосипедом.
Дальнейшее развитие событий сильно зависит от фантазии рассказчика — десятки, сотни смертей; в Америке, в Европе, по всему миру… запрет на исполнение по BBC, по всем радиостанциям земного шара… и т. д. и т. п. Однако есть у этой песни как минимум одна вполне достоверная жертва: в 1968 году её автор, Режо Шереш, выбросился из окна своей квартиры в Париже. (с)

Gloomy Sunday исполняли также Серж Гинзбург, Билли Холидей, Шинед О'Коннор, Сара Брайтман, Бьорк, Хизер Нова и многие другие.
Вот сайт, где есть вся информация по этому "гимну самоубийц": www.phespirit.info/gloomysunday/



@темы: Тени смерти, нотки вечности (музыкальные полотна), поверья и приметы, кинематограф, Одна история любви

19:53

Кали


Кали представляет собой божество из Индийской мифологии и отожествляется обычно со смертью и разрушением. Кали борется за справедливость, разрушает невежество, управляет временем и переменами.
В переводе Кали означает, «черный», «темный».
Обычно ее изображают в виде молодой смуглой стройной женщины с четырьмя руками. На ней практически нет одежды, кроме гирлянды черепов на шее (череда человеческих отношений, мудрость и сила) и юбки из человеческих рук, символизирующие неумолимость кармы. Ее собственные четыре руки также имеют глубокий смысл и символизируют четыре стороны света и четыре самые главные чакры.
В верхней левой руке она держит окровавленный меч, разрушающий сомнения и лицемерие, в нижней левой голову демона, (отсечение человеческого эго), верхней правой рукой она делает жест, отгоняющий страх, и последней рукой она благословляет на исполнение желаний. Ее глаза изображаются красными от ненависти и ярости. Язык всегда высунут для устрашения. Три глаза следят за тремя вечными процессами в жизни: сотворением, сохранением и разрушением. Лохматые длинные ее волосы символизируют, смерть, которая преследует человека на протяжении всей жизни. Труп, на котором она стоит, символизирует бренность нашего тела, и его переходящий нижепоставленный характер физического тела.
С течением времени изображения Кали постоянно менялись и современные художники уже давно не прицеживаются традиционного образа, изображая ее чересчур сексуальной. Не смотря на свой зловещий образ Кали глубоко уважаема среди индусов, так как является олицетворением матери Вселенной. Началом начал. Ее мощная сила способна не только уничтожать, но и защищать. Считается, что могущественнее Кали божества нет.
Кали - недосягаемая красота, невознагражденная любовь. Кали символизирует вечную жизнь. Вечная жизнь имеет цену. Только то, что является бессмертным, может быть бесконечным, поскольку ничто не может изменить его природы. Смертный и переходный процесс рано или поздно закончится. Чтобы извлечь пользу из вечности, которой является Кали, нужно принести в жертву нашу смертную природу. Поэтому Кали обычному глазу кажется пугающей и разрушительной. Кали - многоликая Богиня, которая руководит жизнью с момента зачатия до смерти. Она символизирует Космическую силу вечного времени. Кали вызывает одновременно любовь и ужас.
©
Индийская богиня смерти, разрушения, страха и ужаса, супруга разрушителя Шивы. Как Кали Ма ("черная мать") она является одним из десяти аспектов жены Шивы,кровожадного и могущественного воина. Внешний вид ее почти всегда устрашающий: смуглая или черная, с длинными всклокоченными волосами, обычно изображается обнаженной или лишь в одном поясе, стоящей на теле Шивы и опирающейся одной ногой на его ногу, а другой - на его грудь. У Кали четыре руки, на руках - похожие на когти ногти. В двух руках она держит меч и отрубленную голову великана, а двумя другими соблазняет тех, кто ей поклоняется. На ней ожерелье из черепов и серьги из трупов. Язык ее высунут, у нее длинные острые клыки. Она забрызгана кровью и напивается допьяна кровью своих жертв.
Одно из самых драматических изображений показывает её сидящей на корточках у тела мёртвого Шивы, поглощающей его пенис своим влагалищем, в то время как ртом поедает его кишечник. Эту сцену надо воспринимать не буквально, а духовно. Считается, что Кали принимает во влагалище семя Шивы, чтобы вновь зачать его в своей вечной утробе. Точно так же она пожирает и уничтожает всё живое вокруг себя, чтобы всё создать заново. На своей шее она носит ожерелье из черепов, на котором выгравированы санскритские буквы, считающиеся священными мантрами, при помощи которых Кали и творила, соединяя Стихии.Кали Ма имеет чёрную кожу и уродливое лицо с клыками, испачканными кровью. Над её бровью расположен третий глаз. Её обнажённое тело украшено гирляндами из младенцем, ожерельями из черепов, змей, голов её сыновей, а пояс сотворён из рук демонов.
С XVIII века в религиозных обрядах бенгальцев Кали начинают почитать как мать-богиню, особенно в низших кастах. Вероятно, это было вызвано желанием удержать в рамках жестокий мир, который не поддавался контролю, особенно для тех, кто принадлежал низшим кастам, и в смертельной разрушительнице начали видеть могущественную защитницу. Или, возможно, это было признанием многочисленных аспектов богини, которая "дает и отбирает".
Богиня смерти Кали призывается мантрами трансцендентальной медитации KIRING, KIRIM
©

@темы: обряды и традиции, поверья и приметы, Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти)

Пишет  Umbra Mortis:
У меня эта реклама вызвала сразу недоумение. Пока я не прочла, что именно они предлагают*) Кстати, опубликована в очень популярном журнале "Stern"

растительный декор могил

@темы: немецкие кладбища, творчество на тему

10:17

цитата

Зрители подсознательно стремятся в объятия смерти. Смерть - упорный любовник, она всегда получает то, чего домогается
Бела Лугоши


@темы: цитаты

Скелет в шкафу у пересмешника

+Наша подборка+



Энциклопедия называет Джеймса Энсора выдающимся художником-символистом, одним из величайших представителей художников авангарда 20 века. Но кроме этих прописных истин мы ничего о нем не узнаем из энциклопедии, а между тем у него была интересная биография, которая, безусловно, отразилась и в его творчестве.
Родился Джеймс Энсор 13 апреля 1860 года, в курортном городке Остенде, на берегу Северного моря. Отсюда до Англии рукой подать. Впрочем, Джеймсу не надо было ездить за море, чтобы познакомиться с жителями Альбиона. Англия присутствовала в его доме – его отец был англичанином, а мать фламандкой. Отец - инженер приехал в Остенде развеяться, познакомился здесь с хозяйкой устричной лавки, где продавались еще и всякие сувениры - восточные безделушки, карнавальные маски, и женился на ней, но вскоре уехал по делам в Америку, потерпел там фиаско, запил и умер по дороге в Европу. Так что Джеймс его почти не знал. Зато к матери был очень привязан, и помогал ей в лавке.
Энсор рано проявил способности к рисованию, он брал уроки у двух художников в Остенде. С 15 лет он пишет на картоне небольшие виды окрестностей города, которые точно передают атмосферу местности. В 1877-1880 Энсор посещал Академию художеств в Брюсселе, где учился в основном у ее директора Яна Порталса, который ввел в бельгийское искусство ориентализм. Поняв, что официальное образование ему не подходит, Энсор внимательно изучал старых мастеров, делал многочисленные наброски с произведений Халса, Рембрандта, Гойи, Калло а также Тёрнера, Домье, Мане. В 1879 году начинается «темный период» его творчества, который продлится приблизительно до 1882. В это время он пишет три небольших автопортрета для которых характерна тревожная острота видения подчеркнутая нарочитой пастозностью.
Бельгийский вариант импрессионизма который придавал больше значения полутонам чем четким цветам смягчает буржуазные интерьеры Остенде. Эта же реалистичность и мастерство исполнения характеризуют и натюрморты Энсора созданные в те годы
В 1882-м осветление палитры сопровождается быстрой эволюцией самого духа творчества художника. Энсор страдающий от посредственности культурной среды своего родного городка находит приют и понимание в Брюсселе у Эрнеста и Марьетт Руссо, которые стали первыми покупателями его картин. Он начинает выставляться хотя и не без трудностей и принимает участие в нескольких выставках. В 1884-м он становится одним из основателей группы «ХХ». На протяжении десяти лет именно это общество задавало ведущий тон в бельгийской художественной и культурной среде. Позднее Энсор утверждал, что независимо от французских традиций, в то время он пытался передать работу света в новой радикальной форме. Он выставлял полотна с пейзажами и интерьерами под названием «impression». Таким образом, он намеренно подчеркивал свою приверженность к новому направлению парижского авангарда. Его чувствительное и тонкое мировоззрение раскрывает, трансформирует и раскрепощает свет, форму и цвет.
Многогранный художник работает то свободно, то сжато, но все его работы свидетельствуют о даре чувственного восприятия. Энсор избегал радостных или сентиментальных сюжетов, поэтому консервативные критики и любители искусства считали работы художника недостаточно содержательными, остроумными или трогательными.
Особое место в тематике его картин занимают маски. Маска появляется в 1879-м году как атрибут карнавала, но наиболее значительные картины на эту тему были созданы в 1887-1891 годах.
Энсор скрылся - как на старом чердаке, за сувенирные маски, которыми торговали в родительской лавке. «Я с радостью спрятался в одиночестве, где миром правит могущественная и сверкающая маска. Маска кричит мне: Свежесть тона, яркая мимика, пышный декор, неуправляемые движения, восхитительная вибрация!». Его картины - как театральный занавес, скрывающий темноту пустой сцены. Художник - скелет в рабочем пиджачке - тщится зарисовать открывшуюся ему бездну, как будто заранее зная о событиях следующего века. Вот он - в центре масочного карнавала, на другой картине - подглядывает за сражающимися скелетами, делящими один труп.
Снова «macabre», можно было бы сказать - только если бы не были эти все образы цитатами из Босха, Гойи, Рембрандта. Энсор бесповоротно скрылся за «восхитительными вибрациями», за масками и чужими высказываниями, он оставил зрителя стоять в недоумении перед чувственной живописью, мало что говорящей рассудку.
В 1887-1890 Энсор пишет религиозные картины, отмеченные смелостью и богатым звучанием тонов, ирреалистической манерой и подвижным пространством.
Картина «Въезд Христа в Брюссель» отвергнутая группой «ХХ» отражает всю суть творчества Энсора, но здесь сатирическая язвительность не сочетается с пленительностью. В картине к религиозному сюжету добавлена тема маски. Полотну предшествовало шесть больших этюдов углем названных «Ореолы Христа или чувствительность света». Картина является развитием третьего «ореола» - «Живой и лучистый вход в Иерусалим». Но художник значительно изменил несколько мистический и символистский эскиз. В некотором роде Энсор здесь сводит счеты с обществом в котором он вынужден жить. Это выражается в форме фламандских «моралите» XVI в. Босха, Брейгеля и маньеристов в которых библейская тема соседствует с социальной сатирой. Хрупкая и миниатюрная фигура Христа похожа на проблеск безмятежности, который уносит огромная волнующаяся толпа. Лица на первом плане похожи на маски и символизируют ложь. Шероховатая фактура и пестрота карнавальных масок позволили художнику расширить выразительные средства живописи диссонансом красок и гротескными преувеличениями. Энсор писал: «Маска дает мне свежесть тонов сверхострую выразительность пышный декор неожиданные широкие жесты хаотичность движений изысканную неугомонность». Лучшие картины Энсора написанные после 1888 продолжают тему въезда Христа.
«Въезд Христа» был исключительным явлением и не нашел последователей в Бельгии. Его отзвуки появились позже у Ван ден Берге. В течение всего этого плодотворного периода Энсор не оставляет занятия пейзажем (виды пляжа и порта Остенде) и натюрмортом, которые он пишет в очень светлых тонах часто используя белую краску. Энсор был и замечательным рисовальщиком и офортистом (первые офорты исполнены в 1886). Офорты тех лет не уступают живописным произведениям художника. Он использовал рембрандтовские линию и эффекты светотени. Его офорты часто повторяют сюжеты его картин, хотя возможно наоборот картины писались на сюжеты гравюр.
Критики относились к нему весьма жестко, постоянно указывая на недостатки его творчества, на что он отвечал: «Недостатки лишены банальности и одинаковости совершенств. Недостатки многообразны - они сама жизнь, в них отражена личность художника, его характер, все заключено в них, они спасут произведение».
После 1900 богатство воображения и твердость руки изменили Энсору. Его творчество укладывается в двадцать лет, но художнику оставалось прожить еще полвека. Лихорадочная работа лишила его возможности восстановить свои силы; отныне он «систематически занимается автоплагиатом». Он живет в Остенде окруженный поздно пришедшим уважением, ценности которого он не переоценивает. Часами он играет на пианино, и задолго до своей смерти он оставляет живопись.
В конце жизни художник превратился в национального героя, доказавшего, что в Бельгии есть своя живопись. В 1903-м он был произведен в рыцари ордена Леопольда, а в 1930-м бельгийский король Альбер даровал ему титул барона.
Умер Энсор в 1949 году. После смерти художника в Остенде открыли его музей, возникла даже Ассоциация друзей Джеймса Энсора. Духовное родство с ним, играющим историей литературы, искусства и религии, в большей или меньшей мере обнаруживают сегодня все художники независимо от того, посвятили они себя живописи, видео, фото, скульптуре или инсталляции. Насмешки над всем и вся - даже над религией - стали нормой для европейской культуры.
Еще несколько лет назад Джеймс Энсор был известен всем поголовно бельгийцам и гостям их страны: его автопортрет был вытиснен на стофранковой купюре. Безличное евро, конечно, подточило авторитет этого имени, но все же не настолько, чтобы об Энсоре забыли. Забыть трудно: от него во многом идет отсчет собственно бельгийского искусства, что для страны, ведущей историю своей государственности всего-то с 1830 года, чрезвычайно важно.

@темы: Изобразительное искусство


Simon Marsden родился и вырос в Англии, и, как я поняла, в каком-то поместье или что-то вроде того (поскольку он Sir Simon Neville Llewelyn Marsden, 4th Baronet, то вполне возможно). У его папы была обширная библиотека на оккультную тематику, и длинными зимними вечерами он читал детям рассказы о привидениях. Мальчик очень увлёкся этой темой, и с десяти лет стал взахлёб читать По и прочих, но По навечно занял самое почётное место. Еще можно упомянуть, что папа его был настоящим франкофилом... Потом Саймон уехал учиться в Париж, Сорбонну, и благодаря этому объездил не только все haunted уголки Англии - руины, церкви, поместья, замки, кладбища и т.п., но и Франции. Идея связать свои фотографии с творчеством По поначалу казалась ему странной, ведь По - признанный гений, а его ассоциации с произведениями По всё же индивидуальны. Но начав работать над этим, он с удивлением обнаружил, что у них с Эдгаром не так уж мало общего в, скажем так, видении мира сквозь эту специфическую призму мистического, и многие фотографии уже лежат и дожидаются своего часа. Вот и получилась книга Visions of Poe - сборник иллюстраций - фотографий Саймона - к произведениям По. Конечно, фотографировал он не только в Англии, Шотландии, Ирландии и Франции, но и в Америке, Румынии, Бельгии, Германии, Италии... Италию, а именно - Венецию - стоит выделить отдельно. Она в цвете и несколько выбивается за рамки тематики, фотографий очень много и они замечательные...
Темы фотографий, как уже можно было догадаться - cadavers and sculls, haunted houses, mystical landscapes, romantic ruins, gothic graveyards, secret gardens, fantastic follies, crumbling castles, grotesque gargoyles, moonlit abbeys and many more.
В октябре прошлого года вышел альбом U2 - The Unforgettable Fire, и они тоже использовали фотографию Мардсена для обложки: >

Книги:
In Ruins - The Once Great Houses of Ireland 1980
The Haunted Realm - Echoes from Beyond the Tomb 1986
Phantoms of the Isles - Further Tales from The Haunted Realm
Visions of Poe - A Personal Selection of Edgar Allan Poe's Stories and Poems 1988
The Journal of a Ghosthunter - In Search of the Undead from Ireland to Transylvania 1994
Beyond the Wall - The Lost World of East Germany 1999
Venice - City of Haunting Dreams 2001
The Twilight Hour - Celtic Visions from the Past 2002
This Spectred Isle - A Journey Through Haunted England 2005
Ghosthunter - A Journey through Haunted France 2006
Memento Mori - Churches and Churchyards of England 2007

Официальный сайт, на сайте же есть ссылка на галерею.



Для ленивых - замечательное слайдшоу и ещё одно слайдшоу.



Для наших читателей мы подготовили небольшой подарок. БОльшая часть благодарностей должна уйти  Innes, которая и предоставила сканы предпоследнего альбома сэра Марсдена.
"Vampires: The Twilight World" - это путешествие по местам проживания самых знаменитых вампиров в истории.



"Сэр Марсден в творчестве предпочитает нейтральные черно-белые тона, временами строгие, временами - чарующе мягкие. Поэт руин, он из развалин, по которым лазают деревенские ребятишки, сделает легенду о замке с призраками или грустную волшебную сказку о спящей красавице. В его картинах даже в солнечный день стелется туман, а по ночам всегда светит полная луна. А все потому, что с детства юный джентльмен он был погружен в мрачную и таинственную обстановку. Долгими вечерами, когда дети собирались у камина, отец часто им рассказывал истории о привидениях, а внушительная коллекция оккультных книг усиливала впечатление от рассказов. Конечно, в большом особняке жили фамильном призраки, а один из них обитал именно в той комнате, где спал маленький сэр Саймон. Сэр Марсден-старший сам был фотографом и увлек фотографией сына еще в раннем возрасте. Конечно, темой творчества молодого человека стали столь близкие сердцу готические сюжеты: развалины замков, монастыри и кладбища. Особенное внимание он уделяет местам, которые посещают привидения. И он запечатлевает подобные достопримечательности не только на туманном Альбионе, но и в Германии, Франции, Америке и даже в России..." (с) Мадам Дятлова

@темы: Vampires, Библиотека Вампира с Хайгейта, клипы/ролики/передачи, Haunted, мумии

читать дальше
©

@темы: Тени смерти, нотки вечности (музыкальные полотна)

00:16

Vanitas







Ванитас (лат. vanitas, букв. — «суета, тщеславие») — жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
Термин восходит к библейскому стиху (Еккл.1:2) Vanitas vanitatum omnia vanitas («Суета сует, сказал Екклесиаст, суета сует, — всё суета!»).
В натюрморте Vanitas из швейцарского собрания, созданном П. Класом (1597 - 1661) в 1630-1640 на каменном парапете вырезаны строки: "Стакан опустел. Время прошло. Свеча сгорела. Человек онемел."

Символика
список
***
Оптика/ История одной картины
***
Календарь “Skeleton Sketches”

+Альбом+

Текст взят у Музея мировой погребальной культуры
Chemical Company в Сент-Луисе, Миссури, за период 1897-1901 выпустила несколько календарей, иллюстрированных эскизами скелетов “Skeleton Sketches”, которые нарисовал врач - Луис Крусиус.
Доктор Крусиус (1862-1898) - был сыном немецкого издателя газеты в штате Висконсин.
Затем переехал в Техас, чтобы работать с дядей в аптеке.
Он получил диплом врача в 1890 году, затем стал преподавателем медицинского колледжа и, в конце концов, стал профессором гистологии.
Его медицинские карикатуры первоначально были созданы, как плакаты-витрины в аптеке, затем он стал продавать их для рекламы. Календари со скелетами, вышли самым ограниченным тиражом, под покровительством химической компании «Antikamnia», которая, в свою очередь, высылала их заслуженным врачам штата Миссури (а может и не только Миссури).
Рисовал он эти календари незадолго до своей скоропостижной смерти, и многие из них вышли после его кончины.

@темы: Vanitas, Оссуарии, кости, черепа, скелеты, Изобразительное искусство

©автор
Édouard Chimot, La Mort, 1921

Считается, что такой интерес к этому сюжету появился в конце XV века с наступлением Ренессанса, завоевав популярность прежде всего в Германии. Однако, можно вспомнить древнегреческую мифологию, где молодая и красивая дева Персефона (P e r s e j o n h) была богиней царства мертвых. Так вот, эмоции у девы на всех написанных до наших дней полотнах от встречи со смертью были самые разнообразные - от ужаса до откровенного заигрывания... Кстати, немного ранее появления этого захватывающего образа в искусстве был популярен мотив "Пляска смерти", где нередко Смерть танцевала с привлекательной женщиной. И вдруг танец сменился чувственным взаимодействием, в котором со временем стало всё больше эротизма.
Альбрехт Дюрер и его гравюры "Герб Смерти" (1503):

С течением времени популярность мотива "Смерть и дева" не угасла, но наоборот выросла и за пределами германских земель. В XIX веке можно обнаружить множество работ французских художников.
"Итак, в мотиве "Смерть и дева" мы видим взаимосвязь Эроса и Танатоса; женщину, обладающую способностью открывать переход между мирами, вместе с проводником в иной мир. Если же принять за истину, что этот мотив имеет основание в мифологическом сюжете похищения девушки хтоническим зверем, то важным становится ещё и факт девственности женского персонажа, а к интерпретации добавляется намёк на инициатический переход, совершаемый девушкой при достижении полового созревания, при получении способности открывать врата в иной мир. В этом случае смерть не окончательна, за путешествием в подземное царство следует возрождение в новом качестве."
Очень интересные рисунки есть и на этом сайте

Мотив "Смерть и дева" в изобразительном искусстве появился в конце XV века с наступлением Ренессанса, завоевав популярность прежде всего в Германии. Речь идёт об изображении молодой красивой женщины, встретившейся с персонифицированной Смертью. Реакция женщины варьируется от ужаса до соблазняющего заигрывания. Нетрудно догадаться, что ранее, во времена Средневековья, такой сюжет, как правило содержащий элементы эротики, вряд ли мог получить признание - этого бы не допустила машина Церкви. Начиная с начала XVI века до настоящего времени создано бесчисленное количество работ, так или иначе использующих этот мотив.
Считается, что мотив "Смерть и дева" произошёл от другого популярного сюжета "пляска Смерти". В этом сюжете нередко Смерть танцевала с привлекательной женщиной. Также на полотне Смерти удавалось встретиться с женщиной в сюжете "три возраста и Смерть". Но ни в том, ни в другом случае изображение не содержало и следа эротики. И вдруг танец сменился чувственным взаимодействием, в котором со временем стало всё больше эротизма.
Также в отличие от "пляски Смерти" картины на сюжет "Смерть и дева" не содержали никакой подписи, поясняющей изображение. Это сделало их менее дидактичными, хотя за ними и сохранилась определённая мораль - жизнь недолговечна, словно женская красота.


-Галерея у нас-

Ангелы Смерти — ангелы, которым Бог поручил уничтожение людей, до прихода Царствия Божия.
Абаддон и Азраил — типичный пример подобных ангелов, хотя и представляющий более позднюю концепцию. Кроме того, множественные упоминания Ангелов Смерти присутствуют во всем тексте Ветхого Завета.
В христианстве ангелом смерти иногда называют архангела Гавриила, так как он, по преданию, передал Деве Марии весть о её смерти за несколько дней до неё.


@темы: Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти), Изобразительное искусство


Джорджия О'Кифф, обладавшая обычной для американских пионеров жизненной энергией и благодаря этому прожившая почти до ста лет, была одной из самых своеобразных художниц Америки. Нравился ли кому ее взгляд на веши или нет, но он был всегда оригинальным.Она однажды сказала: «Я поняла, что могу рассказать о вещах с помощью формы и цвета так, как не смогла бы это сделать другим способом».
читать дальше


www.okeeffemuseum.org/

@темы: Изобразительное искусство

Весёлый Роджер - пиратский чёрный флаг с черепом и костями .

Википедия рассказывает:
По одной из версий, «Весёлый Роджер» происходит от французского «Joyeux Rouge» (красивый красный флаг). Это был флаг кроваво-красного цвета, поднимавшийся пиратами и означавший, что он собирается убить всех, кто окажется на борту корабля, который они атакуют. Каперы и корсары, которые были обязаны поднимать государственные флаги, во время атаки использовали чёрный сигнальный флаг, который означал предъявление ультиматума. Если противник не сдавался, корсары поднимали красный флаг. Позже англичане переделали «Rouge» в более привычное для них слово «Roger», а «Joyeux» в «Jolly», т.е. «Весёлый».
Не менее правдоподобной выглядит иная версия. Во время эпидемии чумы, холеры или иной смертельной болезни, а также при угрозе бунта, на кораблях поднимали специальный флаг - две диагональные белые полосы на черном фоне. Это был знак другим кораблям держаться подальше, и пираты нередко использовали его, чтобы избежать нападения со стороны мощных военных кораблей. Со временем белые полосы трансформировались в скрещенные кости.
Третья версия возникновения Веселого Рождера связана с тамильскими пиратами. Они промышляли в водах Индийского и Тихого океанов и называли сами себя «Али раджа» - властители моря. Это словосочетание также созвучно английскому «Jolly Roger».
Четвёртая версия гласит, что пиратский флаг получил свое название от словосочетания «Old Roger», которое было одним из имен дьявола. В дальнейшем слово «Оld» могло превратиться в «Jolly».
По пятой версии это название произошло от имени короля Роджера II Сицилийского (22 декабря 1095 – 26 февраля 1154), который прославился многочисленными победами на суше и на море. Флаг Роджера II Сицилийского представлял из себя изображение двух скрещеных костей на красном фоне.
У разных пиратов свои «Весёлые Роджеры», хотя чаще всего пираты просто поднимали флаги тех стран, которым симпатизировали или наличие которых было уместно в данной ситуации. Например, атакуя «испанца» пираты могли поднять морской флаг Англии, а чтобы уклониться от дотошных английских боевых судов можно было поднять флаг Нидерландов (Голландия в отличие от Испании тех лет не воевала с Англией).
1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.
1. Реконструкция
2. Флаг Генри Айвери
3. Флаг Эдварда Инглэнда
4. Флаг Эмануэля Уайнна
5. Флаг Чёрной Бороды
6. Флаг Стида Боннета
7. Флаг Калико Джека
8. Флаг Кристофера Муди

Рассказ с пиратского форума:
Существует масса легенд о возникновении традиции поднимать на пиратских кораблях «Веселого Роджера». Самый популярный из них – это версия о том, что черный флаг над кораблем поднимали в случае эпидемии чумы или другой смертельно опасной болезни. Действительно, пиратство во многом похоже на неизлечимую болезнь и для этой версии есть определенное основание. Флаг, обозначающий болезнь представлял из себя белый крест на черном фоне, который в последствии превратился в скрещенные кости. первое время этот флаг использовался пиратами чтобы держать любопытных и более сильных противников на расстоянии. Затем это стало традицией. Следует учесть, что каперы и корсары были обязаны поднимать флаг той страны, на службе которой они состояли. Нередко вместе с государственным флагом поднимался черный флаг как знак атакованному кораблю о предъявлении ультиматума. Когда время размышления истекало, в дополнение к черному поднимали красный флаг, означающий требование немедленно остановиться и сдаться. Красный флаг также сигнализировал о том, что в случае сопротивления не стоит рассчитывать на пощаду со стороны нападавших. Возможно, что название красного флага joli rouge– красный флаг в последствии трансформировалось в созвучное английское jolly roger– веселый Роджер. Таким образом первоначально пиратский флаг мог быть и красного цвета. Но не зависимо от цвета он стал «веселым Роджером». Существует также и другая версия возникновения пиратского флага. Тамильские пираты, промышлявшие в Индийском и Тихом океанах, поднимали на мачтах красный флаг и называли себя «Али раджа», что означает властители моря. Это словосочетание также созвучно английскому «Джали Роджерс». По крайней мере знаменитый пират Черный Барт Робертс знал о существовании азиатских пиратов и мог заимствовать их расцветку и название флага. Череп и скрещенные кости использовались с начала 17 века в качестве символа на многих полковых знаменах Европы. Таким образом к моменту наступления Золотого Века пиратства символика эта была широко известна и распространена. Традиционно кости размещались под черепом, однако первые версии пиратской символики включали в себя также полное изображение скелета, держащего стеклянные часы и копье, пронзающее сердце. Именно так выглядел флаг пирата Джона Куэлча, в дальнейшем повзаимствованный знаменитым Блэкбердом. Флаг был важной частью морской жизни. Пираты поднимали собственный национальный флаг, чтобы привлечь союзников или отпугнуть врагов. Сообщения между судами также передавались при помощи флагов, для чего на мачтах применялось специальное сигнальное устройство. Пираты также иногда поднимали национальный флаг, чтобы безболезненно приблизиться к своей жертве. Когда расстояние между кораблями становилось удобным для атаки, они снимали фальшивый флаг и бросались на абордаж.
Многие пираты имели собственные флаги, чтобы подчеркнуть собственную индивидуальность.
©
«Весёлый Роджер»


@темы: обряды и традиции, поверья и приметы, Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти), Оссуарии, кости, черепа, скелеты

La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
И когда Он снял четвертую печать, я слышал голос четвертого животного, говорящий: иди и смотри. И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нем всадник, которому имя «смерть»; и ад следовал за ним; и дана ему власть над четвертою частью земли — умерщвлять мечом и голодом, и мором и зверями земными.
— Откровение 6:7-8


Четвертый и последний всадник именуется Смертью. Среди всех всадников, этот — единственный, чье имя присутствует непосредственно в тексте. Тем не менее, его называют и по-другому: «Чума», «Мор», основываясь на различных переводах Библии (например Иерусалимская библия). Так же, в отличии от остальных всадников, не описывается, несет ли последний всадник какой-либо предмет в руке. Зато за ним следует ад. Однако, на иллюстрациях его часто изображают, несущим в руках косу, или меч.
Цвет лошади последнего всадника описан как khlôros (χλωρóς ) в Койне, что переводится как «бледный», однако возможны переводы и как «пепельный», «бледно-зеленый» и «изжелта зеленый».Этот цвет олицетворяет бледность трупа.Под этот цвет могут так же подходить и другие реальные масти, как мышастая, пегая.
В некоторых переводах значится не дана ему власть, а дана им власть, что можно интерпретировать двояко: либо дана им — это Смерти и Аду, или же это может подводить итог под предназначением всех всадников; ученые здесь расходятся во мнениях.

Четвертый всадник, изображенный в Бамбергском Апокалипсисе (1000—1020)
Религиозная трактовка ⇒
Кто бы мог предположить, что под бледным конем и всадником – смертью имеется в виду знак зодиака Дева? Ведь Дева как женщина должна давать жизнь, а не отнимать ее. В чем здесь дело? Объяснение этому странному обстоятельству дает изображение знака зодиака Дева из древнеегипетского храма в Дендерах. На нем Дева была не одна! Она действительно давала жизнь, что находило свое символическое выражение в сияющем колосе с зернами, который она держала в левой руке. Но за ней следовал египетский бог царства мертвых Анубис с головой шакала или собаки. Тайна бога Анубиса заключена в созвездии Малого Пса, где главной звездой является Процион. Ее в египетской религии представляла богиня Нефтида. И в созвездии Большого Пса, где главной звездой является Сириус. Ее представляла богиня Исида. Анубис отнимал жизнь у тех, кому Дева ее давала! Дева и Анубис, жизнь и смерть… Они рядом! Становится понятным, что всадником, за которым следовал ад, и был Анубис. В эпоху Девы (12790 – 14950 г. нашей эры) он принесет Земле голод, войны, болезни и смерть. Но вот почему конь имеет бледный цвет? И кто в действительности скрывается под именем Анубиса в созвездии Девы? Ответы на эти вопросы может дать сам Анубис. А также Сириус и Процион, являющиеся главными звездами Большого и Малого Пса. По древнеегипетским мифам, Исида (Сириус) и Нефтида (Процион) были сестрами. Они были так похожи друг на друга, что однажды муж Исиды бог Осирис (огромное созвездие Ориона) принял Нефтиду за свою жену. В результате у нее родился сын с головой шакала (собаки). Богиня Исида взяла его себе и назвала Анубисом. Когда Осирис стал царем мира мертвых (это было во времена, когда Орион не поднимался в ночное время над горизонтом), Анубис помогал ему вершить праведный суд, определяя степень вины умерших по весу их души. Но почему на изображении знака зодиака Девы он показан рядом с ней? Почему у Анубиса черная голова? Что он мог тем самым символизировать? Нужную нам подсказку мы найдем в одинаковом устройстве Сириуса (Исиды) из созвездия Большого Пса и Проциона (Нефтиды) из созвездия Малого Пса! И это подтверждено не только мифологией Древнего Египта (Исида и Нефтида – очень похожие друг на друга сестры), но и астрономическими наблюдениями!
Астрономическая расшифровка ⇒
Бледен ли тот конь?
Анри Волохонский
Из книги "Бытие и Апокалипсис"

©
Здесь обсуждается вопрос о масти коня Четвертого Всадника из Откровения святого Иоанна:
"И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нем всадник, которому имя смерть; и ад следовал за ним" (Откр. 6,8). Это же название конской масти (бледная) обнаруживается во всех переводах греческого текста на другие языки. Образ страшного всадника на бледном коне широко использовался поэтами и художниками. Некоторые изображали скелет с косой вверхом на тощей бледной кляче. Даже богословы извлекали из этой масти множество глубоких следствий о природе смерти, о полупрозрачности видимого ее тела, о бледном сиянии костей и прочее.
Тем не менее возникает вопрос: действительно ли этот конь бледен? Ведь бледная масть выглядит здесь во всяком случае странновато.
Обратимся к греческому тексту. На месте "бледного" здесь стоит "хлорос" (The Interlinear Greek-English New Testament, 1958, Bagster and Sons, p.974). Основное значение этого слова - "зеленый". Но верховой, гарцующий на зеленом жеребце, - создание причудливое, если даже не смешное. Рационализируя священный текст, переводчики выбирают не столь выразительный смысл, а именно "бледно-зеленый" или попросту "бледный", то есть все-таки цвет, и такой вариант всеми принят. Но верно ли это? Обозначает ли здесь цвет слово "хлорос"?Ближе всего апокалиптическую сцену с всадниками напоминает видение пророка Захарии (Зах. 6,2 - The NIV Interlinear Hebrew-English Old Testament, Zondervan, V.4, pp.568-569): "В первой колеснице кони рыжие, а во второй колеснице кони вороные; в третьей колеснице кони белые, а в четвертой колеснице кони пегие, сильные". На древнееврейском языке в четвертой колеснице "кони брудим амуцим". Употреблены два эпитета, один для конской масти и другой для скаковых качеств. В тексте объясняется, что эти кони суть "четыре духа небесных", то есть ветры четырех направлений, которые стоят "пред Господом всей земли".Три масти коней - белая, рыжая и черная - совпадают в книге пророка Захарии и Откровении св. Иоанна (Откр. 6, 2-8).Четвертый эпитет - "хлорос" в Откровении и "брудим амуцим" у Захарии. Однако слово "хлорос" может означать не только цвет. Оно может относиться к таким свойствам как сила, энергия, крепость и, в применении к коням, значить также резвый, ретивый. В этом смысле оно совпадает со значением еврейского слова "амуцим" (сильные), а не "брудим" (пегие). Это последнее слово(брудим) по-видимому было утрачено, когда терминология пророка Захарии приспосабливалась к событиям Откровения.
С этой небольшой поправкой свойств коня Четвертого Всадника фрагмент апокалиптического видения может быть описан следующим образом: С книги в руках Бога снимается первая печать и появляется первый ангел с луком в руках верхом на белом коне. Его конь это восточный ветер. После снятия второй и третьей печати появляются ангелы - второй с мечом и третий с мерой. Второй ангел - на рыжем коне (западный ветер), а третий - на вороном коне (ветер с севера). Затем снимается четвертая печать и появляется четвертый ангел по имени Смерть или, лучше сказать, Мор. Он скачет на пегом ретивом (хлорос) коне в южном направлении. Его конь - ветер с юга. Эти четыре ангела получают "власть над четвертой частью земли", то есть каждый из четырех ангелов над одной четвертой частью, "умерщвлять мечом (второй ангел) и голодом (третий ангел), и мором (четвертый ангел) и зверями земными" (там же, 6,8).
Не следует представлять себе Четвертого Всадника в средневековом или возрожденческом стиле в виде скелета. Он выглядит скорее как бедуин в черных одеждах, на пегом коне, и его оружие - вероятно, копье.
***
Символика и мифы
1. Васнецов
2. Блейк
3. Тернер
1. 2. 3.

Moby "Pale horses"
Валерий Брюсов
Конь Блед

URL записи

@темы: обряды и традиции, Прогулки с Бароном (Мифологические образы Смерти), Изобразительное искусство

Фарфоровая скульптура Кейт Макдауэлл






©

оф.сайт

@темы: творчество на тему

La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
Пишет  Kein van Kraft:
с ЖЖ: Кладбище Невинных
"Что-то у меня настроение на похоронную эстетику, да. Нервным можно дальше не читать. Но ведь все, нервные и нет, помнят, что для Парижа кладбище des Innocents -- Невинных мучеников, или Невинноубиенных младенцев, или как вообще угодно переводить, а угодно было всячески -- было прямо-таки одним из ключевых мест.
Самое старое и самое знаменитое кладбище Парижа было основано еще при Меровингах -- во всяком случае, в 1970-х там обнаружили некрополь того времени, разрушенный, судя по всему, в 9-м веке, при набеге норманнов. Так или иначе, к 12-му веку -- когда Людовик VI перенес в эти окрестности рынок -- там были и церковь, и кладбище, главным образом предназначавшиеся для прихожан Сен-Жермен-л'Оксерруа. Наличие же рынка, со всей сопутствующей грязью, животными и прочим непотребством, окончательно решило незавидную репутацию кладбища вплоть до самого его конца.
Находилось оно вот тут:

читать дальше
оригинал: silhiriel.livejournal.com/303353.html

Еще.

***
-Анн Голон, Серж Голон "Путь в Версаль"-

@темы: древние захоронения, исчезнувшие кладбища, Некрополи Парижа, французские кладбища, Ваши пальцы пахнут ладаном (поэзия, отрывки из романов, рассказы)

"I call it art, you can call it whatever you want."
Sarina Brewer

Крипто-таксидермия (криптос (греч.) "тайный", "скрытый") так же обозначаемый как Crypto-Taxidermy или Rogue Taxidermy.
Историю самой таксидермии я рассказывать не стану, однако напомню, цель классической таксидермии - запечатлеть животное "как живое" и настоящее, в основном в качестве трофеев. Что собственно и отличает классическую от крипто. Задачей мастера становится не увековечивание того, что было, а созданием несуществующих животных, как мифических (например грифон, виверна, русалка), так и совершенно новых, чей внешний вид ограничен лишь фантазией автора. Есть ещё одно необычное направление - Антропоморфная таксидермия. Это изображение животных в естественной человеческой среде и/или одежде.


Самый известный таксидермист неформального толка - это Sarina Brewer (facebook.com).
Художник и натуралист Sarina Brewer занимается изучением млекопитающих,изготовлением чучел и мумий,коллекционирует органы и кости животных. А в свободное время занимается хулиганством: создает тварей,которых рождает ее фантазия.



Джессика Джослин собирает скелеты животных, и дополняет их декором, порой заменяя даже значительные фрагменты их тел. В детстве подбирала мух с подоконника и рассматривала их под микроскопом. Позже начала собирать кости птиц и всевозможные останки живой природы.
" Я росла в Бостоне, точнее, я росла, бродя в волшебных залах Музея естествознания Гарвардского университета. Скелеты жирафа, антилопы, обезьян, лемуров, и землероек , множество чучел экзотических животных и разноцветных тропических птиц были выставлены в красивых старинных деревянных витринах, с крошечными гравированными медными дощечками и необычным оборудованием . Я была очарована странной красотой всего этого…
Дома у нас также был своего рода кабинет чудес. Всякий раз с экскурсий или прогулок по берегу мы приносили перья, раковины, рыбьи кости и черепа мелких животных , чтобы добавить к семейной коллекции. В 1992г. когда я начала делать первых животных своего зверинца, я использовала эти вещи, заботливо сохранённые моим папой."


еще скелетиков

Еlizabeth МcGrath - не таксидермист, в ее творчестве есть лишь нотки сего ремесла.
Элизабет порождает кошмары похлеще Бартоновских: ее зверушки, которые живут на стыке таксидермических опытов и упражнений в бондаже, завораживают и отталкивают одновременно. Зато продаются в самом «сердце» гламура – на Голливудском бульваре в Лос-Анджелесе, и явно испытывают на себе влияние голливудских же веяний. И имеют за своими лаковыми плечами длинный, из нескольких десятков наименований, список выставочных проектов и показов, ближайший из которых – персональная выставка в Billy Shire Fine Arts gallery (Лос-Анджелес) в апреле 2007 г. Для европейских почитателей МакГрат, работы кукольного мастера выставляются (и продаются) в одном из бутиков Парижа
Художница Элизабет Макгрет (Elizabeth McGrath) всегда любила находить странную красоту в гротескности нашей жизни, а затем отображать ее в своих работах. Вдохновленная отношениями между миром природы и человеческой культурой потребления, она воплощает в скульптуре этот диалог и создает совершенно новых существ, которых вытягивает на свет «из темных городских закоулков и из собственного воображения».
Элизабет Макгрет работает в основном в жанре скульптуры и анимации. Ее работы всегда пробуждают в памяти воспоминания о самой темной стороне жизни – благодаря этому Элизабет получила прозвище Bloodbath (кровавая баня). Ее скульптуры на самом деле странные: разрезанная напополам свинья, олень с линиями электропередач между рогами, двухголовая овца… Они вызывают смешанное чувство осознания ненормальности происходящего и в то же время желания изучить эти работы до мелочей, рассмотреть их до малейшей детали.
Как отмечается на сайте Элизабет, в ее творчестве можно усмотреть влияние католицизма, азиатской, уличной, готической культур, тематических парков и многого другого. Она смешивает все это между собой и создает свое собственное окружение, в котором придумывает драмы и пишет сценарии, рассказывающие о ее собственных взаимоотношениях с внешним миром.
Элизабет Макгрет родилась в Голливуде, Калифорния. В рамках своей творческой карьеры она также занимается пением: вначале это была панк-группа Tongue, а в настоящее время Элизабет – солистка коллектива Miss Derringer.
(с)

Скотт Бибус - самый жесткий представитель жанра.



@темы: творчество на тему, Жизнь тела после смерти, Оссуарии, кости, черепа, скелеты, мумии

Посмертные маски были широко распространены в древнем мире. Первые известные посмертные маски датируются XVI веком до нашей эры. Маски усопших являли собой важную часть похоронных обрядов и религиозных верований. Ими покрывали лица умерших, чтобы защитить их души от злых духов потустороннего мира. В новое время, как и в 20 веке, было принято создавать посмертные маски известных личностей своего времени. Так, до нас дошли маски таких значимых для истории и всемирной культуры людей, как Эммануил Кант, Данте Алигьери, Йохан Вольфганг Гёте, Наполеон Бонапарт, Блез Паскаль, Иосиф В. Сталин, Александр Блок, Вальтер Скотт, Анна Ахматова, Владимир Высоцкий и многих других.
читать дальше
Виртуальный музей в Киеве -- www.deathmask.kiev.ua/
Посмертные маски известных людей -- library.princeton.edu/libraries/firestone/rbsc/...
Мария Стюарт: посмертный образ -- www.maria-stuart.ru/content/legacy/mary-stuart-...

@темы: обряды и традиции, атрибуты погребения и похорон

La douleur passe, la beauté reste (с) Pierre-Auguste Renoir
В XIV веке совершается переход от изображений мертвых и их диалога с живыми ("Пляска смерти") к изображениям самой Смерти, Смерти-Властителя, Смерти-Триумфатора...
Vojen Wilhelm Cech-Colini (р. 1924)



Экскурс
**
Ссылки:
1. Статья


Иллюстрации к "Триумфам" Петрарки


1.
2.
В двух украшенных миниатюрами рукописях «Триумфов» Петрарки и в двух циклах гравюр на ту же тему колесница Смерти окружена жестикулирующими демонами, хватающими осужденных, и ангелами, уносящими избранных. В другой иллюстрированной рукописи кони, везущие мрачную колесницу, падают, сраженные молнией, оказавшись — на рисунке, посвященном «Триумфу Божества»,— перед воскресшим Христом.
На картине, написанной в 1488-1490 годах Лоренцо Костой для церкви Сан-Джакомо в Болонье, над колесницей Смерти изображено огромное Богоявление: Бог-Отец восседает на троне между Марией и Христом, окруженный концентрическими эллипсами ангелов и святых. Прямо над косой Смерти обнаженный ребенок, несомый двумя ангелами, символизирует душу, отлетающую после кончины. Маро в «Плаче по мессиру Флоримону Роберте» соединяет чисто христианское нравоучение с итальянизированным триумфом Смерти.
И всё-таки все остальные изображения триумфа Смерти, созданные в духе Петрарки, кажутся совершенно светскими. Если бы не неизменные белые кресты, вышитые на черной материи, неосведомленный зритель никогда бы не догадался, что речь идет о христианской иконографической традиции.

***

Питер Брейгель-старший (ок. 1525—1569). Триумф Смерти (1562)
-Разбор-
Ян Брейгель-старший (1568-1625). Триумф Смерти (1597)

***
Ренессансная интерпретация мифа о быке - символе смерти
Миф в культуре Возрождения. - М.: Наука, 2003, с. 185-189
К. Леви-Строс и его сторонники видят в мифах древних народов удобный материал для изучения структуры человеческого мышления. Варианты и истолкования мифа не искажают, а только развивают и дополняют заложенную в нем структуру. При переходе от версии к версии, от интерпретации к интерпретации, которые оказываются метафорами предыдущего этапа, сохраняется и тем самым обнажается общая "арматура". Присоединяясь к этому выводу, заметим, что каждый миф дает нам конкретный образ, который затем часто становится символом. На наш взгляд, во многих мифах о Быке, религиозно-историческая роль которого была в высшей степени значительна, что выразилось в различных культах животного, выделяется главное - отношение к смерти как индикатору характера цивилизации, как одному из коренных параметров коллективного сознания.
В XIV-XVI вв. зловещие "пляски смерти" свидетельствовали не о возвращении к средневековому осуждению человеческой плоти, но, напротив, о продолжающемся процессе ее реабилитации, представая не символами зла, но своего рода модификациями Природы и материи. Чисто природное, близкое животному могло быть необузданным и жестоким, как, например, в фарсовых побоищах карнавальных представлений или позднее в прозе Рабле, но зрелище этой жестокости лишь подчеркивало от противного суверенную мощь следующего "лучшей Природе" человеческого разума, эту неуемность обуздывающего.
Ритуал "выноса смерти" (чучела) и поношение его или уничтожение, возрожденный в XIV в., связан с древним ритуалом проводов зимы, изгнанием смерти, защитой человеческой жизни, заботой об урожае. Гуманистические образные структуры ренессансной культуры зримо "скругляли" путь их формирования, вновь и вновь заворачивая его в круг посюстороннего космоса с его динамикой "вечного возвращения". Природа фактически идентифицировалась с идеей смертности - и здесь антагонизм средневекового и ренессансного сознания проступал с особой, бескомпромиссной остротой.
Описание Петраркой в "Триумфах" колесницы Смерти с запряженными в нее быками и упоминание Персефоны - один из примеров ренессансной интерпретации символа смерти, Быка, в котором языческая богиня с приносимыми ей в жертву на празднике плодородия черными быками представлена на фоне идеальной любви и обожествления прекрасной Лауры. Общечеловеческая значимость темы смерти, являющейся составной частью более общей проблемы ментальностей, социально-психологических установок способов восприятия мира повлияла на изменение иконографии многих символических образов, входящих в религиозные сюжеты. По выражению Я. Буркхардта, развитию индивидуальности в эпоху Ренессанса соответствовало и новое внешнее выражение ценности "Славы" в ее современном понимании.
читать дальше
©

@темы: обряды и традиции, гравюры, поверья и приметы, Триумф Смерти, Изобразительное искусство

1. Museum of Funeral Customs



Музей похоронных обычаев представляет историю американских похоронных и траурных обычаев, погребального искусства и профессии гробовщика.
The Museum of Funeral Customs is located at 1440 Monument Ave. in Springfield, Illinois, USA. It features exhibits dealing with American funerary and mourning customs. The museum is near Oak Ridge Cemetery, the site of Abraham Lincoln's tomb.Collections at the museum include a re-created 1920s embalming room; coffins and funeral paraphernalia from various cultures and times; examples of post-mortem photography; and a scale model of Lincoln's funeral train.
The museum hosts tours and special events, and provides resources to scholars who are researching funeral customs. A gift shop provides books and funeral-related gifts, including coffin-shaped keychains and chocolates.
The museum was closed for the winter but is scheduled to re-open on April 1.

К сожалению, музей был закрыт в начале 2009 года.


2. Museum of Death in Hollywood


Для большинства людей Голливуд ассоциируется с киноиндустрией, которая представлена не только съемочными площадками, но и множеством культурных объектов, прямо или косвенно связанных с кино. Одним из них является Музей Смерти (Museum of Death), который по достоинству оценят любители острых ощущений.
Действует эта необычная выставка с 1995 года. Первым местом ее расположения был выбран 1-ый морг Сан-Диего, в котором была размещена художественная галерея Риты Дин (Rita Dean). Впоследствии в помещении галереи супружеская пара JD Healy и Cathee Shultz основали выставку, целиком посвященную смерти. Здесь проходили экспозиции художественных творений серийных убийц, различного экзотического оружия, а также демонстрации разнообразных способов умерщвления. Музей быстро набрал популярность, но был вынужден несколько раз менять свой адрес. Последним его пристанищем и стал бульвар Голливуд в Лос-Анджелесе.
Войдя в музей, посетители могут увидеть автопортреты серийного убийцы Джона Вейна Гейси, известного как клоун Пого, ознакомиться с письмами и произведениями искусства от серийных убийц Ричарда «Ночного охотника», Дугласа Грецлера, Рамиреса и Лоуренса Биттейкеров, а также узнать некоторые подробности о куклах, созданных Чарльзом Мэнсоном и каннибалом Джеффри Дамером.
Отдельный интерес представляет экспозиция, посвященная культу Храма народов, который был основан в 1950 году Джимом Джонсом. В 1970 году по его приказу покончили жизнь самоубийством, выпив яд, свыше 900 членов этого культа. Случилось это в Джонстауне, расположенном в Гайане. Сам Джин Джонс и несколько других членов культа были убиты при попытке скрыться.
Безусловно, Голливудский Музей Смерти будет интересен многим туристам, посещающим Лос-Анджелес, ведь это является историей человечества, а смерть следует воспринимать как неизбежность.
Адрес: 6031 Hollywood Blvd Hollywood, CA 90028


3. Nederlands Uitvaart Museum Tot Zover


Музей смерти в Нидерландах
Адрес: Kruislaan 124, 1097 GA Amsterdam
Тел.: 020-6940482
E-mail: [email protected]

оф.сайт

Шанхайский музей похоронного искусства предлагает посетителям знакомство как с обычаями погребения, культивировавшимися в Древнем Китае, так и современными предложениями в этой области. Несмотря на все изменения социального строя Китая в прошлом веке, культ уважения к предкам и соответствующего отношения к захоронениям по-прежнему заметен и играет важную роль в быту и поведении китайцев.

4. National Museum of Funeral History


Национальный музей похоронной истории, Хьюстон, США
Адрес: 415 Barren Spring Drive Houston, TX 77090
Национальный Музей истории похорон (National Funeral History Museum) был основан Робертом Волтрипом в Хьюстоне, США.
В Музее собрано огромное количество артефактов, предметов, использовавшихся в древности и в наше время для проведения обрядов похорон, бальзамирования, традиции похорон в разных уголках мира, описания ритуальных церемоний и другие поразительные экспонаты такие, как коллекция ювелирных украшений с использованием волос умерших (постижерное искусство). Великолепная коллекция катафалков, похоронных карет и других транспортных средств для похоронного ритуала, выставка похорон президентов США, уникальная экспозиция, посвященная похоронам понтификов в Ватикане, созданная со специального разрешения Ватикана - все это привлекает интерес большого числа туристов и похоронных работников из разных стран мира.
"Наслаждайтесь каждым днем, проведенным на земле, а не под ней" - такой девиз можно прочесть на сувенирах в магазине Музея.
-Смерть - это часть жизни или Прогулка по очень страшному музею-



5. Museum fur Sepulkralkultur


Музей погребальной культуры в Касселе, Германия
Адрес: Weinbergstrasse 25–27 D-34117 Kassel
Тел.: (0561) 918 93-10

Открытый в 1992 г. Музей культуры погребения является единственным в своем роде в ФРГ. На выставочной площади в 1 400 кв. м можно осмотреть множество различных исторических и современных экспонатов, относящихся к этой области культуры: гробы, катафалки, траурную одежду и украшения, надгробные камни, скульптуры и предметы обихода, связанные с темами умирания, смерти и поминания. Выставка также уделяет внимание ритуалам смерти и похорон, оформлению кладбищ, могил и памятников. Музею принадлежит около 16 500 произведений графического искусства с XV. в. до наших дней, библиотека монографий, каталогов, специальных изданий, а также многочисленные статьи на тему культуры погребения. Музей закрыт по понедельникам, кроме праздничных дней. Экскурсии по заявкам.
-
-Музей Погребальной Культуры, Кассель, Германия-
.flickr.com
оф.сайт

6. Musee Funeraire National

Французский музей погребальной культуры
Адрес: 75005 Paris - France 14 rue des Fosses Saint Marsel
www.musee-funeraire.com/

7. Музей погребальной культуры

Единственный музей такого направления в России. Проект создан по инициативе руководства Новосибирского крематория. Создается при поддержке Европейской ассоциации музеев смерти (Базель, Будапешт, Гамбург, Кассель, Лондон, Вена). К работе по формированию экспозиции проявили интерес Областной Государственный архив, Краеведческий музей, Институт археологии СО РАН, а также известные коллекционеры. С благодарностью примем: предметы, символику, фотографии, информационные материалы, имеющие отношение к традициям погребения и смерти.
Музей примечателен уровнем визуализации – редким для российской музейной практики, но популярным в Европе и США. Многие аспекты старинной погребальной культуры представлены в виде сюжетных инсталляций-диорам. Опознание в старинной прозекторской, прием заказа в погребальной конторе, пошив траурного платья, прощание родных с умершим ребенком – все сюжеты в детально воспроизведенных интерьерах разыгрывают реалистичные манекены, облаченные в одежду XIX века. Есть в этом ряду и сцены, совершенно удивительные для современного зрителя. Например, фотоателье, где совершается фотографический сеанс post mortem – съемка покойника в «живой» позе и обстановке, вместе с родственниками. Этот необычный фото-жанр, возникший в викторианской Англии, покорил несколько стран Европы, восточное побережье CША и просуществовал до конца 1920-х годов, оставив довольно большое визуальное наследство. Самый выразительные и знаменитые из таких портретов тоже представлены в экспозиции.
Музейный комплекс расположен в Парке Памяти новосибирского крематория. По желанию зрителей, посещение крематория может быть и замыкающей частью экскурсии. «Именно в такой цепочке это специфическое место воспринимается наиболее деликатно и естественно, - поясняет директор музея Татьяна Якушина. – Концепция нашего музея – это не воспитание интереса к смерти и не любование ей. Это тактичный и подробный рассказ о формах памятования, формах почтения к предкам. По большому счету, это музей культуры памяти. А если еще точнее – музей культуры жизни наших предков, потому, что если бы не было таких музеев, мы бы не знали как жили люди в разные эпохи, как оценивали друг друга, к каким целям стремились в течение жизни. Ведь последний день на земле – оценка всей достоинств и достижений человека».
©
Режим работы музея: ВТ-ВС 10.00-17.00.
Адрес: Новосибирск, Военторговская, 4/16
Телефон: 363 03 29, 8 913 915 63 96
Страница VK
Пишет  r-impertinent:

«Музей смерти» открылся в самом центре Санкт-Петербурга 21 декабря. Музей основан куратором уже известных в Москве и в северной столице музеев эротики Александром Донским.
Экспозиция включает скелеты, раскрашенные черепа, посмертные маски, «духов и богов смерти» из различных регионов мира, а также объекты погребальных ритуалов, такие как надгробия и похоронные урны.
На данный момент в управлении Донского два музея эротики в Москве и Санкт-Петербурге, московский «Музей СССР» и санкт-петербургский «Музей власти». Первая же выставка последнего – «Правители» – привела к вмешательству полиции, которая изъяла четыре картины Константина Алтунина, включая портрет Владимира Путина и Дмитрия Медведева в женском нижнем белье. Подробнее об этом уже писал Blouin Artinfo Russia. Музей был закрыт.
Новый музей Донского расположен по соседству с предыдущими: на Невском проспекте, 5.
По информации Московского комсомольца, в музей планируют поместить флейту из кости человека и тибетский артефакт с мистическими свойствами,а также экспонаты из Азии и Африки. В дальнейшем организаторы планируют открыть музей в Москве.
Страница VK


Как часто мы ходим на кладбище? В родительский день, чаще? Под­сознательно каждый из нас хочет быть подальше от смерти, вот и посещаем ушедших родных от случая к случаю. Не добавляет положительных эмоций и ритуал погребения. От советских традиций ритуальных услуг нынешний похоронный бизнес ушел не так далеко, но он очень стремится к цивилизованности. Не спеша. Поступа­тельно. Но по-другому и быть не может.
+больше+

@темы: обряды и традиции, Тени смерти, В гостях у La Belle Dame sans Merci, атрибуты погребения и похорон, клипы/ролики/передачи